Loser
Gimmick ? Un tube avant-folk-rock-hip-hop ? Hymne au rock de fainéant ? Satire moqueuse de la génération X ou hymne définissant la génération X ? Comment définissez-vous Loser ? Pour Beck, c’était une chanson médiocre qui tournait en dérision son rap, et il n’a accepté sa sortie que sur l’insistance de Tom Rothrock, qui dirigeait son label Bong Load. Pourtant, elle reste non seulement l’une des chansons les plus bizarres et les plus surréalistes à avoir été un succès, mais elle a également réussi à devenir un hymne pour les fainéants, les garçons de fraternité et votre mère. La question s’est posée de savoir si Loser allait devenir un albatros autour du cou de Beck, le seul tube de la merveille. Pourtant, parmi les débris des aventures sonores de Beck, Loser est une introduction plutôt appropriée à son talent précoce : on y trouve les samples (la reprise par Johnny Jenkins de I Walk on Gilded Splinters de Dr John), une guitare blues slide sur des breaks hip-hop traînants et les éternelles paroles d’ouverture absurdes : « Au temps des chimpanzés, j’étais un singe. »
Whiskeyclone, Hotel 1997
Encore un titre de son premier album, Mellow Gold, mais celui-ci montre une autre facette de Beck : le contemplatif, le gonzo raconteur jouant de la guitare Delta blues. Ici, la magie réside dans les textures et les imperfections. C’est Beck qui donne une tournure moderne à la tradition du blues, son laisser-aller et le pétillement de l’enregistrement lui conférant une intimité envoûtante. Depuis qu’il est tombé sur la première vague de la scène anti-folk new-yorkaise à la fin des années 1980, Beck a été influencé par le blues du Delta, et cette guitare délicate et nerveuse sur une mélodie spectrale et hypnotique, et quelques paroles autobiographiques marmonnées, est une incarnation hirsute et émouvante de cet esprit. Les paroles – rencontrer une fille, la suivre sur une île de Washington et trouver un emploi de plongeur qui détruit son âme – nous donnent un rare aperçu de sa vie. On y trouve à la fois de la résignation et de l’espoir et, avec la réplique « I’ll be lonesome when I’m gone », un véritable coup de poing émotionnel dans les tripes.
Where It’s At
Du sifflement de l’aiguille sur le vinyle au début et du « jigsaw jazz and the get-fresh flow », c’est peut-être la chanson qui résume le mieux les influences pie de Beck. En roue libre, inventive et irrévérencieuse, c’est un mélange déroutant mais séduisant de samples bizarres, d’un groove à la Afrika Bambaataa, d’une ligne de clavier lounge-lizard funky et d’un hurlement désaccordé de « I got two turntables and a microphone » – pillé sur le 12in électro Needle to the Groove de Mantronix. Les emprunts ne s’arrêtent pas là. Le titre et de nombreux échantillons parlés proviennent d’un obscur album d’éducation sexuelle de 1969 intitulé Sex for Teens (Where It’s At). Il a non seulement contribué à hisser Beck dans le courant dominant, mais en citant le musicien outsider des années 70 Gary Wilson (« Passing the dutchie from coast to coast / like my man Gary Wilson who rocks the most »), il a également contribué à relancer la carrière de quelqu’un d’autre.
Deadweight
Cette chanson – bouche-trou entre les albums Odelay et Mutations – est tirée de la bande originale de A Life Less Ordinary, mais que cela ne vous rebute pas. Beck a dit que Deadweight, avec Tropicalia, faisait partie de sa « trilogie brésilienne » (nous attendons toujours le troisième volet). Pourtant, contrairement à la bossa nova de Tropicalia, l’influence brésilienne de Deadweight est tissée avec une vibration poussiéreuse et mélancolique pour créer un mélange enivrant. Bien sûr, il y a les percussions cadencées des boîtes à rythmes vintage, la guitare ramassée et les rayures de vinyle, mais l’ambiance est réglée sur une douceur crépusculaire. Beck nous raconte une histoire difficile sur le jeu, la solitude et le fait de ne pas laisser le soleil vous surprendre en train de pleurer. Elle constitue également un lien fascinant dans la carrière de Beck, quelque part entre le rock postmoderne mishmash d’Odelay et le psychédélisme downbeat de Mutations. La chanson a été nominée pour la meilleure chanson tirée d’un film aux MTV movie awards de 1998, mais a perdu face à Men in Black de Will Smith.
Nobody’s Fault But My Own
Le son d’un Beck au cœur brisé, inconsolable et psychédélique, Nobody’s Fault But My Own, de Mutations, est la chanson que vous jouez lorsque vous êtes assis dans le noir de votre chambre, regrettant la journée passée. Même le titre est empreint d’introspection. Quand on lui demande l’histoire de cette chanson, Beck répond : « Eh bien, je suis descendu dans ma cave. Il pleuvait dehors, et je l’ai écrite. » Sur un doux brouillard de sitar, de synthétiseurs et de cordes (dont l’alto de son père, David Campbell), Beck s’exprime de manière sérieuse et larmoyante, oscillant doucement entre égocentrisme et regret mélancolique. Il y a aussi de la poésie : « Quand la lune est une contrefaçon / Mieux vaut trouver celle qui convient / Mieux vaut trouver celle qui éclaire le chemin pour toi ». Pourtant, toute sa lourdeur est relevée par la finesse de l’orchestration, la production de Nigel Godrich et le paysage sonore magnifiquement mélancolique.
