Andy Warhol (/ˈwɔːrhɒl/; nacido como Andrew Warhola; 6 de agosto de 1928 – 22 de febrero de 1987) fue un artista estadounidense que protagonizó el movimiento de arte visual conocido como arte pop. Sus obras exploran la relación entre la expresión artística, la cultura de las celebridades y la publicidad que floreció en la década de 1960.
Después de una exitosa carrera como ilustrador comercial, Warhol se convirtió en un artista de renombre y a veces controvertido. Su arte utilizaba muchos tipos de medios, como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. Su estudio, The Factory, era un conocido lugar de encuentro que reunía a distinguidos intelectuales, drag queens, dramaturgos, bohemios de la calle, celebridades de Hollywood y ricos mecenas. Dirigió y produjo a The Velvet Underground, una banda de rock que tuvo una gran influencia en la evolución de la música punk rock. Fundó la revista Interview y fue autor de numerosos libros, como The Philosophy of Andy Warhol y Popism: The Warhol Sixties. También destaca por ser un hombre gay que vivió abiertamente como tal antes del movimiento de liberación gay, y se le atribuye la acuñación de la expresión ampliamente utilizada «15 minutos de fama».
Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y largometrajes y documentales. El Museo Andy Warhol de su ciudad natal, Pittsburgh (Pensilvania), que alberga una amplia colección permanente de arte y archivos, es el mayor museo de Estados Unidos dedicado a un solo artista. Muchas de sus creaciones son muy coleccionables y muy valiosas. El precio más alto jamás pagado por un cuadro de Warhol es de 105 millones de dólares por un lienzo de 1963 titulado «Silver Car Crash (Double Disaster)»; entre sus obras se encuentran algunos de los cuadros más caros jamás vendidos. Un artículo publicado en 2009 en The Economist describió a Warhol como el «barómetro del mercado del arte».
Warhol nació el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania. Era el cuarto hijo de Ondrej Warhola (americanizado como Andrew Warhola, Sr., 1889-1942) y Julia (de soltera Zavacká, 1892-1972), cuyo primer hijo nació en su tierra natal y murió antes de su traslado a Estados Unidos.
Sus padres eran emigrantes Lemko de clase trabajadora de Mikó (ahora llamada Miková), situada en el actual noreste de Eslovaquia, parte del antiguo Imperio Austrohúngaro. El padre de Warhol emigró a Estados Unidos en 1914, y su madre se unió a él en 1921, tras la muerte de los abuelos de Warhol. El padre de Warhol trabajaba en una mina de carbón. La familia vivía en el número 55 de la calle Beelen y más tarde en el 3252 de la calle Dawson, en el barrio de Oakland de Pittsburgh. La familia era católica bizantina y asistía a la iglesia católica bizantina de San Juan Crisóstomo. Andy Warhol tenía dos hermanos mayores: Pavol (Paul), el mayor, nació antes de que la familia emigrara; Ján nació en Pittsburgh. El hijo de Pavol, James Warhola, se convirtió en un exitoso ilustrador de libros infantiles.
En tercer grado, Warhol tuvo corea de Sydenham (también conocida como Danza de San Vito), la enfermedad del sistema nervioso que provoca movimientos involuntarios de las extremidades, que se cree que es una complicación de la escarlatina que provoca manchas de pigmentación en la piel. Se convirtió en un hipocondríaco, desarrollando un miedo a los hospitales y a los médicos. De niño, a menudo estaba postrado en la cama, se convirtió en un marginado en la escuela y se unió a su madre. Cuando estaba confinado en la cama, dibujaba, escuchaba la radio y coleccionaba fotos de estrellas de cine alrededor de su cama. Warhol describió posteriormente este periodo como muy importante en el desarrollo de su personalidad, sus habilidades y sus preferencias. Cuando Warhol tenía 13 años, su padre murió en un accidente.
