El proto-renacimiento en Italia, 1280-1400Editar
En Italia, a finales del siglo XIII y principios del XIV, la escultura de Nicola Pisano y su hijo Giovanni Pisano, que trabajan en Pisa, Siena y Pistoia, muestra tendencias marcadamente clasicistas, probablemente influidas por la familiaridad de estos artistas con los antiguos sarcófagos romanos. Sus obras maestras son los púlpitos del Baptisterio y la Catedral de Pisa.
Contemporáneo de Giovanni Pisano, el pintor florentino Giotto desarrolló una forma de pintura figurativa inédita, naturalista, tridimensional, realista y clasicista, si se compara con la de sus contemporáneos y su maestro Cimabue. Giotto, cuya mayor obra es el ciclo de la Vida de Cristo en la Capilla de la Arena de Padua, fue considerado por el biógrafo del siglo XVI Giorgio Vasari como el «rescatador y restaurador del arte» del «estilo tosco, tradicional y bizantino» imperante en Italia en el siglo XIII.
El primer Renacimiento en Italia, 1400-1495Editar
Aunque tanto los Pisanos como Giotto tuvieron alumnos y seguidores, los primeros artistas verdaderamente renacentistas no surgieron en Florencia hasta 1401 con el concurso para esculpir un conjunto de puertas de bronce del Baptisterio de la Catedral de Florencia, al que se presentaron siete jóvenes escultores, entre ellos Brunelleschi, Donatello y el ganador, Lorenzo Ghiberti. Brunelleschi, más famoso por ser el arquitecto de la cúpula de la catedral de Florencia y de la iglesia de San Lorenzo, creó varias obras escultóricas, entre ellas un crucifijo de tamaño natural en Santa Maria Novella, famoso por su naturalismo. Se cree que sus estudios de perspectiva influyeron en el pintor Masaccio. Donatello llegó a ser reconocido como el mayor escultor del primer Renacimiento, siendo sus obras maestras su humanista e inusualmente erótica estatua del David, uno de los iconos de la república florentina, y su gran monumento a Gattamelata, el primer gran bronce ecuestre creado desde la época romana.
El contemporáneo de Donatello, Masaccio, fue el descendiente pictórico de Giotto y comenzó el Primer Renacimiento en la pintura italiana en 1425, impulsando la tendencia hacia la solidez de las formas y el naturalismo del rostro y el gesto que Giotto había iniciado un siglo antes. Entre 1425 y 1428, Masaccio realizó varias pinturas sobre tabla, pero es más conocido por el ciclo de frescos que inició en la Capilla Brancacci con el artista de más edad Masolino y que tuvo una profunda influencia en pintores posteriores, como Miguel Ángel. Los desarrollos de Masaccio fueron llevados adelante en las pinturas de Fra Angelico, particularmente en sus frescos en el Convento de San Marcos en Florencia.
El tratamiento de los elementos de la perspectiva y la luz en la pintura fue de especial preocupación para los pintores florentinos del siglo XV. Uccello estaba tan obsesionado con intentar conseguir una apariencia de perspectiva que, según Giorgio Vasari, le perturbaba el sueño. Sus soluciones pueden verse en su obra maestra de tres pinturas, la Batalla de San Romano, que se cree que fue completada en 1460. Piero della Francesca realizó estudios sistemáticos y científicos tanto de la luz como de la perspectiva lineal, cuyos resultados pueden verse en su ciclo de frescos de La Historia de la Vera Cruz en San Francesco, Arezzo.
En Nápoles, el pintor Antonello da Messina comenzó a utilizar pinturas al óleo para retratos y pinturas religiosas en una fecha que precedió a otros pintores italianos, posiblemente hacia 1450. Llevó esta técnica al norte e influyó en los pintores de Venecia. Uno de los pintores más significativos del norte de Italia fue Andrea Mantegna, que decoró el interior de una habitación, la Camera degli Sposi para su mecenas Ludovico Gonzaga, situando retratos de la familia y de la corte en un espacio arquitectónico ilusionista.
El periodo final del Renacimiento temprano en el arte italiano está marcado, como su comienzo, por un encargo particular que reunió a los artistas, esta vez en cooperación y no en competencia. El Papa Sixto IV había reconstruido la Capilla Papal, bautizada como Capilla Sixtina en su honor, y encargó a un grupo de artistas, Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli, la decoración de sus paredes con ciclos de frescos que representaran la Vida de Cristo y la Vida de Moisés. En los dieciséis cuadros de gran tamaño, los artistas, aunque trabajaban cada uno en su estilo individual, coincidían en los principios de formato, y utilizaban las técnicas de iluminación, perspectiva lineal y atmosférica, anatomía, escorzo y caracterización que habían sido llevadas a su máxima expresión en los grandes estudios florentinos de Ghiberti, Verrocchio, Ghirlandaio y Perugino.
El arte de los primeros Países Bajos, 1425-1525Editar
Los pintores de los Países Bajos de esta época eran Jan van Eyck, su hermano Hubert van Eyck, Robert Campin, Hans Memling, Rogier van der Weyden y Hugo van der Goes. Su pintura se desarrolló en parte independientemente de la pintura del Renacimiento italiano temprano, y sin la influencia de un esfuerzo deliberado y consciente por revivir la antigüedad.
