Proto-renaissance in Italië, 1280-1400Edit
In het Italië van eind 13e en begin 14e eeuw vertoont de beeldhouwkunst van Nicola Pisano en zijn zoon Giovanni Pisano, werkzaam te Pisa, Siena en Pistoia, duidelijk classiciserende tendensen, waarschijnlijk beïnvloed door de vertrouwdheid van deze kunstenaars met oude Romeinse sarcofagen. Hun meesterwerken zijn de preekstoelen van de doopkapel en de kathedraal van Pisa.
Tijdgenoot van Giovanni Pisano, ontwikkelde de Florentijnse schilder Giotto een manier van figuratief schilderen die ongekend naturalistisch, driedimensionaal, levensecht en classicistisch was, in vergelijking met die van zijn tijdgenoten en leermeester Cimabue. Giotto, wiens grootste werk de cyclus van het Leven van Christus in de Arenakapel in Padua is, werd door de 16e-eeuwse biograaf Giorgio Vasari gezien als “redder en restaurateur van de kunst” uit de “ruwe, traditionele, Byzantijnse stijl” die in de 13e eeuw in Italië overheerste.
Vroege Renaissance in Italië, 1400-1495Edit
Hoewel zowel de Pisano’s als Giotto leerlingen en volgelingen hadden, kwamen de eerste echte Renaissance kunstenaars pas in 1401 in Florence naar voren met de wedstrijd voor het beeldhouwen van een set bronzen deuren van het Baptisterium van de Dom van Florence, waarvoor zeven jonge beeldhouwers meededen, waaronder Brunelleschi, Donatello en de winnaar, Lorenzo Ghiberti. Brunelleschi, die vooral bekend is als architect van de koepel van de Dom van Florence en van de kerk van San Lorenzo, heeft een aantal beeldhouwwerken gemaakt, waaronder een levensgroot kruisbeeld in Santa Maria Novella, dat bekend staat om zijn naturalisme. Zijn studies over perspectief zouden de schilder Masaccio hebben beïnvloed. Donatello werd bekend als de grootste beeldhouwer van de vroege Renaissance, met als meesterwerken zijn humanistische en ongewoon erotische beeld van David, een van de iconen van de Florentijnse republiek, en zijn grote monument voor Gattamelata, het eerste grote bronzen ruiterstandbeeld dat sinds de Romeinse tijd werd gemaakt.
De tijdgenoot van Donatello, Masaccio, was de schilderkunstige nakomeling van Giotto en begon de Vroege Renaissance in de Italiaanse schilderkunst in 1425, waarbij hij de trend voortzette naar stevigheid van vorm en naturalisme van gezicht en gebaar die Giotto een eeuw eerder had ingezet. Van 1425-1428 voltooide Masaccio verschillende paneelschilderijen, maar hij is het meest bekend om de frescocyclus die hij samen met de oudere kunstenaar Masolino in de Brancacci-kapel begon en die een diepgaande invloed had op latere schilders, waaronder Michelangelo. Masaccio’s ontwikkelingen werden voortgezet in de schilderijen van Fra Angelico, met name in zijn fresco’s in het San Marco-klooster in Florence.
De behandeling van de elementen perspectief en licht in de schilderkunst was van bijzonder belang voor de 15e-eeuwse Florentijnse schilders. Uccello was zo geobsedeerd door het bereiken van een perspectief dat hij er, volgens Giorgio Vasari, zijn slaap door verstoorde. Zijn oplossingen zijn te zien in zijn meesterwerk van drie schilderijen, de Slag bij San Romano, waarvan wordt aangenomen dat het in 1460 was voltooid. Piero della Francesca maakte systematische en wetenschappelijke studies van zowel licht als lineair perspectief, waarvan de resultaten te zien zijn in zijn frescocyclus van De Geschiedenis van het Ware Kruis in San Francesco, Arezzo.
In Napels begon de schilder Antonello da Messina olieverf te gebruiken voor portretten en religieuze schilderijen op een datum die eerder was dan andere Italiaanse schilders, mogelijk rond 1450. Hij bracht deze techniek naar het noorden en beïnvloedde de schilders van Venetië. Een van de belangrijkste schilders van Noord-Italië was Andrea Mantegna, die het interieur van een kamer, de Camera degli Sposi, decoreerde voor zijn opdrachtgever Ludovico Gonzaga, waarbij hij portretten van de familie en het hof in een illusionistische architectonische ruimte plaatste.
