Andy Warhol (/ˈwɔːrhɒl/ ; né Andrew Warhola ; 6 août 1928 – 22 février 1987) est un artiste américain qui fut une figure de proue du mouvement d’art visuel connu sous le nom de pop art. Ses œuvres explorent la relation entre l’expression artistique, la culture de la célébrité et la publicité qui a fleuri dans les années 1960.
Après une carrière réussie d’illustrateur commercial, Warhol est devenu un artiste renommé et parfois controversé. Son art utilisait de nombreux types de médias, notamment le dessin à la main, la peinture, la gravure, la photographie, la sérigraphie, la sculpture, le cinéma et la musique. Son studio, The Factory, était un lieu de rencontre bien connu qui réunissait des intellectuels distingués, des drag queens, des dramaturges, des bohèmes des rues, des célébrités d’Hollywood et de riches mécènes. Il a géré et produit le Velvet Underground, un groupe de rock qui a eu une forte influence sur l’évolution de la musique punk rock. Il a fondé le magazine Interview et est l’auteur de nombreux livres, dont The Philosophy of Andy Warhol etPopism : The Warhol Sixties. Il est également remarquable en tant qu’homme gay qui a vécu ouvertement en tant que tel avant le mouvement de libération gay, et on lui attribue l’invention de l’expression largement utilisée « 15 minutes de célébrité ».
Warhol a fait l’objet de nombreuses expositions rétrospectives, de livres et de longs métrages et documentaires. Le musée Andy Warhol, situé dans sa ville natale, Pittsburgh, en Pennsylvanie, qui détient une vaste collection permanente d’art et d’archives, est le plus grand musée des États-Unis consacré à un seul artiste. Nombre de ses créations sont très recherchées et ont une grande valeur. Le prix le plus élevé jamais payé pour une peinture de Warhol est de 105 millions de dollars américains pour une toile de 1963 intitulée « Silver Car Crash (Double Disaster) » ; ses œuvres comptent parmi les peintures les plus chères jamais vendues. Un article paru en 2009 dans The Economist décrivait Warhol comme le « bellwether du marché de l’art ».
Warhol est né le 6 août 1928 à Pittsburgh, en Pennsylvanie. Il était le quatrième enfant d’Ondrej Warhola (américanisé sous le nom d’Andrew Warhola, Sr, 1889-1942) et de Julia (née Zavacká, 1892-1972), dont le premier enfant est né dans leur pays natal et est décédé avant leur déménagement aux États-Unis.
Ses parents étaient des émigrants Lemko de la classe ouvrière de Mikó (aujourd’hui appelé Miková), situé dans le nord-est de la Slovaquie actuelle, faisant partie de l’ancien Empire austro-hongrois. Le père de Warhol a émigré aux États-Unis en 1914, et sa mère l’a rejoint en 1921, après la mort des grands-parents de Warhol. Le père de Warhol travaillait dans une mine de charbon. La famille a vécu au 55 Beelen Street et plus tard au 3252 Dawson Street dans le quartier Oakland de Pittsburgh. La famille était catholique byzantine et fréquentait l’église catholique byzantine St. John Chrysostom. Andy Warhol avait deux frères aînés : Pavol (Paul), l’aîné, est né avant que la famille n’émigre ; Ján était né à Pittsburgh. Le fils de Pavol, James Warhola, est devenu un illustrateur de livres pour enfants à succès.
En troisième année, Warhol a eu la chorée de Sydenham (également connue sous le nom de danse de Saint-Guy), la maladie du système nerveux qui provoque des mouvements involontaires des extrémités, qui serait une complication de la scarlatine qui provoque des taches de pigmentation de la peau. Il devient hypocondriaque, développant une peur des hôpitaux et des médecins. Souvent cloué au lit pendant son enfance, il est devenu un paria à l’école et s’est lié à sa mère. Lorsqu’il est confiné au lit, il dessine, écoute la radio et collectionne des photos de stars de cinéma autour de son lit. Warhol a décrit plus tard cette période comme très importante pour le développement de sa personnalité, de ses compétences et de ses préférences. Lorsque Warhol a 13 ans, son père meurt dans un accident.
