Proto-Renascimento em Itália, 1280-1400Edit
Em Itália nos finais do século XIII e princípios do século XIV, a escultura de Nicola Pisano e do seu filho Giovanni Pisano, trabalhando em Pisa, Siena e Pistoia mostra tendências marcadamente classicistas, provavelmente influenciadas pela familiaridade destes artistas com os antigos sarcófagos romanos. As suas obras-primas são os púlpitos do Baptistério e da Catedral de Pisa.
Contemporâneo com Giovanni Pisano, o pintor florentino Giotto desenvolveu uma forma de pintura figurativa sem precedentes naturalista, tridimensional, realista e classicista, quando comparada com a dos seus contemporâneos e professor Cimabue. Giotto, cuja maior obra é o ciclo da Vida de Cristo na Capela da Arena em Pádua, foi visto pelo biógrafo do século XVI Giorgio Vasari como “resgatando e restaurando a arte” a partir do “estilo bizantino, tradicional e bruto” prevalecente em Itália no século XIII.
Renascimento precoce em Itália, 1400-1495Edit
Embora tanto os Pisanos como Giotto tivessem estudantes e seguidores, os primeiros artistas verdadeiramente renascentistas só iriam emergir em Florença em 1401 com o concurso para esculpir um conjunto de portas de bronze da Catedral Baptista de Florença, que atraiu inscrições de sete jovens escultores, incluindo Brunelleschi, Donatello e o vencedor, Lorenzo Ghiberti. Brunelleschi, mais famoso como arquitecto da cúpula da Catedral de Florença e da Igreja de San Lorenzo, criou uma série de obras escultóricas, incluindo um crucifixo em tamanho real em Santa Maria Novella, conhecido pelo seu naturalismo. Pensa-se que os seus estudos de perspectiva tenham influenciado o pintor Masaccio. Donatello tornou-se conhecido como o maior escultor do início da Renascença, sendo as suas obras-primas a sua estátua humanista e invulgarmente erótica de David, um dos ícones da república florentina, e o seu grande monumento a Gattamelata, o primeiro grande bronze equestre a ser criado desde a época romana.
O contemporâneo de Donatello, Masaccio, foi o descendente pintor de Giotto e iniciou o Renascimento precoce da pintura italiana em 1425, promovendo a tendência para a solidez da forma e naturalismo do rosto e do gesto que Giotto tinha iniciado um século antes. De 1425-1428, Masaccio completou várias pinturas de painel mas é mais conhecido pelo ciclo de frescos que começou na Capela Brancacci com o artista mais antigo Masolino e que teve profunda influência em pintores posteriores, incluindo Miguel Ângelo. Os desenvolvimentos de Masaccio foram prosseguidos nas pinturas de Fra Angelico, particularmente nos seus frescos no Convento de San Marco em Florença.
O tratamento dos elementos de perspectiva e luz na pintura foi de particular preocupação para os pintores florentinos do século XV. Uccello estava tão obcecado em tentar alcançar uma aparência de perspectiva que, segundo Giorgio Vasari, perturbava o seu sono. As suas soluções podem ser vistas no seu conjunto de três obras-primas, a Batalha de San Romano, que se crê ter sido concluída em 1460. Piero della Francesca fez estudos sistemáticos e científicos tanto de perspectiva leve como linear, cujos resultados podem ser vistos no seu ciclo afresco de A História da Verdadeira Cruz em San Francesco, Arezzo.
Em Nápoles, o pintor Antonello da Messina começou a utilizar tintas a óleo para retratos e pinturas religiosas numa data que antecedeu outros pintores italianos, possivelmente por volta de 1450. Ele levou esta técnica para norte e influenciou os pintores de Veneza. Um dos pintores mais significativos do Norte de Itália foi Andrea Mantegna, que decorou o interior de uma sala, a Camera degli Sposi para o seu patrono Ludovico Gonzaga, colocando retratos da família e da corte num espaço arquitectónico ilusionista.
O período final do Renascimento Primitivo na arte italiana é marcado, tal como o seu início, por uma comissão particular que reuniu artistas, desta vez em cooperação e não em competição. O Papa Sixtus IV tinha reconstruído a Capela Papal, nomeou a Capela Sistina em sua honra, e encarregou um grupo de artistas, Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio e Cosimo Rosselli de decorar a sua parede com ciclos de frescos retratando a Vida de Cristo e a Vida de Moisés. Nas dezasseis grandes pinturas, os artistas, embora cada um trabalhando no seu estilo individual, acordaram princípios de formato, e utilizaram as técnicas de iluminação, perspectiva linear e atmosférica, anatomia, prefaciamento e caracterização que tinham sido levadas a um ponto alto nos grandes estúdios florentinos de Ghiberti, Verrocchio, Ghirlandaio e Perugino.
Arte Neerlandesa Primitiva, 1425-1525Edit
Os pintores dos Países Baixos neste período incluíram Jan van Eyck, o seu irmão Hubert van Eyck, Robert Campin, Hans Memling, Rogier van der Weyden e Hugo van der Goes. A sua pintura desenvolveu-se em parte independentemente da pintura do início da Renascença Italiana, e sem a influência de um esforço deliberado e consciente para reavivar a antiguidade.
