La musique disco est toujours appréciée aujourd’hui au 21e siècle, mais les modes flamboyantes ont été reléguées aux déguisements et aux fêtes costumées vintage. Cependant, la mode disco est si populaire parce que les vêtements sont si amusants et flamboyants que vous pouvez vraiment montrer votre côté extraverti. Le disco n’est pas mort. Voici une histoire complète du disco et de la mode disco.
L’apogée de la mode disco a fleuri à partir de la musique jouée dans les clubs underground gays de New York comme le Loft, le Tenth Floor,et le 12 West au début des années 1970. D’autres clubs comme l’Infinity, le Flamingo, le Paradise Garage, le Jardin et le Saint ont lancé une culture disco qui a apporté avec elle une attitude de tout et n’importe quoi et la danse toute la nuit.
Le Studio 54 est devenu l’endroit où l’on pouvait être vu avec des vêtements disco tels que des boob-tubes, des chaussures à plateforme, des pantalons évasés et des formes soucieuses du corps habillées de lurex, de paillettes et de motifs ou de couleurs folles. Le Studio 54 a joué un rôle essentiel en créant la scène des boîtes de nuit qui est encore avec nous aujourd’hui – un endroit où les gens s’habillent pour être remarqués et à la dernière mode.
Le film à succès Saturday Night Fever (1977) a assuré que le disco traîne pendant quelques années avant de devenir très démodé lorsque le Punk Rock et la New Wave sont devenus la nouvelle mode anti-mode.
Mais que s’est-il passé avant les années 1970 pour influencer le style de disco que nous connaissons si bien aujourd’hui ? Remontons dans le temps et jetons un coup d’œil……….
Les jours avant le disco
1900-1933 : Aux États-Unis, on danse dans les clubs au son d’un piano ou d’un juke-box. 
Cette scène de boîte de nuit devient clandestine avec la Prohibition jusqu’en 1933, date à laquelle les boîtes de nuit redeviennent populaires grâce aux big bands et à la musique swing.
Printemps 1939 – Les Swing Kids sont un petit mouvement de jeunesse allemand de classe moyenne dédié au jazz et à la mode flamboyante qui accompagne la musique. Ils se réunissent pour danser et montrer leurs derniers mouvements et vêtements de jazz. Les Swing Kids réagissent à la montée du mouvement nazi (qui considère la culture du jazz comme une mauvaise influence sur sa culture ethnique et internationale). Malgré son refus non violent de la culture dominante, le groupe est fermé par les SS (essayez le film Swing Kids – 1993- pour voir l’histoire).
Dans la France occupée, la musique jazz et bebop et la danse jitterbug sont interdites par les nazis. Elles sont qualifiées d’influences dégénérées. Des groupes de résistants français se réunissent dans des clubs de danse clandestins appelés « discothèques ». Ils dansent sur de la musique swing jouée soit sur un juke-box, soit sur une seule platine. Les danseurs portent des costumes zoot tout comme les danseurs de swing en Amérique.
1942 – La Discothèque, une boîte de nuit en sous-sol avec une seule platine ouvre à Paris. Le terme « discothèque » est utilisé en Europe pour décrire les clubs où l’on ne joue pas de musique live.Plus tard à Paris (1947), Paul Pacine ouvre le club Whiskey A-Go-Go – l’une des toutes premières boîtes de nuit.
Au Whiskey A-Go-Go en 1953, DJ Regine utilise deux platines sans pause entre les musiques. Il y a une piste de danse, des lumières colorées et pas de juke-box.
La fin des années 1950. Pendant ce temps à Londres, les cafés de Soho deviennent les endroits les plus branchés comme l’était Les Enfants Terribles au 93 Dean St. Cependant, ces cafés n’ont pas de licence. Fréquentés par des immigrants français et italiens, ils accueillent les très jeunes qui veulent danser l’après-midi. Dans le Londres des années 1950, les hipsters du rock’n’roll préfèrent les bars et les tavernes aux boîtes de nuit (la boîte de nuit n’y est vraiment mainstream que dans les années 1970).
C’est le début des années 1960, et Mark Birley ouvre une discothèque réservée aux membres, Annabel’s, à Berkeley Square, à Londres. 1961 : les États-Unis deviennent fous de Twist. En 1962, le Peppermint Lounge de New York devient l’endroit branché où l’on peut passer la nuit à danser seul ou avec un ou deux partenaires – tout est permis. Désormais, les gens dansent fréquemment sans partenaire. Le Peppermint Lounge assiste à la naissance de la danse go-go. Au Royaume-Uni, Roger Earle est DJ au Twisted Earle à Manchester UK, et crée les bases de la scène Northern Soul (qui aura un grand impact sur le Disco).