A l’adolescence, Warhol est diplômé de la Schenley High School en 1945. Après avoir obtenu son diplôme, ses intentions étaient d’étudier l’éducation artistique à l’Université de Pittsburgh dans l’espoir de devenir un professeur d’art, mais ses plans ont changé et il s’est inscrit au Carnegie Institute of Technology de Pittsburgh, où il a étudié l’art commercial. Pendant son séjour, Warhol a rejoint le club de danse moderne et la société des Beaux-Arts du campus. Il est également directeur artistique du magazine d’art étudiant, Cano, dont il illustre la couverture en 1948 et une illustration intérieure pleine page en 1949. On pense qu’il s’agit là de ses deux premières œuvres d’art publiées. Warhol obtient une licence de beaux-arts en design pictural en 1949. Plus tard cette année-là, il s’installe à New York et commence une carrière dans l’illustration de magazines et la publicité.
Durant les années 1950, Warhol devient célèbre pour ses dessins à l’encre fantaisistes de publicités de chaussures. Ceux-ci étaient réalisés dans un style libre, à l’encre buvard, et figuraient dans certaines de ses premières expositions à la Bodley Gallery de New York. Avec l’expansion rapide concomitante de l’industrie du disque et l’introduction du disque vinyle, de la Hi-Fi et des enregistrements stéréophoniques, RCA Records a engagé Warhol, ainsi qu’un autre artiste indépendant, Sid Maurer, pour concevoir des couvertures d’albums et du matériel promotionnel.
Warhol a adopté très tôt le procédé de sérigraphie comme technique de réalisation de peintures. Ses premières sérigraphies en peinture impliquaient des images dessinées à la main bien que cela ait rapidement évolué vers l’utilisation de sérigraphies dérivées de photographies dans les peintures. Avant d’entrer dans le domaine des beaux-arts, l’expérience de Warhol dans le domaine de l’art commercial impliquait également des techniques innovantes de création d’images, quelque peu liées aux techniques de gravure. Lorsqu’il rendait des objets commerciaux pour la publicité, Warhol concevait une technique permettant d’obtenir une image caractéristique. L’imagerie qu’il utilisait dans la publicité était souvent exécutée en appliquant de l’encre sur du papier, puis en épongeant l’encre encore humide. Cela s’apparentait à un processus de gravure à l’échelle la plus rudimentaire.
Le travail de Warhol, à la fois en tant qu’artiste commercial et plus tard en tant qu’artiste plasticien, affiche une approche décontractée de la création d’images, dans laquelle le hasard joue un rôle et les erreurs et les marques involontaires sont tolérées. Les images qui en résultent, tant dans l’art commercial de Warhol que plus tard dans ses œuvres d’art, sont souvent pleines d’imperfections – on y trouve souvent des bavures et des taches. Dans son livre POPism, Warhol écrit : » Quand vous faites quelque chose d’exactement faux, vous faites toujours apparaître quelque chose. «
Il commence à exposer ses œuvres au cours des années 1950. Il tient des expositions à la Hugo Gallery et à la Bodley Gallery de New York ; en Californie, sa première exposition en galerie sur la côte ouest a lieu le 9 juillet 1962, à la Ferus Gallery de Los Angeles. Cette exposition marque les débuts du pop art sur la côte ouest. La première exposition pop art solo d’Andy Warhol à New York est organisée à la Stable Gallery d’Eleanor Ward du 6 au 24 novembre 1962. L’exposition comprend les œuvres Marilyn Diptych, 100 Soup Cans, 100 Coke Bottles, et 100 Dollar Bills. Lors de l’exposition de la Stable Gallery, l’artiste a rencontré pour la première fois le poète John Giorno qui allait jouer dans le premier film de Warhol, Sleep, en 1963.
C’est dans les années 1960 que Warhol commence à réaliser des peintures d’objets américains emblématiques tels que des billets de dollars, des champignons atomiques, des chaises électriques, des boîtes de soupe Campbell, des bouteilles de Coca-Cola, des célébrités comme Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando,Troy Donahue, Muhammad Ali et Elizabeth Taylor, ainsi que des titres de journaux ou des photographies de chiens policiers attaquant des manifestants pour les droits civiques. Durant ces années, il fonde son studio, « The Factory », et rassemble autour de lui un large éventail d’artistes, d’écrivains, de musiciens et de célébrités underground. Son travail devient populaire et controversé. Warhol avait ceci à dire sur Coca-Cola :
Ce qui est génial dans ce pays, c’est que l’Amérique a commencé la tradition où les consommateurs les plus riches achètent essentiellement les mêmes choses que les plus pauvres. Vous pouvez regarder la télévision et voir du Coca-Cola, et vous savez que le président boit du Coca-Cola, que Liz Taylor boit du Coca-Cola, et pensez-y, vous pouvez aussi boire du Coca-Cola. Un Coca-Cola est un Coca-Cola et aucune somme d’argent ne peut vous procurer un meilleur Coca-Cola que celui que boit le clochard du coin. Tous les Coca-Cola sont les mêmes et tous les Coca-Cola sont bons. Liz Taylor le sait, le président le sait, le clochard le sait et vous le savez.