O estilo de pintura cresceu directamente da pintura medieval em tempera, em painéis e manuscritos iluminados, e outras formas como o vitral; o meio de fresco era menos comum no norte da Europa. O meio utilizado era a tinta a óleo, que durante muito tempo tinha sido utilizada para pintar escudos cerimoniais e acessórios de couro, porque era flexível e relativamente durável. As primeiras pinturas a óleo holandesas são meticulosas e detalhadas como as pinturas temporárias. O material prestava-se à representação de variações tonais e textura, facilitando assim a observação da natureza em grande detalhe.
Os pintores holandeses não abordaram a criação de um quadro através de uma estrutura de perspectiva linear e proporção correcta. Mantiveram uma visão medieval da proporção hierárquica e do simbolismo religioso, enquanto se deleitavam com um tratamento realista dos elementos materiais, tanto naturais como artificiais. Jan van Eyck, com o seu irmão Hubert, pintou The Altarpiece of the Mystical Lamb. É provável que Antonello da Messina se tenha familiarizado com o trabalho de Van Eyck, enquanto esteve em Nápoles ou na Sicília. Em 1475, Hugo van der Goes’ Portinari Altarpiece chegou a Florença, onde iria ter uma profunda influência sobre muitos pintores, mais imediatamente Domenico Ghirlandaio, que pintou um retábulo imitando os seus elementos.
Um pintor holandês muito significativo no final do período foi Hieronymus Bosch, que empregou o tipo de formas fantasiosas que eram frequentemente utilizadas para decorar margens e letras em manuscritos iluminados, combinando formas vegetais e animais com formas arquitectónicas. Quando retiradas do contexto da iluminação e povoadas com humanos, estas formas dão às pinturas da Bosch uma qualidade surreal que não têm paralelo no trabalho de qualquer outro pintor renascentista. A sua obra-prima é o tríptico The Garden of Earthly Delights.
Early Renaissance in France, 1375-1528Edit
Os artistas de França (incluindo duchies como a Borgonha) foram frequentemente associados aos tribunais, fornecendo manuscritos iluminados e retratos para a nobreza, bem como pinturas devocionais e retábulos. Entre os mais famosos encontravam-se os irmãos Limbourg, iluminadores flamengos e criadores da iluminação manuscrita Très Riches Heures du Duc de Berry. Jean Fouquet, pintor da corte real, visitou a Itália em 1437 e reflecte a influência de pintores florentinos como Paolo Uccello. Embora mais conhecido pelos seus retratos, como o de Carlos VII de França, Fouquet também criou iluminuras, e pensa-se ser o inventor da miniatura do retrato. Nesta data, houve vários artistas que pintaram retábulos famosos, que são estilisticamente bastante distintos tanto do italiano como do flamengo. Estes incluem duas figuras enigmáticas, Enguerrand Quarton, a quem é atribuída a Pieta de Villeneuve-lès-Avignon, e Jean Hey, também conhecido como “o Mestre de Moulins” após a sua obra mais famosa, o Altar de Moulins. Nestas obras, realismo e observação atenta da figura humana, emoções e iluminação são combinados com uma formalidade medieval, que inclui fundos dourados.
Alto Renascimento em Itália, 1495-1520Edit
O “génio universal” Leonardo da Vinci foi aperfeiçoar ainda mais os aspectos da arte pictórica (iluminação, perspectiva linear e atmosférica, anatomia, encurtamento e caracterização) que tinham preocupado os artistas do início da Renascença, numa vida de estudo e registo meticuloso das suas observações do mundo natural. A sua adopção da tinta a óleo como seu meio de comunicação primário permitiu-lhe retratar a luz e os seus efeitos na paisagem e nos objectos com mais naturalidade e com maior efeito dramático do que alguma vez tinha sido feito antes, como demonstrado na Mona Lisa (1503-1506). A sua dissecação de cadáveres levou adiante a compreensão da anatomia esquelética e muscular, como se viu no inacabado São Jerónimo no Deserto (c. 1480). A sua representação da emoção humana em A Última Ceia, concluída em 1495-1498, estabeleceu o referencial para a pintura religiosa.
A arte de Miguel Ângelo contemporâneo mais jovem de Leonardo tomou uma direcção muito diferente. Miguel Ângelo, nem na sua pintura nem na sua escultura demonstra qualquer interesse na observação de qualquer objecto natural, excepto o corpo humano. Aperfeiçoou a sua técnica na sua representação, enquanto nos seus vinte e poucos anos, com a criação da enorme estátua em mármore de David e do grupo Pietà, na Basílica de São Pedro, Roma. Em seguida, iniciou uma exploração das possibilidades expressivas da anatomia humana. A sua encomenda do Papa Júlio II para pintar o tecto da Capela Sistina resultou na suprema obra-prima de composição figurativa, que deveria ter um efeito profundo em cada geração subsequente de artistas europeus. O seu trabalho posterior, The Last Judgement, pintado na parede do altar da Capela Sistina entre 1534 e 1541, mostra um estilo Maneirista (também chamado de Late Renaissance) com corpos geralmente alongados que substituíram o estilo do Alto Renascimento entre 1520 e 1530.