En su adolescencia, Warhol se graduó en el instituto Schenley en 1945. Tras graduarse en el instituto, sus intenciones eran estudiar educación artística en la Universidad de Pittsburgh con la esperanza de convertirse en profesor de arte, pero sus planes cambiaron y se matriculó en el Instituto Tecnológico Carnegie de Pittsburgh, donde estudió arte comercial. Durante su estancia, Warhol se unió al Club de Danza Moderna del campus y a la Sociedad de Bellas Artes. También fue director artístico de la revista de arte de los estudiantes, Cano, ilustrando una portada en 1948 y una ilustración interior a toda página en 1949. Se cree que estas son sus dos primeras obras de arte publicadas. Warhol se licenció en Bellas Artes en diseño pictórico en 1949. Ese mismo año se trasladó a Nueva York y comenzó su carrera en el campo de la ilustración de revistas y la publicidad.
Durante la década de 1950, Warhol se hizo famoso por sus caprichosos dibujos a tinta de anuncios de zapatos. Estos dibujos se hacían con un estilo suelto, de tinta borrosa, y figuraban en algunas de sus primeras exposiciones en la Bodley Gallery de Nueva York. Con la rápida expansión de la industria discográfica y la introducción del disco de vinilo, la alta fidelidad y las grabaciones estereofónicas, RCA Records contrató a Warhol, junto con otro artista independiente, Sid Maurer, para que diseñara las portadas de los álbumes y los materiales promocionales.
Warhol fue uno de los primeros en adoptar el proceso de serigrafía como técnica para realizar pinturas. Sus primeras serigrafías en pintura consistían en imágenes dibujadas a mano, aunque pronto se pasó a utilizar serigrafías derivadas de la fotografía en los cuadros. Antes de entrar en el campo de las bellas artes, Warhol también utilizaba técnicas innovadoras para la creación de imágenes que estaban relacionadas con las técnicas de grabado. Al representar objetos comerciales para la publicidad, Warhol ideó una técnica que daba lugar a una imagen característica. Las imágenes que utilizaba en la publicidad se realizaban a menudo aplicando tinta al papel y borrando la tinta mientras estaba húmeda. El trabajo de Warhol, tanto como artista comercial como posteriormente como artista plástico, muestra un enfoque casual de la creación de imágenes, en el que el azar juega un papel importante y se toleran los errores y las marcas involuntarias. Las imágenes resultantes, tanto en el arte comercial de Warhol como más tarde en sus obras de arte, suelen estar repletas de imperfecciones: a menudo se encuentran manchas y borrones. En su libro POPism, Warhol escribe: «Cuando haces algo exactamente mal, siempre aparece algo»
Empezó a exponer su obra durante la década de 1950. Realizó exposiciones en la Hugo Gallery y en la Bodley Gallery de Nueva York; en California, su primera exposición en una galería de la Costa Oeste fue el 9 de julio de 1962, en la Ferus Gallery de Los Ángeles. La exposición supuso su debut en la Costa Oeste con el arte pop. La primera exposición individual de arte pop de Andy Warhol en Nueva York tuvo lugar en la Stable Gallery de Eleanor Ward del 6 al 24 de noviembre de 1962. La exposición incluía las obras Marilyn Diptych, 100 Soup Cans, 100 Coke Bottles y 100 Dollar Bills. En la exposición de la Stable Gallery, el artista conoció por primera vez al poeta John Giorno, que protagonizaría la primera película de Warhol, Sleep, en 1963.
Fue durante la década de los sesenta cuando Warhol comenzó a realizar pinturas de objetos icónicos estadounidenses como billetes de dólar, nubes de hongos, sillas eléctricas, latas de sopa Campbell, botellas de Coca-Cola, celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando, Troy Donahue, Muhammad Ali y Elizabeth Taylor, así como titulares de periódicos o fotografías de perros de la policía atacando a manifestantes por los derechos civiles. Durante estos años, fundó su estudio, «The Factory», y reunió en torno a él a un amplio abanico de artistas, escritores, músicos y celebridades underground. Su obra se hizo popular y controvertida. Warhol dijo lo siguiente sobre Coca-Cola:
Lo bueno de este país es que Estados Unidos inició la tradición de que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la televisión y ver Coca-Cola, y sabes que el presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensa que tú también puedes beber Coca-Cola. Una Coca-Cola es una Coca-Cola y ninguna cantidad de dinero puede conseguirte una Coca-Cola mejor que la que bebe el vagabundo de la esquina. Todas las Cocas son iguales y todas las Cocas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el vagabundo lo sabe y tú lo sabes.