De eindperiode van de Vroege Renaissance in de Italiaanse kunst wordt, net als het begin ervan, gekenmerkt door een bijzondere opdracht die kunstenaars samenbracht, dit keer in samenwerking in plaats van concurrentie. Paus Sixtus IV had de Pauselijke Kapel, naar hem genoemd de Sixtijnse Kapel, herbouwd en een groep kunstenaars, Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio en Cosimo Rosselli, de opdracht gegeven de wand te versieren met frescocycli die het Leven van Christus en het Leven van Mozes uitbeeldden. In de zestien grote schilderijen waren de kunstenaars, hoewel ieder in zijn eigen stijl werkend, het eens over de principes van het formaat en maakten zij gebruik van de technieken van belichting, lineair en atmosferisch perspectief, anatomie, verkortingen en karakterisering die tot grote hoogte waren doorgevoerd in de grote Florentijnse ateliers van Ghiberti, Verrocchio, Ghirlandaio en Perugino.
Vroege Nederlandse kunst, 1425-1525Edit
Tot de schilders van de Lage Landen in deze periode behoorden Jan van Eyck, zijn broer Hubert van Eyck, Robert Campin, Hans Memling, Rogier van der Weyden en Hugo van der Goes. Hun schilderkunst ontwikkelde zich deels onafhankelijk van de schilderkunst van de vroege Italiaanse renaissance, en zonder de invloed van een bewust en weloverwogen streven om de oudheid te doen herleven.
De schilderstijl groeide rechtstreeks uit de middeleeuwse schilderkunst in tempera, op panelen en verluchte manuscripten, en andere vormen zoals glas-in-lood; het medium fresco was in Noord-Europa minder gebruikelijk. Het gebruikte medium was olieverf, dat al lang werd gebruikt voor het beschilderen van leren ceremoniële schilden en uitrustingsstukken omdat het flexibel en relatief duurzaam was. De vroegste Nederlandse olieverfschilderijen zijn minutieus en gedetailleerd, net als temperaschilderijen. Het materiaal leende zich voor het weergeven van tonale variaties en textuur, waardoor de observatie van de natuur in groot detail mogelijk werd.
De Nederlandse schilders benaderden de creatie van een schilderij niet via een raamwerk van lineair perspectief en correcte verhoudingen. Zij handhaafden een middeleeuwse opvatting van hiërarchische verhoudingen en religieuze symboliek, terwijl zij zich verlustigden in een realistische behandeling van materiële elementen, zowel natuurlijke als door de mens gemaakte. Jan van Eyck schilderde, samen met zijn broer Hubert, Het retabel van het mystieke lam. Het is waarschijnlijk dat Antonello da Messina het werk van Van Eyck leerde kennen toen hij in Napels of op Sicilië verbleef. In 1475 arriveerde Hugo van der Goes’ Portinari Altaarstuk in Florence, waar het van grote invloed was op veel schilders, het meest direct op Domenico Ghirlandaio, die een altaarstuk schilderde waarin hij de elementen ervan imiteerde.
Een zeer belangrijke Nederlandse schilder tegen het einde van de periode was Jeroen Bosch, die het soort fantasievolle vormen gebruikte dat vaak werd gebruikt om randen en letters in verluchte manuscripten te versieren, waarbij hij plant- en diervormen combineerde met architectonische vormen. Wanneer deze vormen uit de context van de verluchting worden gehaald en met mensen worden bevolkt, geven ze Bosch’ schilderijen een surrealistische kwaliteit die in het werk van geen enkele andere Renaissanceschilder te vinden is. Zijn meesterwerk is het drieluik De Tuin der Lusten.