Le Musée d’art moderne de New York a accueilli un Symposium sur le pop art en décembre 1962 au cours duquel des artistes comme Warhol ont été attaqués pour avoir « capitulé » devant le consumérisme. Les critiques étaient scandalisés par l’adhésion ouverte de Warhol à la culture du marché. Ce symposium a donné le ton de la réception de Warhol. Tout au long de la décennie, il devint de plus en plus évident qu’un changement profond s’était opéré dans la culture du monde de l’art, et que Warhol était au centre de ce changement.
Un événement charnière fut l’exposition de 1964, The American Supermarket, qui se tenait dans la galerie de Paul Bianchini, dans l’Upper East Side. L’exposition était présentée comme l’environnement typique d’un petit supermarché américain, sauf que tout ce qui s’y trouvait – les produits, les conserves, la viande, les affiches au mur, etc. – avait été créé par six artistes pop éminents de l’époque, parmi lesquels les controversés (et partageant les mêmes idées) Billy Apple, Mary Inman et Robert Watts. La peinture de Warhol représentant une boîte de soupe Campbell’s coûtait 1 500 dollars, tandis que chaque boîte autographiée se vendait 6 dollars. L’exposition a été l’un des premiers événements de masse à confronter directement le grand public à la fois au pop art et à l’éternelle question de savoir ce qu’est l’art.
En tant qu’illustrateur publicitaire dans les années 1950, Warhol faisait appel à des assistants pour augmenter sa productivité. La collaboration restera un aspect déterminant (et controversé) de ses méthodes de travail tout au long de sa carrière ; c’est particulièrement vrai dans les années 1960. L’un des collaborateurs les plus importants de cette période est Gerard Malanga. Malanga aidait l’artiste à produire des sérigraphies, des films, des sculptures et d’autres œuvres à « The Factory », le studio de Warhol en aluminium recouvert de feuilles d’aluminium et de peinture argentée, situé sur la 47e rue (qui sera plus tard déplacé à Broadway). Parmi les autres membres de la foule de la Factory de Warhol, citons Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name et Brigid Berlin (de qui il aurait eu l’idée d’enregistrer ses conversations téléphoniques).
Durant les années 1960, Warhol a également entretenu une suite d’excentriques de la bohème et de la contre-culture à qui il a conféré la désignation de « Superstars », notamment Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis et Candy Darling. Ces personnes ont toutes participé aux films de la Factory, et certaines, comme Berlin, sont restées amies avec Warhol jusqu’à sa mort. Des figures importantes du monde de l’art et du cinéma underground new-yorkais, comme l’écrivain John Giorno et le cinéaste Jack Smith, apparaissent également dans les films de Warhol des années 1960, révélant les liens de Warhol avec un large éventail de scènes artistiques à cette époque. Ce qui est moins connu, c’est son soutien et sa collaboration avec plusieurs adolescents à cette époque, qui atteindront la notoriété plus tard dans leur vie, notamment l’écrivain David Dalton, le photographe Stephen Shore et l’artiste Bibbe Hansen (mère du musicien popBeck).
Le 3 juin 1968, l’écrivaine féministe radicale Valerie Solanas a tiré sur Warhol et Mario Amaya, critique d’art et conservateur, dans le studio de Warhol. Avant la fusillade, Solanas avait été une figure marginale de la scène de la Factory. En 1967, elle est l’auteur du S.C.U.M. Manifesto, un tract féministe séparatiste qui prône l’élimination des hommes, et apparaît dans le film I, a Man (1968) de Warhol. Plus tôt le jour de l’attaque, Solanas avait été refoulée de la Factory après avoir demandé qu’on lui rende un scénario qu’elle avait donné à Warhol. Le script avait apparemment été égaré.