El Museo de Arte Moderno de Nueva York acogió un Simposio sobre el arte pop en diciembre de 1962 durante el cual se atacó a artistas como Warhol por «capitular» ante el consumismo. Los críticos se escandalizaron por la aceptación abierta de Warhol de la cultura de mercado. Este simposio marcó el tono de la recepción de Warhol. A lo largo de la década quedó cada vez más claro que se había producido un profundo cambio en la cultura del mundo del arte, y que Warhol estaba en el centro de ese cambio.
Un acontecimiento fundamental fue la exposición de 1964 The American Supermarket, una muestra celebrada en la galería de Paul Bianchini en el Upper East Side. La muestra se presentaba como el típico ambiente de un pequeño supermercado estadounidense, salvo que todo lo que había en él -desde los productos, las conservas, la carne, los carteles en la pared, etc.- había sido creado por seis destacados artistas pop de la época, entre ellos los controvertidos (y afines) Billy Apple, Mary Inman y Robert Watts. La pintura de Warhol de una lata de sopa Campbell’s costaba 1.500 dólares, mientras que cada lata autografiada se vendía por 6. La exposición fue uno de los primeros eventos masivos que confrontaron directamente al público general tanto con el arte pop como con la perenne cuestión de qué es el arte.
Como ilustrador de anuncios en la década de 1950, Warhol utilizaba asistentes para aumentar su productividad. La colaboración seguiría siendo un aspecto definitorio (y controvertido) de sus métodos de trabajo a lo largo de su carrera; esto fue especialmente cierto en la década de 1960. Uno de los colaboradores más importantes durante este periodo fue Gerard Malanga. Malanga ayudó al artista en la producción de serigrafías, películas, esculturas y otras obras en «The Factory», el estudio de Warhol revestido de lámina de aluminio y pintura de plata en la calle 47 (posteriormente trasladado a Broadway). Otros miembros del grupo de la Factory de Warhol eran Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name y Brigid Berlin (de quien, al parecer, sacó la idea de grabar sus conversaciones telefónicas).
Durante la década de 1960, Warhol también preparó un séquito de excéntricos bohemios y contraculturales a los que otorgó la denominación de «Superstars», entre los que se encontraban Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis y Candy Darling. Todos ellos participaron en las películas de la Factory, y algunos, como Berlín, siguieron siendo amigos de Warhol hasta su muerte. En las películas de Warhol de los años sesenta también aparecen figuras importantes del mundo del arte y el cine underground de Nueva York, como el escritor John Giorno y el cineasta Jack Smith, lo que revela las conexiones de Warhol con una amplia gama de escenas artísticas durante esta época. Menos conocido fue su apoyo y colaboración con varios adolescentes durante esta época, que alcanzarían relevancia más adelante, como el escritor David Dalton, el fotógrafo Stephen Shore y la artista Bibbe Hansen (madre del músico popBeck).
El 3 de junio de 1968, la escritora feminista radical Valerie Solanas disparó a Warhol y a Mario Amaya, crítico de arte y comisario, en el estudio de Warhol. Antes del tiroteo, Solanas había sido una figura marginal en la escena de la Factory. Fue autora en 1967 del Manifiesto S.C.U.M., un tratado feminista separatista que abogaba por la eliminación de los hombres; y apareció en la película de Warhol de 1968 Yo, un hombre. El mismo día del atentado, Solanas había sido rechazada en la Factory tras pedir que le devolvieran un guión que había entregado a Warhol. Al parecer, el guión se había extraviado.