L’aube du Disco
C’est en 1965 et Arthur ouvre à New York avec le DJ Terry Noel (le premier DJ à mixer des disques). D’autres clubs comme le Regine’s, Le Club, le Shepheard’s, le Cheetah, l’Ondine ouvrent également au milieu des années 1960.
Pendant ce temps, en Europe, en 1966, des disques comme Hold Me Closer et Baby Come Back deviennent des succès et donnent le coup d’envoi de la scène Eurodisco. La scène des clubs à Paris se réchauffe avec de nouveaux clubs nommés Chez Castel et Chez Regine.
New York, 1969, et un club nommé The Contentinal Baths ouvre et le Sanctuary ouvre sur West 43rd Street avec le désormais légendaire DJ Francis Grasso. Le disque Only The Strong Survive de Jerry Butler sort. Il est le pionnier du Philly Sound qui deviendra l’un des éléments les plus importants de l’histoire de la musique Disco.
Ces clubs divertissent et engagent la confiance croissante des groupes marginalisés à cette époque. Afro-américains, lesbiennes et gays, psychédéliques, latinos se mêlent aux hétérosexuels hipster dans les clubs de New York et de Philadelphie à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Au cours d’une décennie marquée par une fragmentation sociale et des choix de mode de vie croissants, la réaction contre la musique et la culture rock blanche dominante en Amérique se fait le champion de la scène musicale dansante de l’apogée du jazz. Le disco séduit également les femmes, nouvellement libérées par la pilule et le féminisme, qui est désormais un thème du lieu de travail moderne. Les femmes cherchent à sortir sans chaperon, à s’habiller, à dépenser leur salaire durement gagné et à danser toute la nuit sur de la musique funk, latine et soul.
De nombreux sons et vues disco s’inspirent également d’éléments de la culture hippie tels que le psychédélisme, l’amour libre, les vêtements colorés et la prise de drogues. C’est l’ère de la contre-culture, l’aube de l’ère du Verseau, de l’émancipation et de la liberté.
Pendant ce temps, de retour à Paris, les clubs diffusent des morceaux érotiques comme Je T’Aime, Moi Non Plus de Serge Gainsbourg et des morceaux longs et doux comme Walk On By d’Isaac Hayes.
En 1970, le DJ David Mancuso et ses soirées Loft commencent à New York, devenant un précurseur de nombreux autres clubs privés à venir. Ses soirées sont des affaires réservées aux membres, à son domicile.
Les premières chansons faisant allusion à un son disco comprennent Bla, Bla Diddly (Giorgio Moroder, 1966), You Keep Me Hangin’ On (The Supremes, 1966), Only the Strong Survive (Jerry Butler, 1968), Message to Love (Band of Gypsys de Jimi Hendrix, 1970), Soul Makossa (Manu Dibango, 1972), Keep on Truckin’ (Eddie Kendricks,1973) et The Love I Lost (Harold Melvin & The Blue Notes,1973).
1971 : Le disco atteint la télévision avec l’émission de musique et de danse Soul Train.
1973 : le premier article sur le disco est écrit par Vince Aletti pour Rolling Stone.
Disco Dancing
1973 : Karen Lustgarten présente ses cours de danse disco à San Francisco. Son livre, The Complete Guide to Disco Dancing(Warner Books, 1978), est le premier à nommer, décomposer et enseigner les danses populaires du disco. Le livre est un best-seller et traduit en plusieurs langues.
Des styles individuels sont chorégraphiés pour correspondre aux différents sons et voix du disco. Le Hustle devient un nom commun pour un certain nombre de mouvements stylisés. Cette danse avec partenaire utilise des mouvements élaborés des mains et des torsions funky, influencés par la danse swing des années 1930 et 1940. D’autres danses influencent également le style de la danse disco, comme les mouvements latinos du mambo et de la salsa. La danse en ligne est popularisée d’abord en Floride, puis à New York, au début des années 1970.
Disco Fever 1974-77
De 1974 à 1977, la musique disco continue de gagner en popularité, de nombreuses chansons disco se classant en tête des charts.
À la fin de 1977, la fièvre disco atteint son apogée avec la sortie du film Saturday Night Fever. Considéré comme un outil de marketing pour élargir la popularité du disco au-delà de la contre-culture, il connaît un énorme succès et la bande originale des BeeGees devient l’un des albums les plus vendus de tous les temps.