Amaya n’a reçu que des blessures mineures et est sortie de l’hôpital plus tard le même jour. Warhol a été gravement blessé par l’attaque et a survécu de justesse : les chirurgiens ont ouvert sa poitrine et massé son cœur pour aider à stimuler à nouveau son mouvement. Il a souffert de séquelles physiques pour le reste de sa vie, et a notamment dû porter un corset chirurgical. La fusillade a eu un effet profond sur la vie et l’art de Warhol.
Solanas a été arrêtée le lendemain de l’agression, après s’être rendue à la police. En guise d’explication, elle a déclaré que Warhol « avait trop de contrôle sur ma vie ». Elle a ensuite été diagnostiquée comme souffrant de schizophrénie paranoïde et a finalement été condamnée à trois ans sous le contrôle du département des services correctionnels. Après la fusillade, la scène de la Factory a fortement augmenté la sécurité, et pour beaucoup, les « Factory 60s » ont pris fin.
Warhol avait ceci à dire sur l’attaque : « Avant de me faire tirer dessus, j’ai toujours pensé que j’étais plus à moitié là que tout là – j’ai toujours soupçonné que je regardais la télévision au lieu de vivre la vie. Les gens disent parfois que la façon dont les choses se passent dans les films est irréelle, mais en fait, c’est la façon dont les choses se passent dans la vie qui est irréelle. Dans les films, les émotions semblent si fortes et si réelles, alors que lorsque les choses vous arrivent vraiment, c’est comme si vous regardiez la télévision : vous ne ressentez rien. Au moment où on m’a tiré dessus et depuis, je savais que je regardais la télévision. Les chaînes changent, mais c’est toujours de la télévision. »
Par rapport au succès et au scandale de l’œuvre de Warhol dans les années 1960, les années 1970 sont une décennie beaucoup plus calme, car il devient plus entreprenant. Selon Bob Colacello, Warhol consacrait une grande partie de son temps à rassembler de nouveaux et riches mécènes pour des commandes de portraits – dont le shah d’Iran Mohammad Reza Pahlavi, son épouse l’impératrice Farah Pahlavi, sa sœur la princesse Ashraf Pahlavi, Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross et Brigitte Bardot. Le célèbre portrait du leader communiste chinois Mao Zedong a été réalisé par Warhol en 1973. Il a également fondé, avec Gérard Malanga, le magazine Interview, et a publié The Philosophy of Andy Warhol (1975). Une idée exprimée dans le livre : » Faire de l’argent, c’est de l’art, et travailler, c’est de l’art, et les bonnes affaires sont le meilleur art. «
Warhol fréquentait divers lieux de nuit à New York, notamment le Max’s Kansas City ; et, plus tard dans les années 1970, le Studio 54. Il était généralement considéré comme calme, timide, et un observateur méticuleux. Le critique d’art Robert Hughes l’appelait » la taupe blanche d’Union Square « .
Avec son ami de longue date Stuart Pivar, Warhol a fondé la New York Academy of Art en 1979.
Warhol a connu un regain de succès critique et financier dans les années 1980, en partie grâce à son affiliation et à ses amitiés avec un certain nombre de jeunes artistes prolifiques, qui dominaient le » marché haussier » de l’art new-yorkais des années 1980 : Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle et d’autres soi-disant néo-expressionnistes, ainsi que des membres du mouvement Transavantgarde en Europe, dont Francesco Clemente et Enzo Cucchi.
À cette époque, l’artiste graffeur Fab Five Freddy rend hommage à Warhol en peignant un train entier avec des boîtes de soupe Campbell. Cela a contribué à ce que Freddy s’implique dans la scène artistique underground de NYC et devienne un affilié de Basquiat.