Amaya sólo recibió heridas leves y fue dada de alta del hospital más tarde ese mismo día. Warhol resultó gravemente herido por el ataque y sobrevivió a duras penas: los cirujanos le abrieron el pecho y le dieron un masaje al corazón para ayudar a estimular su movimiento de nuevo. Sufrió efectos físicos durante el resto de su vida, incluso tuvo que llevar un corsé quirúrgico. El tiroteo tuvo un profundo efecto en la vida y el arte de Warhol.
Solanas fue detenida al día siguiente del asalto, tras entregarse a la policía. A modo de explicación, dijo que Warhol «tenía demasiado control sobre mi vida». Posteriormente se le diagnosticó esquizofrenia paranoide y finalmente fue condenada a tres años bajo el control del Departamento de Correcciones. Tras el tiroteo, el escenario de la Factory aumentó fuertemente la seguridad, y para muchos se acabaron los «60 de la Factory».
Warhol dijo lo siguiente sobre el ataque: «Antes de que me dispararan, siempre pensé que estaba más a medias que a tope; siempre sospeché que estaba viendo la televisión en lugar de vivir la vida. La gente a veces dice que la forma en que suceden las cosas en las películas es irreal, pero en realidad es la forma en que suceden las cosas en la vida la que es irreal. Las películas hacen que las emociones parezcan tan fuertes y reales, mientras que cuando las cosas te suceden de verdad, es como ver la televisión: no sientes nada. Justo cuando me dispararon y desde entonces, supe que estaba viendo la televisión. Los canales cambian, pero todo es televisión».
En comparación con el éxito y el escándalo de la obra de Warhol en los años 60, los 70 fueron una década mucho más tranquila, ya que se volvió más emprendedor. Según Bob Colacello, Warhol dedicó gran parte de su tiempo a conseguir nuevos y ricos mecenas para encargos de retratos, como el Sha de Irán Mohammad Reza Pahlavi, su esposa la emperatriz Farah Pahlavi, su hermana la princesa Ashraf Pahlavi, Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross y Brigitte Bardot. El famoso retrato de Warhol del líder comunista chino Mao Zedong fue creado en 1973. También fundó, con Gerard Malanga, la revista Interview, y publicó La filosofía de Andy Warhol (1975). Una idea expresada en el libro: «Ganar dinero es arte, y trabajar es arte, y los buenos negocios son el mejor arte»
Warhol se relacionaba con varios locales nocturnos de Nueva York, como el Max’s Kansas City; y, más adelante, en la década de 1970, el Studio 54. En general, se le consideraba tranquilo, tímido y un observador meticuloso. El crítico de arte Robert Hughes le llamó «el topo blanco de Union Square».
Con su viejo amigo Stuart Pivar, Warhol fundó la Academia de Arte de Nueva York en 1979.
Warhol tuvo un resurgimiento del éxito crítico y financiero en la década de 1980, en parte debido a su afiliación y amistad con una serie de prolíficos artistas más jóvenes, que estaban dominando el «mercado alcista» del arte neoyorquino de la década de 1980: Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle y otros de los llamados neoexpresionistas, así como miembros del movimiento de la Transvanguardia en Europa, como Francesco Clemente y Enzo Cucchi.
Por aquel entonces, el artista del grafiti Fab Five Freddy rindió homenaje a Warhol cuando pintó un tren entero con latas de sopa Campbell. Esto fue fundamental para que Freddy se involucrara en la escena artística underground de NYC y se convirtiera en un afiliado de Basquiat.
