Qu’est-ce qui faisait que, chez George C Scott, décédé à l’âge de 71 ans, être lui – après une quarantaine d’années – semblait une lutte si lourde contre l’incrédulité et la colère grandissantes ? Certains ont affirmé qu’il buvait, d’autres qu’il buvait beaucoup. Le sentiment général était qu’il pouvait être volontaire, têtu, difficile, violent, dangereux, ingérable et peu fiable. S’il avait été accusé de cette liste de handicaps, il était le genre d’homme à glousser, à gémir et à dire : « Bien sûr – mais que peut-on attendre d’un acteur sérieux ? ». Il était sérieux, et avait un air sévère, mais il avait aussi un côté comique grimaçant.
Scott était grand, sombre et beau, avec un regard d’aigle – il était physiquement bien plus imposant que le général George Patton, le rôle auquel il sera toujours associé. Il avait une autorité innée, de l’intelligence, une belle voix et quelque chose que l’on peut appeler de la passion. Il n’avait que trois ans de moins que Marlon Brando, et pourtant il était plus richement équipé que Brando pour défier les grands rôles classiques sur scène. Il était impressionnant dans les rôles d’Antoine et de Shylock, mais il aurait dû faire plus. Il aurait pu être un géant, et il semblait bien, dans les dernières années, qu’il était blessé d’avoir laissé tomber ses grands dons.
Bien avant la fin, une réputation indisciplinée avait affecté le travail disponible pour lui. À la fin des années 1970 et dans les années 1980, il était devenu un grand acteur délaissé, parfois sur scène ou au cinéma, mais plus souvent dans des téléfilms et des émissions spéciales. Même si, 25 ans plus tôt, après l’échec de la vaillante et réaliste East Side/West Side (dans laquelle il jouait un travailleur social idéaliste), il s’était juré de ne plus jamais faire de série télévisée.
Il était un homme aux vœux célèbres et aux positions compromises – après tout, il s’est marié cinq fois, toujours avec des actrices, dont il a eu cinq enfants. Deux de ces mariages étaient avec Colleen Dewhurst qui l’égalait en paraissant plus grande que nature. Par un doux mystère, leur fils, Campbell Scott, est devenu un acteur d’une subtilité et d’une délicatesse peu communes.
Scott est né à Wise, en Virginie, et a grandi dans la région de Détroit, dans le Michigan. Au cours de la dernière année de la guerre, il s’engage dans le corps des Marines et sert pendant quatre ans. Il est ensuite allé à l’Université du Missouri où il a étudié l’anglais et le théâtre. Ce n’est qu’à ce moment-là qu’il voit dans le métier d’acteur une carrière possible.
En 1956, il connaît un succès notable en jouant Richard III pour le New York Shakespeare Festival. Pendant plusieurs années, il est actif dans des productions off-Broadway ; il est dans une reprise de Children of Darkness d’Edwin Justus Mayer (1958), avec Colleen Dewhurst, et il joue le juge-avocat dans The Andersonville Trial (1959).
Après avoir été recruté pour la télévision et le cinéma. En 1958, pour CBS, il joue le rôle de Sydney Carton dans une production de A Tale of Two Cities, et l’année suivante, il fait ses débuts au grand écran en incarnant le méchant dans l’un des derniers westerns de Gary Cooper, The Hanging Tree. À la même époque, il était à la hauteur de l’avocat rusé de campagne de James Stewart, jouant le rôle du procureur de Lansing, dans Anatomie d’un meurtre d’Otto Preminger (1959). Sa tranquillité en coup de fouet dans ce film, sa politesse glaciale et sa compétitivité mortelle le faisaient apparaître comme un vétéran au milieu d’un casting très assuré.
Mais ce n’était rien comparé à son gangster de billard dans The Hustler (1961) de Robert Rossen, un homme dont l’exploitation détestable des autres ne masque jamais son intelligence. Il y a un moment dans ce film, pendant la première grande compétition entre Paul Newman et Jackie Gleason, où Scott regarde le personnage de Newman et le traite de « perdant » avec une finalité si décisive que son jeu commence à s’effondrer.