El estilo de pintura creció directamente a partir de la pintura medieval al temple, en paneles y manuscritos iluminados, y otras formas como las vidrieras; el medio del fresco era menos común en el norte de Europa. El medio utilizado era la pintura al óleo, que se había utilizado durante mucho tiempo para pintar escudos y pertrechos ceremoniales de cuero porque era flexible y relativamente duradera. Las primeras pinturas al óleo neerlandesas son minuciosas y detalladas como las pinturas al temple. El material se prestaba a la representación de las variaciones tonales y la textura, facilitando así la observación de la naturaleza con gran detalle.
Los pintores neerlandeses no abordaban la creación de un cuadro a través de un marco de perspectiva lineal y proporción correcta. Mantenían una visión medieval de la proporción jerárquica y del simbolismo religioso, al tiempo que se deleitaban en un tratamiento realista de los elementos materiales, tanto naturales como artificiales. Jan van Eyck, junto con su hermano Hubert, pintó El retablo del cordero místico. Es probable que Antonello da Messina conociera la obra de Van Eyck durante su estancia en Nápoles o Sicilia. En 1475, el Retablo Portinari de Hugo van der Goes llegó a Florencia, donde ejercería una profunda influencia en muchos pintores, sobre todo en Domenico Ghirlandaio, que pintó un retablo imitando sus elementos.
Un pintor neerlandés muy significativo hacia el final del periodo fue Hieronymus Bosch, que empleó el tipo de formas fantasiosas que a menudo se utilizaban para decorar los bordes y las letras de los manuscritos iluminados, combinando formas vegetales y animales con otras arquitectónicas. Estas formas, sacadas del contexto de la iluminación y pobladas de seres humanos, confieren a los cuadros del Bosco una calidad surrealista que no tiene parangón en la obra de ningún otro pintor del Renacimiento. Su obra maestra es el tríptico El jardín de las delicias.
El primer Renacimiento en Francia, 1375-1528Editar
Los artistas de Francia (incluyendo ducados como el de Borgoña) se asociaron a menudo con las cortes, proporcionando manuscritos iluminados y retratos para la nobleza, así como pinturas devocionales y retablos. Entre los más famosos se encuentran los hermanos Limbourg, iluminadores flamencos y creadores de la iluminación del manuscrito Très Riches Heures du Duc de Berry. Jean Fouquet, pintor de la corte real, visitó Italia en 1437 y refleja la influencia de pintores florentinos como Paolo Uccello. Aunque es más conocido por sus retratos, como el de Carlos VII de Francia, Fouquet también realizó iluminaciones y se le considera el inventor del retrato en miniatura. En esta época hubo una serie de artistas que pintaron retablos famosos, que son estilísticamente muy distintos de los italianos y los flamencos. Entre ellos se encuentran dos figuras enigmáticas, Enguerrand Quarton, a quien se atribuye la Piedad de Villeneuve-lès-Avignon, y Jean Hey, también conocido como «el Maestro de Moulins» por su obra más famosa, el Retablo de Moulins. En estas obras, el realismo y la observación minuciosa de la figura humana, las emociones y la iluminación se combinan con una formalidad medieval, que incluye fondos dorados.
Alto Renacimiento en Italia, 1495-1520Editar
El «genio universal» Leonardo da Vinci perfeccionaría aún más los aspectos del arte pictórico (iluminación, perspectiva lineal y atmosférica, anatomía, escorzo y caracterización) que habían preocupado a los artistas del Primer Renacimiento, en una vida de estudio y registro meticuloso de sus observaciones del mundo natural. La adopción de la pintura al óleo como medio principal le permitió representar la luz y sus efectos sobre el paisaje y los objetos de forma más natural y con mayor efecto dramático de lo que se había hecho hasta entonces, como se demuestra en la Mona Lisa (1503-1506). Su disección de cadáveres hizo avanzar el conocimiento de la anatomía esquelética y muscular, como se ve en el inacabado San Jerónimo en el desierto (c. 1480). Su representación de las emociones humanas en La última cena, terminada entre 1495 y 1498, marcó la pauta de la pintura religiosa.
El arte de Miguel Ángel, contemporáneo más joven de Leonardo, tomó una dirección muy diferente. Miguel Ángel no demuestra en su pintura ni en su escultura ningún interés por la observación de ningún objeto natural excepto el cuerpo humano. Perfeccionó su técnica en la representación del mismo, cuando tenía poco más de veinte años, con la creación de la enorme estatua de mármol del David y el grupo de la Piedad, en la Basílica de San Pedro, en Roma. A continuación, se dedicó a explorar las posibilidades expresivas de la anatomía humana. El encargo que le hizo el Papa Julio II para pintar el techo de la Capilla Sixtina dio como resultado la obra maestra suprema de la composición figurativa, que tendría un profundo efecto en todas las generaciones posteriores de artistas europeos. Su obra posterior, El Juicio Final, pintada en la pared del altar de la Capilla Sixtina entre 1534 y 1541, muestra un estilo manierista (también llamado Renacimiento tardío) con cuerpos generalmente alargados que tomó el relevo del estilo del Alto Renacimiento entre 1520 y 1530.