À la fin des années 1970, le disco s’installe solidement dans la culture pop grand public. Les chansons non-disco existantes reçoivent fréquemment le traitement disco. Le riche accompagnement orchestral qui s’identifie à l’ère du disco évoque les souvenirs de l’ère du big band. À leur tour, plusieurs artistes de big band enregistrent des arrangements disco, dont Perry Como.
Les arrangements orchestraux classiques deviennent également disco-fiés à mesure que les longues plages musicales gagnent en popularité sur le dancefloor. Même Ethel Merman s’y met, en publiant un album de chansons disco The Ethel Merman Disco Album en 1979. Il semblerait que tout le monde fasse du disco.
Mode disco des années 1970
La mode disco est très populaire au milieu des années 1970. Même Elvis porte une combinaison évasée coupée jusqu’au nombril. Les discothécaires de New York portent des tenues coûteuses et extravagantes pour les soirées : des robes moulantes et enveloppantes de Diane von Furstenberg ; des robes Halston fluides pour les femmes et des chemises Qiana en polyester à motifs pour les hommes, avec des cols pointus, de préférence ouverts sur la poitrine. Le costume de loisir devient populaire avec des vestes-chemises en polyester à double tricot et des pantalons assortis.
La tendance de ces styles de couture accessibles au prêt-à-porter filtre rapidement dans la mode abordable de la rue haute pour cette ère de mode du tout-venant. Les hommes deviennent des paons affichant des couleurs vives, des motifs flamboyants et des bijoux voyants.
Pour les femmes, la mode des années 1970 commence par la poursuite des mini-jupes, des pantalons à clochettes et du look androgyne hippie de la fin des années 1960. Mais la tendance disco des années 1970 fait passer la mode à un nouveau niveau de flamboyance. La mode se détourne du look enfantin de la fin des années 60 pour adopter un style plus sophistiqué, plus mature et plus conscient de la sexualité. Ces styles font partie de la culture populaire jusqu’à ce que tout le monde et sa grand-mère les portent.
Voici un récapitulatif de ces incontournables distincts qui ont fini par définir l’ère disco des années 1970 :
Hotpants:
Les hotpants étaient populaires parmi les jeunes femmes depuis 1971. Ces shorts étaient très serrés et très courts (aussi courts et aussi serrés que possible). Conçus à l’origine pour être portés avec d’épais collants opaques, l’attitude tout terrain signifiait que les hotpants se faisaient porter de toutes les façons possibles – collants ou pas.
Chaussures plates-formes:
Apparues à la mode en 1971, les chaussures à semelles plates-formes élevaient les hommes et les femmes à au moins 2-4 pouces du sol. Bien qu’elles aident à empêcher les flares larges et longs de traîner sur le sol, ces chaussures n’avaient que peu d’intérêt pratique.
Jean/pantalon évasé:
Les pantalons devenaient rapidement un choix plus populaire pour les femmes au début des années 70. Les étiquettes sont devenues importantes en tant que symbole de statut de la mode, les jeans Vanderbilt et Fiorucci devenant des articles incontournables. Les pantalons sont pratiques et libérateurs pour la femme active libérée.
En rupture avec les pantalons hipster des années 1960, les styles étaient à taille haute et serrés autour des hanches et des cuisses, s’évasant pour couvrir ces chaussures à plate-forme loft. La largeur des évasés est devenue si stupide que les gens tombaient dessus tout en ayant leurs chaussures à plate-forme prises dans tout le tissu supplémentaire.
Il y avait un choix de tissus synthétiques flexibles permettant tout, du look satin blanc uni aux couleurs psychédéliques complètes et aux motifs floraux. Les pantalons évasés ont cependant perdu leur avantage en matière de mode au milieu des années 1970, et les pantalons moulants sont devenus l’article incontournable pour la danse (femmes) et une forme de pantalon plus spacieuse/moins structurée (pour les hommes).
Le costume trois pièces:
Popularisé par John Travolta dans La fièvre du samedi soir, le costume blanc en polyester avec gilet assorti était un nouveau choix de style pour les hommes. Il était souvent associé à des bijoux fantaisie tels qu’une gourmette d’identité ou un pendentif médaillon porté sous une chemise ouverte jusqu’au cou. Des revers larges, des jambes larges et des tailles hautes étaient nécessaires et les costumes pouvaient également être proposés dans différentes couleurs vives pour s’adapter aux teintes de la piste de danse. Le blanc avait également fière allure sous l’éclairage ultra-violet devenu populaire dans les discothèques.
La robe portefeuille:
La robe portefeuille simple en polyester et jersey extensible a été introduite par Diane von Furstenberg en 1972 – également vue dans La fièvre du samedi soir. Elle était portée avec des sandales à bride ou des bottes à hauteur de genou avec des talons épais. Elle pouvait être portée au bureau le jour dans une couleur unie et transformée en une forme sexy le soir.