Scott a obtenu des nominations aux Oscars en tant que second rôle pour Anatomie d’un meurtre et The Hustler (l’histoire honteuse doit admettre que Hugh Griffith a gagné pour Ben-Hur et George Chakiris pour West Side Story dans les années concernées – un moment où Scott aurait pu accepter la statuette).
Il était une star, mais pas toujours très raisonnable dans les années de gloire. À Broadway, il apparaît dans The Little Foxes (1967) et dans les trois rôles masculins de Plaza Suite (1968) de Neil Simon, ce dernier étant un succès retentissant. À la télévision, il est le policier du prêtre d’Olivier dans une version de The Power and the Glory (1961) de Graham Greene. Puis, après East Side/West Side, il joue le rôle principal dans les versions télévisées de deux pièces d’Arthur Miller, The Crucible (1967) et The Price (1971). Cette dernière lui valut un Emmy, mais il refusa la récompense.
Au cinéma, ses rôles allaient au-delà de l’explication facile. Il était dans le boiteux La liste d’Adrian Messenger (1963) de John Huston ; il était l’une des nombreuses stars de La Rolls-Royce jaune (1964) ; mais il était brillant et drôle dans le rôle du général « Buck » Turgidson, aridement obsédé par ses fluides corporels, dans Dr Strangelove (1964) de Stanley Kubrick. Il était Abraham dans La Bible de Huston (tout en faisant la cour à sa Sarah, Ava Gardner). Il a joué dans une comédie romantique fatale, Pas avec ma femme, vous n’avez pas ! (1966), mais il était très malin en jouant un escroc de la confiance dans The Flim-Flam Man (1967).
Puis vint son meilleur travail en tant que rôle principal au cinéma : il était l’homme divorcé amoureux de Petulia (1968), le film qui a établi son statut de figure de la raison et de la sollicitude battue par le chaos du changement rapide. Son bord abrasif d’avant se sentait plus vieux et plus triste maintenant, et sa présence tenait le film ambitieux de Richard Lester ensemble.
Puis, deux ans plus tard, pour Franklin Schaffner, il était Patton, le général controversé de la Seconde Guerre mondiale. C’était un grand rôle, très bien écrit par Francis Coppola et Edmund H North. Mais il avait besoin de l’air profondément romantique et romain de Scott, et il a contribué à exposer un autocrate solitaire dans l’acteur.
Lorsqu’il a été nommé comme meilleur acteur, il a demandé à l’Académie d’être exclu. En fait, il avait fait la même demande au moment de la nomination de The Hustler. Certains ont dit qu’il avait été tellement déçu de ne pas avoir gagné pour Anatomie d’un meurtre qu’il était devenu aigri par toute l’affaire des récompenses. Aujourd’hui, il a déclaré que la course aux Oscars était « offensante, barbare et intrinsèquement corrompue ». Il a dit à l’Académie qu’il n’assisterait pas à la remise des prix de 1970, et il y a eu une controverse à l’avance, couronnée par le « Oh mon Dieu ! » de Goldie Hawn. Le gagnant est George C Scott ! » lorsqu’elle ouvre l’enveloppe. Brando a envoyé une « jeune fille indienne » deux ans plus tard, pour refuser en son nom, mais c’était pour d’autres raisons, politiques. Scott a été le premier à faire un désaveu aussi complet du concours. Il fut honoré pour cela, et pourtant, personne qui le connaissait ne pensait moins à son envie de compétition.
Il joua Rochester face à Susannah York dans Jane Eyre, et également en 1971, il était l’excentrique qui croit être Sherlock Holmes dans They Might Be Giants d’Anthony Harvey (avec Joanne Woodward dans le rôle de son Watson). Ce film aurait pu facilement tomber dans le piège de la fantaisie prétentieuse. S’il reste gentiment comique, mais fidèle à la dérangement, c’est grâce aux envolées mercuriales de la performance de Scott. Le film n’a pas été un succès, mais il n’a jamais été aussi électrique ou tragique – et le rôle très délicat exigeait un acteur d’un raffinement indiscutable. La même année, il est à nouveau nommé meilleur acteur pour The Hospital – réalisé par Arthur Hiller et écrit par Paddy Chayefsky – où il est le dernier porte-parole de l’ordre humain dans un système qui s’effondre. Rarement l’épuisement noble et l’idéalisme dément ont été mieux transmis au cinéma.