El tercer gran pintor del Alto Renacimiento, junto a Leonardo y Miguel Ángel, fue el joven Rafael, que en su corta vida pintó un gran número de retratos de gran realismo y atractivo, como los del Papa Julio II y su sucesor, el Papa León X, y numerosas representaciones de la Virgen y el Niño Jesús, incluida la Virgen Sixtina. Muchos historiadores de arte consideran que su muerte en 1520, a la edad de 37 años, supuso el final del periodo del Alto Renacimiento, aunque algunos artistas individuales continuaron trabajando en el estilo del Alto Renacimiento durante muchos años después.
En el norte de Italia, el Alto Renacimiento está representado principalmente por miembros de la escuela veneciana, especialmente por las últimas obras de Giovanni Bellini, sobre todo pinturas religiosas, que incluyen varios retablos de gran tamaño del tipo conocido como «Conversación Sagrada», que muestran un grupo de santos alrededor de la Virgen entronizada. Su contemporáneo Giorgione, que murió alrededor de los 32 años en 1510, dejó un pequeño número de obras enigmáticas, entre ellas La Tempestad, cuyo tema ha seguido siendo objeto de especulación. Las primeras obras de Tiziano datan de la época del Alto Renacimiento, incluyendo un enorme retablo La Asunción de la Virgen que combina la acción humana y el drama con un colorido y una atmósfera espectaculares. Tiziano continuó pintando en un estilo generalmente del Alto Renacimiento hasta casi el final de su carrera en la década de 1570, aunque cada vez utiliza más el color y la luz sobre la línea para definir sus figuras.
Arte del Renacimiento alemánEditar
El arte del Renacimiento alemán se enmarca en la categoría más amplia del Renacimiento en el norte de Europa, también conocido como Renacimiento del Norte. Las influencias renacentistas comenzaron a aparecer en el arte alemán en el siglo XV, pero esta tendencia no fue generalizada. La obra Art Through the Ages de Gardner identifica a Michael Pacher, pintor y escultor, como el primer artista alemán cuya obra comienza a mostrar influencias del Renacimiento italiano. Según esa fuente, el cuadro de Pacher, San Wolfgang obliga al diablo a sostener su libro de oraciones (c. 1481), es de estilo gótico tardío, pero también muestra la influencia del artista italiano Mantegna.
En la década de 1500, el arte renacentista en Alemania se hizo más común ya que, según Gardner, «El arte del norte de Europa durante el siglo XVI se caracteriza por una repentina conciencia de los avances realizados por el Renacimiento italiano y por el deseo de asimilar este nuevo estilo lo más rápidamente posible.» Uno de los practicantes más conocidos del arte renacentista alemán fue Alberto Durero (1471-1528), cuya fascinación por las ideas clásicas le llevó a Italia a estudiar arte. Tanto Gardner como Russell reconocieron la importancia de la contribución de Durero al arte alemán al llevar a Alemania los estilos e ideas del Renacimiento italiano. Russell llama a esto «Abrir las ventanas góticas del arte alemán», mientras que Gardner lo llama la «misión vital» de Durero. Es importante destacar que, como señala Gardner, Durero «fue el primer artista del norte que comprendió plenamente los objetivos básicos del Renacimiento del sur», aunque su estilo no siempre lo reflejara. La misma fuente dice que Hans Holbein el Joven (1497-1543) asimiló con éxito las ideas italianas al tiempo que mantenía «las tradiciones norteñas de realismo cercano». Esto se contrapone a la tendencia de Durero a trabajar en «su propio estilo alemán nativo» en lugar de combinar los estilos alemán e italiano. Otros artistas importantes del Renacimiento alemán fueron Matthias Grünewald, Albrecht Altdorfer y Lucas Cranach el Viejo.
Los artesanos, como los grabadores, empezaron a preocuparse más por la estética que por perfeccionar su oficio. Alemania contaba con maestros grabadores, como Martin Schongauer, que realizaba grabados en metal a finales del siglo XIV. Gardner relaciona este dominio de las artes gráficas con los avances en la imprenta que se produjeron en Alemania, y afirma que el grabado en metal empezó a sustituir a la xilografía durante el Renacimiento. Sin embargo, algunos artistas, como Alberto Durero, siguieron realizando xilografías. Tanto Gardner como Russell describen la gran calidad de las xilografías de Durero, y Russell afirma en The World of Dürer que Durero «las elevó a altas obras de arte».»
BretañaEditar
Bretaña tardó mucho en desarrollar un estilo renacentista propio y la mayoría de los artistas de la corte de los Tudor eran extranjeros importados, normalmente de los Países Bajos, incluido Hans Holbein el Joven, que murió en Inglaterra. Una excepción fue el retrato en miniatura, que artistas como Nicholas Hilliard desarrollaron como un género distinto mucho antes de que se popularizara en el resto de Europa. El arte del Renacimiento en Escocia también dependía de los artistas importados y se limitaba en gran medida a la corte.