Vroege Renaissance in Frankrijk, 1375-1528Edit
De kunstenaars van Frankrijk (inclusief hertogdommen zoals Bourgondië) waren vaak verbonden aan hoven, waar ze verluchte manuscripten en portretten voor de adel leverden, maar ook devotieschilderijen en altaarstukken. Tot de beroemdste behoorden de gebroeders Limbourg, Vlaamse verluchters en makers van de verluchting van het manuscript Très Riches Heures du Duc de Berry. Jean Fouquet, schilder van het koninklijk hof, bezocht Italië in 1437 en weerspiegelt de invloed van Florentijnse schilders zoals Paolo Uccello. Hoewel hij vooral bekend is om zijn portretten, zoals dat van Karel VII van Frankrijk, maakte Fouquet ook verluchtingen, en hij wordt beschouwd als de uitvinder van het portretminiatuur. In deze periode waren er een aantal kunstenaars die beroemde altaarstukken schilderden, die zich stilistisch duidelijk onderscheiden van zowel de Italiaanse als de Vlaamse. Hiertoe behoren twee raadselachtige figuren, Enguerrand Quarton, aan wie de Piëta van Villeneuve-lès-Avignon wordt toegeschreven, en Jean Hey, ook bekend als “de Meester van Moulins” naar zijn beroemdste werk, het Altaarstuk van Moulins. In deze werken worden realisme en nauwkeurige observatie van de menselijke figuur, emoties en belichting gecombineerd met een middeleeuwse formaliteit, waaronder vergulde achtergronden.
Hoogrenaissance in Italië, 1495-1520Edit
Het “universele genie” Leonardo da Vinci zou de aspecten van de picturale kunst (belichting, lineair en atmosferisch perspectief, anatomie, verkorting en karakterisering) die kunstenaars van de Vroege Renaissance hadden beziggehouden, verder perfectioneren, in een leven van bestudering en nauwgezet vastleggen van zijn observaties van de natuurlijke wereld. Zijn keuze voor olieverf als zijn voornaamste medium maakte het hem mogelijk het licht en de effecten ervan op het landschap en de voorwerpen natuurlijker en met meer dramatisch effect weer te geven dan ooit tevoren, zoals blijkt uit de Mona Lisa (1503-1506). Zijn dissectie van kadavers bracht het begrip van skelet en spieranatomie vooruit, zoals te zien is in de onvoltooide Heilige Hiëronymus in de wildernis (ca. 1480). Zijn weergave van de menselijke emotie in Het laatste avondmaal, voltooid in 1495-1498, vormde de maatstaf voor religieuze schilderkunst.
De kunst van Leonardo’s jongere tijdgenoot Michelangelo ging een heel andere richting uit. Michelangelo toonde noch in zijn schilderkunst noch in zijn beeldhouwwerk enige belangstelling voor de observatie van enig natuurlijk object behalve het menselijk lichaam. Hij perfectioneerde zijn techniek in het afbeelden ervan, toen hij begin twintig was, door de creatie van het enorme marmeren beeld van David en de groep Pietà, in de Sint-Pietersbasiliek te Rome. Daarna ging hij op zoek naar de expressieve mogelijkheden van de menselijke anatomie. Zijn opdracht van paus Julius II om het plafond van de Sixtijnse Kapel te schilderen resulteerde in het ultieme meesterwerk van figuratieve compositie, dat een diepgaande invloed zou hebben op elke volgende generatie Europese kunstenaars. Zijn latere werk, Het Laatste Oordeel, geschilderd op de altaarwand van de Sixtijnse Kapel tussen 1534 en 1541, toont een maniëristische (ook wel Late Renaissance genoemd) stijl met over het algemeen langgerekte lichamen die de stijl van de Hoge Renaissance tussen 1520 en 1530 overnam.
Na Leonardo en Michelangelo was de jongere Rafaël de derde grote schilder van de Hoog-Renaissance, die in zijn korte leven een groot aantal levensechte en innemende portretten schilderde, waaronder die van Paus Julius II en zijn opvolger Paus Leo X, en talrijke portretten van de Madonna en het Christuskind, waaronder de Sixtijnse Madonna. Zijn dood in 1520 op 37-jarige leeftijd wordt door veel kunsthistorici beschouwd als het einde van de hoogrenaissance, hoewel sommige kunstenaars daarna nog vele jaren in hoogrenaissancestijl bleven werken.
In Noord-Italië wordt de hoogrenaissance vooral vertegenwoordigd door leden van de Venetiaanse school, met name door het laatste werk van Giovanni Bellini, vooral religieuze schilderijen, waaronder enkele grote altaarstukken van een type dat bekend staat als “Heilig Gesprek”, waarop een groep heiligen rond de tronende Madonna staat afgebeeld. Zijn tijdgenoot Giorgione, die op ongeveer 32-jarige leeftijd in 1510 overleed, liet een klein aantal raadselachtige werken na, waaronder De storm, waarvan het onderwerp een onderwerp van speculatie is gebleven. De vroegste werken van Titiaan dateren uit de tijd van de Hoog-Renaissance, waaronder een massief altaarstuk De tenhemelopneming van de Maagd, dat menselijke actie en drama combineert met spectaculaire kleuren en atmosfeer. Titiaan bleef schilderen in een over het algemeen Hoog-Renaissance stijl tot aan het einde van zijn carrière in de jaren 1570, hoewel hij steeds meer kleur en licht gebruikte in plaats van lijn om zijn figuren te definiëren.