Ses troisième et quatrième mariages (1960-65 et 1967-72), tous deux avec Colleen Dewhurst, se terminent. Il se maria une cinquième fois avec une actrice apparemment plus docile, Trish Van Devere. Pourtant, intérieurement, il semble devenir plus sauvage, ou plus difficile à contenir. En 1970, il avait réalisé Le procès d’Andersonville pour la télévision, et en 1972, il a réalisé et joué dans le film Rage (sur un éleveur qui cherche à se venger du système stupide). Puis en 1974, il réalise The Savage is Loose (un mélodrame sur l’inceste). Les deux films font un flop, et Scott en sort aigri – il s’était toujours vanté d’avoir des capacités et une perspicacité supérieures à celles de la plupart des acteurs. Mais à la même époque, il fait un travail remarquable sur scène : Astrov dans Oncle Vanya (1973) ; Willy Loman dans une reprise de Mort d’un commis voyageur (1975) ; et un autre riche triomphe comique dans le rôle de Foxwell J Sly dans la reprise de Volpone par Larry Gelbart, Sly Fox (1976).
Son jeu au cinéma a cependant commencé à décliner. Il eut une grande scène de suicide en tant que flic dans The New Centurions (1972) ; il fut amusant dans Oklahoma Crude (1973), un western moderne sur le pétrole ; il parla de façon crédible aux dauphins dans The Day of the Dolphin (1973) ; et il fit une tentative respectable d’être Hemingway dans le film de Schaffner Islands in the Stream (1977). Mais la plupart de ses films étaient sans conséquence.
Le dernier grand essai de Scott était le père calviniste qui poursuit sa fille fugueuse dans le monde du cinéma pornographique dans Hardcore (1979) de Paul Schrader. Sa performance était erratique ; il semblait s’ennuyer ou être perdu par moments, mais le moment où il doit regarder le film de sa fille était déchirant.
Après cela, ses films étaient sans rime ni raison – The Changeling (1980) ; The Formula (1980) ; un autre commandant militaire dans Taps (1981) ; Firestarter (1984) ; Exorcist III (1990) ; et un rôle secondaire dans Malice (1993). Il a eu de meilleures opportunités à la télévision où il a joué le rôle de Fagin dans Oliver Twist (1982), Scrooge dans A Christmas Carol (1984), il Duce dans Mussolini : The Untold Story (1985), et une reprise désespérée de son ancienne gloire dans The Last Days of Patton (1986). Il était poursuivi par la maladie et même lorsqu’il eut un succès à Broadway, et une nomination aux Tony, dans une reprise d’Inherit the Wind (1996), il manqua de nombreuses représentations de son propre spectacle.
Une bonne biographie de Scott pourrait constituer une lecture fascinante. Il était peut-être son propre pire ennemi, mais c’était un battant et un acteur d’un rare courage. Les gens parlent encore de la désastreuse production de l’Actors Studio des Trois Sœurs, à Londres, dans laquelle Scott jouait Vershinin. Les critiques étaient impitoyables. Le lendemain, le metteur en scène et directeur du studio, Lee Strasberg, réunit les acteurs pour leur dire que les critiques avaient raison. Il se lance dans une diatribe contre les siens. Mais Scott s’est levé, a affronté le grand tyran de l’art dramatique américain et l’a réduit au silence avec un discours coloré et violent sur la prise de responsabilité du réalisateur. Puis, on dit qu’il est allé se soûler avec Ava Gardner. Il était si autoritaire, et pourtant il était aussi un paria.
George Campbell Scott, acteur, né le 18 octobre 1927 ; mort le 23 septembre, 1999
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