Paillettes:
C’était la décennie connue pour avoir introduit le glam et les paillettes aux masses. Les tissus synthétiques bon marché ont fait en sorte que tout le monde pouvait se permettre un peu de paillettes dans ses vêtements et les gens en sont devenus fous. Fils métalliques, aspect satiné, paillettes, tout ce qui brille et scintille était génial. Les paillettes apparaissent également dans le maquillage, les filles étalant un gel pailleté sur leurs joues, leurs lèvres et leurs yeux. Le brillant à lèvres était indispensable. Les sourcils étaient également épilés pour obtenir une ligne fine et arquée.
Tube à seins:
Souvent pailleté, le tube à seins était un tube extensible sans bretelles porté autour de la poitrine et du torse, ou dénudant le milieu du ventre. Les hauts à collier étaient également un élément de mode incontournable de la discothèque.
Vêtements de danse/Léotard:
On le voit à nouveau dans La fièvre du samedi soir. A partir de 1974, le justaucorps devient un article de mode populaire en discothèque. Des silhouettes respectueuses du corps et un signe que vous êtes sérieux pour la danse disco et l’apprentissage des derniers mouvements. Vous pouviez l’habiller d’une écharpe enroulée autour de vos hanches ou le superposer avec des couleurs contrastées.
Une grande partie de ce type de vêtements était en fait une tenue de danse professionnelle. Sa souplesse était utile pour les mouvements rigoureux et les nuits chaudes sur le dancefloor. Les vêtements en polyester spandex avaient fait leur chemin dans la mode populaire à travers les vêtements de danse introduits dans les années 1960 et via le dancefloor disco des années 1970.
Les vêtements de danse montraient également à tout le monde que vous étiez intéressé à garder un corps en forme et tonique – une obsession dont les racines se trouvent dans l’essor des clubs de fitness et de santé et dans la pratique régulière de l’exercice. Le jogging et le patinage et d’autres activités physiques sont devenus très à la mode pour ceux qui voulaient avoir une bonne apparence.
Accessoires :
Boas en plumes, écharpes vaporeuses, turbans.
Coiffure : pensez aux looks afro, hirsutes et à couches de plumes et ce ne sont que les hommes ! Les cheveux étaient faciles à vivre et lâchés ou serrés et bouclés avec juste un peu de tong, de la laque ou du gel et peut-être un peu de gel pailleté pour les filles.
La mort du disco
L’ensemble du look disco a été progressivement remplacé par l’anti-mode Punk Rock à la fin des années 1970. Le style disco était considéré comme trop évasif et flamboyant et déconnecté de la politique de l’époque. Aux États-Unis, le ressentiment anti-disco s’est développé parmi les fans de rock qui ont commencé à porter des slogans anti-disco sur des t-shirts.
Ce ressentiment a culminé avec l’événement connu sous le nom de Disco Demolition Night, le 12 juillet 1979. Une manifestation anti-disco au Comiskey Park de Chicago a eu lieu, impliquant l’explosion de disques disco. Elle s’est terminée par une émeute, la foule ayant arraché des sièges et saccagé l’endroit.
Certains disent que le retour de flamme du disco a été encouragé par les producteurs de musique qui voulaient que le rock redevienne plus populaire. D’autres ont décrit la destruction du disco comme une tentative bigote délibérée de briser la popularisation d’une culture musicale aimée par de nombreux groupes minoritaires de la société.
Cependant, le disco vit dans le cœur de beaucoup de gens et il y aura toujours un petit morceau de disco dans l’âme de tous ceux qui entrent dans une boîte de nuit aujourd’hui pour danser toute la nuit sans avoir à se mettre en couple.
Revivals et Eurodisco
À la fin des années 1980, et tout au long des années 1990, un revival du style disco original était populaire. À la fin du siècle, de nombreuses chansons influencées par le disco étaient des tubes.
L’Eurodisco était toujours plus orienté vers la pop, et moins influencé par la soul que le disco de style américain. Il est resté dans la culture pop dans toute l’Europe et au Royaume-Uni, avec des groupes comme ABBA et BoneyM qui ont connu un grand succès. De tels groupes sont restés une influence importante en Europe et au Royaume-Uni tout au long des années 1980, avec des actes tels que Frankie Goes To Hollywood, Pet Shop Boys, et de nombreux disques à succès publiés par Stock, Aitken et Waterman au Royaume-Uni.
Le disco restera toujours populaire dans la musique, même si la mode extrême de son apogée a été reléguée à l’histoire.