Debra
« Je veux être avec toi, seulement toi, ma fille, et ta sœur. Je crois qu’elle s’appelle Debra. » Un élément de base de son set live depuis longtemps – il avait initialement tenté d’enregistrer Debra pour Odelay mais l’avait abandonné, le trouvant trop désinvolte – cette ode funk érotique épique menée par un fausset pour courtiser une fille et sa sœur est Beck dans ce qu’il a de plus brillamment absurde. Bien que son quatrième album Midnite Vultures soit empreint de satire filth-funk, l’amour et la fascination de Beck pour le R&B, et R Kelly en particulier, ne font aucun doute. « Ces gars-là chantent du R&B avec un groove très doux et lisse, mais ils chantent comment ils veulent enlever la culotte d’une fille et la faire vraiment bien. C’est une juxtaposition vraiment bizarre », a-t-il déclaré. Dès la première ligne de « I met you at JC Penney / I think your nametag said Jenny ! », il y a quelques lignes fantastiques ici, livrées avec délectation. En concert, la chanson a toujours eu une vie propre, les ad-libs de Beck l’envoyant dans des endroits bizarres et le groupe l’étendant à des longueurs ridicules. « Elle est devenue la pièce maîtresse de tout le set. C’était la chanson à laquelle les gens réagissaient plus que les chansons qu’ils avaient entendues à la radio. Alors on n’arrêtait pas de la jouer et de la jouer », a-t-il déclaré.
It’s All in Your Mind
Après tous ces emprunts de genre postmodernistes de pacotille, le cinquième album de Beck, Sea Change, s’avérera être son chef-d’œuvre. Il est facile de comprendre pourquoi il a été comparé à Blood on the Tracks de Dylan à sa sortie : ici, Beck a tout mis sur la table, avec des chansons de déchirement et de résignation, influencées par sa rupture avec sa fiancée Leigh Limon. Pourtant, c’est une chanson qu’il avait écrite des années auparavant qui a montré qu’il possédait ces compétences depuis le début : It’s All in Your Mind a été enregistrée pour l’album One Foot in the Grave de 1994, a fini en tant qu’outtake et est sortie en tant que single 7in l’année suivante. Ce n’est que lorsque Beck a commencé à gratter la chanson en studio que le producteur Nigel Godrich lui a dit que la chanson devait être incluse dans l’album de 2002. Cette version réenregistrée est une riche tapisserie de sons, rehaussée par de mélancoliques fioritures de cordes, offertes par le père de Beck. Au fur et à mesure que la musique s’entremêle, Beck, la voix grave et lasse de chagrin, reconnaît : « Je voulais être un bon ami ». Toute personne qui a été dans une relation s’identifiera.
Girl
Girl brille comme l’un des moments de Beck de pure perfection pop sans complexe. Scintillant et estival, de l’intro 8-bit jusqu’à la strum et les « oohs » sans effort du refrain, c’est le son d’être assis au soleil en train de boire une piña colada dans une noix de coco. Allez, il y a même des claquements de mains. Mais, bien sûr, c’est Beck et les choses ne sont pas aussi simples. Qu’est-ce qu’il chante ? « Et je sais que je vais lui voler ses yeux / Elle ne sait même pas ce qui ne va pas / Je sais que je vais la faire mourir / L’emmener là où est son âme », roucoule-t-il sur le refrain ensoleillé. Si vous vous sentez généreux, ce sont des affirmations sincères de luxure ; si vous ne l’êtes pas, ce sont les confessions d’un harceleur meurtrier.
Strange Apparition
« Seigneur, ne m’abandonne pas. Dans ma Mercedes-Benz », chante Beck en faisant référence à la chanson de Janis Joplin. Et vous réalisez que vous n’avez jamais su que vous vouliez l’entendre faire du rock classique jusqu’à maintenant. Strange Apparition – mi-hommage à Gimme Shelter, mi-hommage aux Stones, mi-hymne parodiant le capitalisme – c’est Beck jouant la rock star messianique. Dans l’album dont il est issu, The Information, qui comprenait, entre autres choses bizarres, une conversation décousue entre Spike Jonze et Dave Eggers, Beck a tout balancé, avec plus ou moins de succès. Sur Strange Apparition, la clameur, les percussions qui s’entrechoquent, le piano et les voix de fond qui klaxonnent frôlent le grandiose (ou le Dave Matthews Band, si vous préférez). Mais dans le breakdown pour le pont et la fin dramatique au ralenti, il montre sa maîtrise. « Je voulais que ça sonne comme quand les Beatles sortent toutes leurs percussions et se déchaînent », a-t-il expliqué.
Blue Moon
Une décennie après Sea Change est arrivé son héritier spirituel. Morning Phase, un « morceau de compagnon en quelque sorte » de l’album précédent est, en surface, une autre confession mélancolique. « Il y a ce sentiment de tumulte et d’incertitude, de traverser cette longue et sombre nuit de l’âme – peu importe comment vous voulez l’appeler », a déclaré Beck à Rolling Stone. « Ces chansons parlent de la façon dont on s’en sort, comment les choses s’améliorent. » Et ce sentiment d’amélioration transparaît : une grande partie de Morning Phase baigne les chansons dans une lueur chatoyante, grâce à sa grandeur orchestrale et aux guitares et cordes traversées par la chaleur. Cela donne un album qui est indulgent d’une manière charmante. Cela n’est nulle part plus vrai que sur le dylanesque Blue Moon. Ainsi, alors que la première ligne le voit s’écrier « Je suis si fatigué d’être seul », comme un adolescent abandonné, il rumine sa solitude sur un fond luxuriant de guitares magnifiques et d’orchestration douce. On peut presque voir la lumière de la lune briller dans sa cabane en rondins. Lorsqu’il chante « Cut me down to size, so I can fit inside », la tendresse semble transcendante.
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