Por esta época, Warhol estaba siendo criticado por convertirse en un mero «artista comercial». En 1979, a los críticos no les gustaron sus exposiciones de retratos de personalidades y celebridades de los años 70, calificándolas de superficiales, fáciles y comerciales, sin profundidad ni indicación de la importancia de los temas. También criticaron su exposición de 1980 de 10 retratos en el Museo Judío de Manhattan, titulada Genios judíos, que Warhol -que no estaba interesado en el judaísmo ni en los judíos- describió en su diario como «Van a vender». Sin embargo, en retrospectiva, algunos críticos han llegado a considerar la superficialidad y la comercialidad de Warhol como «el espejo más brillante de nuestro tiempo», sosteniendo que «Warhol había captado algo irresistible sobre el zeitgeist de la cultura estadounidense en la década de 1970»
Warhol también sentía aprecio por el intenso glamour de Hollywood. Una vez dijo: «Me encanta Los Ángeles. Me encanta Hollywood. Son tan bonitos. Todo es de plástico, pero me encanta el plástico. Quiero ser de plástico»
Warhol murió en Manhattan, a las 6:32 de la mañana, el 22 de febrero de 1987. Según las noticias, se había recuperado bien de una operación rutinaria de vesícula en el Hospital de Nueva York antes de morir mientras dormía por una arritmia cardíaca repentina tras la operación. Antes de su diagnóstico y operación, Warhol retrasó la revisión de sus recurrentes problemas de vesícula biliar, ya que tenía miedo de entrar en los hospitales y ver a los médicos. Su familia demandó al hospital por atención inadecuada, alegando que la arritmia fue causada por una atención inadecuada y una intoxicación por agua. El caso de mala praxis se resolvió rápidamente fuera de los tribunales; la familia de Warhol recibió una suma de dinero no revelada.
El cuerpo de Warhol fue llevado de vuelta a Pittsburgh, por sus hermanos, para su entierro. El velatorio fue en la funeraria Thomas P. Kunsak y fue una ceremonia con ataúd abierto. El ataúd era de bronce macizo con barandillas doradas y tapicería blanca. Warhol iba vestido con un traje negro de cachemira, una corbata de cachemira, una peluca platino y gafas de sol. Posaba sosteniendo un pequeño libro de oraciones y una rosa roja. La liturgia fúnebre se celebró en la iglesia católica bizantina del Espíritu Santo, en la zona norte de Pittsburgh. El panegírico fue pronunciado por monseñor Peter Tay. Yoko Ono y John Richardson fueron los oradores. El féretro se cubrió con rosas blancas y helechos espárragos. Tras la liturgia, el féretro fue conducido al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista, en Bethel Park, un suburbio del sur de Pittsburgh.
En la tumba, el sacerdote pronunció una breve oración y roció con agua bendita el ataúd. Antes de bajar el ataúd, Paige Powell dejó caer en la tumba un ejemplar de la revista Interview, una camiseta de Interview y un frasco del perfume «Beautiful» de Estee Lauder. Warhol fue enterrado junto a su madre y su padre. El 1 de abril de 1987 se celebró en Manhattan una misa en memoria de Warhol en la catedral de San Patricio de Nueva York.
Fundación
El testamento de Warhol establecía que todo su patrimonio -a excepción de algunos modestos legados a familiares- se destinaría a crear una fundación dedicada al «avance de las artes visuales». Warhol tenía tantas posesiones que Sotheby’s tardó nueve días en subastar su patrimonio tras su muerte; la subasta recaudó más de 20 millones de dólares.
En 1987, de acuerdo con el testamento de Warhol, se creó la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales. La fundación actúa como patrimonio de Andy Warhol, pero también tiene la misión de «fomentar la expresión artística innovadora y el proceso creativo» y está «centrada principalmente en el apoyo a obras de naturaleza desafiante y a menudo experimental»
La Sociedad de Derechos de los Artistas es la representante de los derechos de autor en Estados Unidos de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales para todas las obras de Warhol, con la excepción de los fotogramas de películas de Warhol. El representante de los derechos de autor de los fotogramas de Warhol en Estados Unidos es el Museo Warhol de Pittsburgh. Además, la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts tiene acuerdos para su archivo de imágenes. Todas las imágenes digitales de Warhol son gestionadas exclusivamente por Corbis, mientras que todas las imágenes en transparencia de Warhol son gestionadas por Art Resource.
La Fundación Andy Warhol publicó su Informe Anual del 20º Aniversario en un conjunto de tres volúmenes en 2007: Vol. I, 1987-2007; Vol. II, Subvenciones & Exposiciones; y Vol. III, Programa del Legado.
La Fundación sigue siendo una de las mayores organizaciones que conceden subvenciones para las artes visuales en los Estados Unidos.