P>A par de Leonardo e Miguel Ângelo como terceiro grande pintor do Alto Renascimento foi o mais jovem Rafael, que numa curta duração de vida pintou um grande número de retratos de vida e envolventes, incluindo os do Papa Júlio II e do seu sucessor, o Papa Leão X, e numerosos retratos da Madonna e da Criança Cristo, incluindo a Madonna Sistina. A sua morte em 1520 aos 37 anos de idade é considerada por muitos historiadores de arte como o fim do período do Alto Renascimento, embora alguns artistas individuais tenham continuado a trabalhar no estilo do Alto Renascimento durante muitos anos depois.
No Norte de Itália, o Alto Renascimento é representado principalmente por membros da escola veneziana, especialmente pelas últimas obras de Giovanni Bellini, especialmente pinturas religiosas, que incluem vários grandes retábulos de um tipo conhecido como “Conversa Sagrada”, que mostram um grupo de santos em torno da Madonna entronizada. A sua Giorgione contemporânea, que morreu por volta dos 32 anos de idade em 1510, deixou um pequeno número de obras enigmáticas, incluindo A Tempestade, cujo tema permaneceu uma questão de especulação. As primeiras obras de Ticiano datam da época do Alto Renascimento, incluindo um enorme retábulo A Assunção da Virgem que combina acção humana e drama com cor e atmosfera espectaculares. Ticiano continuou a pintar num estilo geralmente do Alto Renascimento até perto do fim da sua carreira na década de 1570, embora tenha usado cada vez mais a cor e a luz sobre a linha para definir as suas figuras.
German Renaissance artEdit
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A arte Renascentista Alemã insere-se na categoria mais vasta da Renascença no Norte da Europa, também conhecida como Renascença do Norte. As influências renascentistas começaram a aparecer na arte alemã no século XV, mas esta tendência não foi generalizada. Gardner’s Art Through the Ages identifica Michael Pacher, pintor e escultor, como o primeiro artista alemão cuja obra começa a mostrar influências renascentistas italianas. De acordo com essa fonte, a pintura de Pacher, St. Wolfgang Forces the Devil to Hold His Prayerbook (c. 1481), é Late Gothic em estilo, mas também mostra a influência do artista italiano Mantegna.
Nos anos 1500, a arte renascentista na Alemanha tornou-se mais comum pois, segundo Gardner, “A arte do norte da Europa durante o século XVI é caracterizada por uma súbita consciência dos avanços feitos pela Renascença italiana e por um desejo de assimilar este novo estilo o mais rapidamente possível”. Um dos praticantes mais conhecidos da arte renascentista alemã foi Albrecht Dürer (1471-1528), cujo fascínio pelas ideias clássicas o levou a Itália para estudar arte. Tanto Gardner como Russell reconheceram a importância da contribuição de Dürer para a arte alemã ao trazer estilos e ideias renascentistas italianos para a Alemanha. Russell chama a isto “abrir as janelas góticas da arte alemã”, enquanto Gardner lhe chama a “missão de vida” de Dürer. Importante, como Gardner salienta, Dürer “foi o primeiro artista do norte que compreendeu plenamente os objectivos básicos da Renascença do sul”, embora o seu estilo nem sempre reflectisse isso. A mesma fonte diz que Hans Holbein, o Jovem (1497-1543) assimilou com sucesso as ideias italianas, mantendo ao mesmo tempo “tradições nórdicas de realismo próximo”. Isto contrasta com a tendência de Dürer para trabalhar “no seu próprio estilo nativo alemão”, em vez de combinar os estilos alemão e italiano. Outros artistas importantes da Renascença alemã foram Matthias Grünewald, Albrecht Altdorfer e Lucas Cranach the Elder.
Artistas como os gravadores tornaram-se mais preocupados com a estética do que apenas com o aperfeiçoamento dos seus ofícios. A Alemanha teve mestres gravadores, como Martin Schongauer, que fez gravuras em metal nos finais do século XIV. Gardner relaciona este domínio das artes gráficas com os avanços na impressão que ocorreram na Alemanha, e diz que a gravura em metal começou a substituir a xilogravura durante a Renascença. No entanto, alguns artistas, tais como Albrecht Dürer, continuaram a fazer xilogravuras. Tanto Gardner como Russell descrevem a fina qualidade das xilogravuras de Dürer, com Russell a afirmar no The World of Dürer que Dürer “elevou-as a obras de arte de alta qualidade”
BritainEdit
Bretanha foi muito tarde para desenvolver um estilo renascentista distinto e a maioria dos artistas da corte de Tudor eram estrangeiros importados, geralmente dos Países Baixos, incluindo Hans Holbein, o Jovem, que morreu em Inglaterra. Uma excepção foi a miniatura do retrato, que artistas incluindo Nicholas Hilliard desenvolveram num género distinto muito antes de se tornar popular no resto da Europa. A arte renascentista na Escócia dependia igualmente de artistas importados, e em grande parte restrita à corte.