À cette époque, Warhol était critiqué pour être devenu un simple » artiste commercial « . En 1979, les critiques n’apprécient pas ses expositions de portraits de personnalités et de célébrités des années 1970, les qualifiant de superficielles, faciles et commerciales, sans profondeur ni indication de la signification des sujets. Ils ont également critiqué son exposition de dix portraits au Jewish Museum de Manhattan en 1980, intitulée Jewish Geniuses, que Warhol – qui ne s’intéressait pas au judaïsme ni aux Juifs – avait décrite dans son journal comme « Ils vont se vendre ». Avec le recul, cependant, certains critiques en sont venus à considérer la superficialité et la commercialité de Warhol comme « le miroir le plus brillant de notre époque », soutenant que « Warhol avait capturé quelque chose d’irrésistible sur le zeitgeist de la culture américaine des années 1970. »
Warhol avait également une appréciation pour le glamour hollywoodien intense. Il a dit un jour : « J’aime Los Angeles. J’aime Hollywood. Ils sont si beaux. Tout est en plastique, mais j’aime le plastique. Je veux être en plastique. »
Warhol est mort à Manhattan, à 6h32 du matin, le 22 février 1987. Selon les médias, il se remettait bien d’une opération de routine de la vésicule biliaire à l’hôpital de New York, avant de mourir dans son sommeil d’une soudaine arythmie cardiaque post-opératoire. Avant son diagnostic et son opération, Warhol avait retardé le contrôle de ses problèmes récurrents de vésicule biliaire, car il avait peur d’entrer dans les hôpitaux et de voir des médecins. Sa famille a poursuivi l’hôpital pour soins inadéquats, affirmant que l’arythmie avait été causée par des soins inadéquats et une intoxication à l’eau. L’affaire de faute professionnelle a été rapidement réglée à l’amiable ; la famille de Warhol a reçu une somme d’argent non divulguée.
Le corps de Warhol a été ramené à Pittsburgh, par ses frères, pour être enterré. La veillée funèbre a eu lieu au Thomas P. Kunsak Funeral Home et était une cérémonie à cercueil ouvert. Le cercueil était un cercueil en bronze massif avec des rails plaqués or et un rembourrage blanc. Warhol était vêtu d’un costume en cachemire noir, d’une cravate cachemire, d’une perruque platine et de lunettes de soleil. Il posait en tenant un petit livre de prières et une rose rouge. La liturgie funéraire a eu lieu à l’église catholique byzantine du Saint-Esprit, dans le quartier nord de Pittsburgh. L’éloge funèbre a été prononcé par Monseigneur Peter Tay. Yoko Ono et John Richardson ont pris la parole. Le cercueil a été recouvert de roses blanches et de fougères asperges. Après la liturgie, le cercueil a été conduit au cimetière catholique byzantin de Saint-Jean-Baptiste à Bethel Park, dans la banlieue sud de Pittsburgh.
Sur la tombe, le prêtre a prononcé une brève prière et a aspergé le cercueil d’eau bénite. Avant que le cercueil ne soit descendu, Paige Powell a déposé dans la tombe un exemplaire du magazine Interview, un T-shirt Interview et un flacon du parfum « Beautiful » d’Estee Lauder. Warhol a été enterré à côté de sa mère et de son père. Un service commémoratif a été organisé à Manhattan pour Warhol le 1er avril 1987, à la cathédrale Saint-Patrick de New York.
Fondation
Le testament de Warhol dictait que la totalité de sa succession – à l’exception de quelques modestes legs à des membres de sa famille – serait destinée à créer une fondation dédiée à « l’avancement des arts visuels ». Warhol possédait tellement de biens qu’il a fallu neuf jours à Sotheby’s pour vendre aux enchères sa succession après sa mort ; la vente aux enchères a rapporté plus de 20 millions de dollars américains.
En 1987, conformément au testament de Warhol, la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels a vu le jour. La fondation fait office de succession d’Andy Warhol, mais a également pour mission » d’encourager l’expression artistique innovante et le processus créatif » et se » concentre principalement sur le soutien d’œuvres de nature stimulante et souvent expérimentale. «
L’Artists Rights Society est le représentant américain des droits d’auteur de la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts pour toutes les œuvres de Warhol, à l’exception des photographies de films de Warhol. Le représentant américain des droits d’auteur pour les photographies de films de Warhol est le Warhol Museum de Pittsburgh. En outre, la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts a conclu des accords pour ses archives d’images. Toutes les images numériques de Warhol sont exclusivement gérées par Corbis, tandis que toutes les images en transparence de Warhol sont gérées par Art Resource.
La Fondation Andy Warhol a publié son rapport annuel du 20e anniversaire sous la forme d’un ensemble de trois volumes en 2007 : Vol. I, 1987-2007 ; Vol. II, Subventions & Expositions ; et Vol. III, Programme d’héritage.
La Fondation reste l’un des plus grands organismes subventionnaires des arts visuels aux États-Unis
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