Gioachino Rossini, compositeur de chefs-d’œuvre lyriques tels que « Le Barbier de Séville » et « Otello », pensait que son dernier opéra – « Guillaume Tell » – était son couronnement. Hélas, l’opéra de quatre heures, créé à Paris le 3 août 1829, n’a pas été un succès. À la manière bizarre du monde, son ouverture, pensée après coup, est devenue l’une des œuvres les plus connues au monde.
Où ai-je déjà entendu cela ?
« L’ouverture de Guillaume Tell » dure à peine 12 minutes. Dans ces 12 minutes, Rossini présente ce qu’Hector Berlioz a décrit comme une « symphonie en quatre parties ». Deux de ces parties sont immédiatement reconnaissables, bien qu’une seule soit populairement identifiée comme faisant partie de « l’Ouverture de Guillaume Tell. »
L’ouverture a été conçue pour présenter la journée dans la vie d’une Suisse en révolte. Le prélude, nommé « Dawn », commence par un passage lent et solo pour le violoncelle. En s’accélérant, le morceau passe à la deuxième partie, « Storm », avec l’ensemble de l’orchestre désormais pleinement présent.
La troisième partie, « The Call to the Dairy Cows », commence par des cors et des flûtes anglaises qui s’appellent les uns les autres, comme des bergers à travers les champs. Si cette mélodie n’est pas communément liée à l’ouverture, elle est mondialement connue comme signifiant la splendeur bucolique. Je pourrais vous dire quand la troisième partie commence dans cette interprétation de l’ouverture, mais je n’ai pas besoin de le faire. Vous le saurez immédiatement. Cette mélodie a été utilisée par Walt Disney dès 1937 dans le dessin animé « The Old Mill ». Depuis, elle a été utilisée dans d’innombrables dessins animés et films pour indiquer un état d’innocence béate.
Lorsque « L’appel aux vaches laitières » est une frivolité légère, le final de l’ouverture, « La marche des soldats suisses », est une héroïsme maniaque à cheval. Il n’est donc pas étonnant qu’elle ait été utilisée comme chanson thème pour « The Lone Ranger ». Dans ce finale, l’orchestre au complet joue à un rythme galopant qui rappelle facilement les soldats montés à la rescousse. Si elle est désormais inextricablement liée à « The Lone Ranger », l’ouverture a été utilisée dans de nombreuses autres œuvres de la culture populaire pour accroître la sensation de chaos ou d’urgence d’une scène.
En effet, l’une des qualités les plus remarquables de ces deux passages et de leur popularité durable est la façon dont ils sont associés à un état d’esprit ou à une atmosphère, plus encore que d’être connus comme faisant partie de l’œuvre plus vaste elle-même. Utilisez l’un ou l’autre de ces passages et le public est immédiatement transporté dans l’état souhaité, qu’il ait ou non déjà entendu parler de Guillaume Tell ou de son ouverture. A tel point qu’ils ont chacun été qualifiés de « cliché musical ».
C’est un peu sévère.
D’autres compositeurs classiques ont été émus par le travail de Rossini ici. Franz Liszt a développé une transcription pour piano de l’ouverture en 1838. Il incluait régulièrement l’œuvre dans ses prestations de concert.
Dmitri Chostakovitch a cité le finale de l’ouverture dans le premier mouvement de sa Symphonie n° 15, écrite en 1971. Chostakovitch a également cité d’autres compositeurs dans cette symphonie, sa dernière. Alors que les théories abondent, Chostakovitch aurait dit : « Je ne sais pas moi-même tout à fait pourquoi les citations sont là, mais je ne pouvais pas, je ne pouvais pas, ne pas les inclure. »
Pour une version plus contemporaine, voici la star de la country et légende de la guitare Glen Campbell interprétant l’ouverture, soutenue par un orchestre complet.
Rossini se cite lui-même
Rossini n’a écrit l’ouverture qu’au dernier moment. La première de l’opéra approchait, et il avait besoin de quelque chose. Il a donc creusé dans ses œuvres passées. Il y a trouvé un opéra qu’il avait écrit 14 ans auparavant, « Elizabeth, Queen of England ». Il en a recyclé des parties dans « L’ouverture de Guillaume Tell ». Il est retourné à cette œuvre et a retravaillé le premier air d’Elizabeth comme Una voce poco fa de « Le Barbier de Séville ».
Plus drôle encore, Rossini a récupéré des œuvres encore plus anciennes pour composer « Elisabeth, reine d’Angleterre ».
OK, mais qui diable était Guillaume Tell ?
La musique écrite sur Guillaume Tell est bien plus connue du public américain que l’homme Guillaume Tell. Les gens savent peut-être qu’il a tiré une flèche à travers une pomme sur la tête de son fils, mais pas beaucoup plus. Alors…
William Tell est un héros populaire suisse et un combattant pour l’indépendance de la Suisse vis-à-vis de l’Autriche. Savoir si Monsieur Tell a réellement existé est une question sur laquelle les historiens se disputent. Cependant, l’importance de Tell dans le folklore suisse et l’identité nationale est incontestable. On le retrouve dans des œuvres d’art et des statues, et des sites dans toute la Suisse revendiquent diverses associations avec lui.
Selon l’histoire, Tell était un fermier du 14e siècle. Alors qu’il se trouvait dans la ville d’Altdorf, sur les rives du lac des Quatre-Cantons, Tell, ainsi que tous les autres habitants, reçut l’ordre du bailli Habsbourg (autrichien) de saluer le chapeau du bailli, qu’il avait placé au sommet d’une tige. Refusant d’obéir à un chapeau ou à la domination autrichienne en Suisse, Tell a été arrêté. Sa punition était de tirer sur la pomme de son fils.
Mais Tell s’était armé d’une deuxième flèche pour tirer sur le bailli en guise de vengeance au cas où il aurait blessé son fils avec le premier tir. Tell fut donc à nouveau arrêté. Cette fois, il fut enchaîné et emmené sur un bateau sur le lac. Une tempête éclata et l’équipage autrichien détacha Tell pour qu’il puisse naviguer sur le bateau, car il était le seul à le connaître. La légende veut qu’il ait dirigé le bateau vers des rochers, qu’il ait sauté avec cette arbalète, puis qu’il ait repoussé le bateau dans l’eau avec les ravisseurs autrichiens toujours à bord.
Vrai ou non, c’est une belle histoire qui mérite d’être commémorée, surtout une histoire aussi mémorable que sa propre ouverture.
Photo de Gioachino Rossin. Crédit photo : Etienne Carjat (harvardartmuseums.org)
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