Duitse renaissancekunstEdit
De Duitse renaissancekunst valt in de bredere categorie van de renaissance in Noord-Europa, ook wel de noordelijke renaissance genoemd. Renaissance-invloeden begonnen in de Duitse kunst op te duiken in de 15e eeuw, maar deze trend was niet wijdverbreid. Gardner’s Art Through the Ages identificeert Michael Pacher, een schilder en beeldhouwer, als de eerste Duitse kunstenaar wiens werk Italiaanse Renaissance invloeden begint te vertonen. Volgens die bron is Pachers schilderij, St. Wolfgang dwingt de duivel zijn gebedenboek vast te houden (ca. 1481), laat-gotisch van stijl, maar vertoont het ook de invloed van de Italiaanse kunstenaar Mantegna.
In de jaren 1500 werd renaissancekunst in Duitsland algemener, omdat, volgens Gardner, “de kunst van Noord-Europa in de zestiende eeuw wordt gekenmerkt door een plotselinge bewustwording van de vooruitgang die de Italiaanse renaissance had geboekt en door een verlangen om deze nieuwe stijl zo snel mogelijk te assimileren.” Een van de bekendste beoefenaars van de Duitse renaissancekunst was Albrecht Dürer (1471-1528), wiens fascinatie voor klassieke ideeën hem naar Italië leidde om kunst te studeren. Zowel Gardner als Russell erkennen het belang van Dürer’s bijdrage aan de Duitse kunst om Italiaanse Renaissance stijlen en ideeën naar Duitsland te brengen. Russell noemt dit “Het openen van de gotische vensters van de Duitse kunst,” terwijl Gardner het Dürer’s “levensmissie” noemt. Belangrijk is, zoals Gardner opmerkt, dat Dürer “de eerste noordelijke kunstenaar was die de basisdoelen van de zuidelijke Renaissance volledig begreep,” hoewel zijn stijl dat niet altijd weerspiegelde. Dezelfde bron zegt dat Hans Holbein de Jonge (1497-1543) met succes Italiaanse ideeën assimileerde terwijl hij ook “noordelijke tradities van nauw realisme” behield. Dit staat in contrast met Dürer’s neiging om te werken in “zijn eigen Duitse stijl” in plaats van Duitse en Italiaanse stijlen te combineren. Andere belangrijke kunstenaars van de Duitse Renaissance waren Matthias Grünewald, Albrecht Altdorfer en Lucas Cranach de Oude.
Artisanen zoals graveurs gingen zich meer bezighouden met esthetiek dan met het perfectioneren van hun ambacht. Duitsland had meestergraveurs, zoals Martin Schongauer, die in de late jaren 1400 metaalgravures maakte. Gardner brengt dit meesterschap in de grafische kunsten in verband met de vooruitgang in de boekdrukkunst die in Duitsland plaatsvond, en zegt dat de metaalgravure tijdens de Renaissance de houtsnede begon te vervangen. Sommige kunstenaars, zoals Albrecht Dürer, bleven echter houtsneden maken. Zowel Gardner als Russell beschrijven de goede kwaliteit van Dürer’s houtsneden, waarbij Russell in The World of Dürer stelt dat Dürer ze “verheven heeft tot hoge kunstwerken.”
BritainEdit
Britannië was erg laat met het ontwikkelen van een duidelijke renaissancestijl en de meeste kunstenaars van het Tudor hof waren geïmporteerde buitenlanders, meestal uit de Lage Landen, waaronder Hans Holbein de Jongere, die in Engeland stierf. Een uitzondering was het portretminiatuur, dat kunstenaars als Nicholas Hilliard ontwikkelden tot een apart genre lang voordat het in de rest van Europa populair werd. Ook de Renaissance kunst in Schotland was afhankelijk van geïmporteerde kunstenaars, en bleef grotendeels beperkt tot het hof.