Loser
Gimmick? Avant-Folk-Rock-Hip-Hop-Hit? Slacker-Rock-Hymne? Spöttische Satire auf die Generation X oder Generation-X-definierende Hymne? Wie definieren Sie „Loser“? Für Beck war es ein mittelmäßiger Song, der sein Rappen verhöhnte, und er stimmte seiner Veröffentlichung nur auf Drängen von Tom Rothrock zu, der sein Label Bong Load betrieb. Dennoch bleibt er nicht nur einer der schrägsten, surrealsten Songs, die je ein Hit waren, sondern er schaffte es gleichzeitig, eine Hymne für Slacker, Verbindungsjungs und deine Mutter gleichermaßen zu werden. Es warf die Frage auf, ob Loser ein Albatros um Becks Hals werden würde, der eine Hit des Wunders. Wie auch immer, inmitten der Trümmer von Becks klanglichen Abenteuern ist Loser eine ziemlich passende Einführung in sein frühreifes Talent: Es hat die Samples (Johnny Jenkins‘ Cover von Dr. Johns I Walk on Gilded Splinters), etwas Blues-Slide-Gitarre über schlurfenden Hip-Hop-Breaks und den beständigen, unsinnigen Eröffnungstext: „In the time of chimpanzees, I was a monkey.“
Whiskeyclone, Hotel 1997
Ein weiterer Track von seinem Debütalbum Mellow Gold, aber dieser zeigt eine andere Seite von Beck: den kontemplativen, Delta-Blues-Gitarre spielenden Gonzo-Racteur. Hier liegt die Magie in den Texturen und den Unvollkommenheiten. Beck gibt der Blues-Tradition eine moderne Wendung, deren Schlampigkeit und das Prickeln der Aufnahme eine bezaubernde Intimität verleihen. Seit er in den späten 1980er Jahren auf die erste Welle der New Yorker Anti-Folk-Szene stieß, war Beck vom Delta-Blues beeinflusst, und diese zarte, drahtige Gitarre über einer gespenstischen, hypnotischen Melodie und einigen gemurmelten autobiografischen Texten ist eine zottelige und bewegende Verkörperung dieses Geistes. Der Text – er trifft ein Mädchen, folgt ihr auf eine Insel in Washington und bekommt einen seelenzerstörenden Job als Tellerwäscher – gibt uns einen seltenen Einblick in sein Leben. Es gibt sowohl Resignation als auch Hoffnung und mit der Zeile „I’ll be lonesome when I’m gone“ einen echten emotionalen Schlag in die Magengrube.
Where It’s At
Angefangen mit dem Zischen der Nadel auf der Schallplatte zu Beginn und dem „Jigsaw Jazz und dem get-fresh flow“, ist dies vielleicht der Song, der Becks Elster-Einflüsse am besten zusammenfasst. Freilaufend, einfallsreich und respektlos ist er ein verwirrender, aber betörender Mix aus bizarren Samples, einem Groove im Stil von Afrika Bambaataa, einer ausgeflippten Lounge-Lizard-Keyboard-Linie und einem verstimmten „I got two turntables and a microphone“-Gebrüll – geklaut von Mantronix‘ bahnbrechender Elektro-12in Needle to the Groove. Die Anleihen enden hier nicht. Der Titel und viele der Sprachsamples stammen von einem obskuren Aufklärungsalbum von 1969 mit dem Titel Sex for Teens (Where It’s At). Es half nicht nur, Beck in den Mainstream zu hieven, sondern durch die Erwähnung des 70er-Jahre-Außenseitermusikers Gary Wilson („Passing the dutchie from coast to coast / like my man Gary Wilson who rocks the most“), half er auch, die Karriere eines anderen wiederzubeleben.
Deadweight
Dieser Song – ein Lückenfüller zwischen den Alben Odelay und Mutations – stammt vom Soundtrack zu A Life Less Ordinary, aber lassen Sie sich davon nicht abschrecken. Beck sagte, Deadweight sei zusammen mit Tropicalia ein Teil seiner „brasilianischen Trilogie“ (wir warten immer noch auf den dritten Teil). Doch im Gegensatz zum Bossa-Nova-Gedudel von Tropicalia ist der brasilianische Einfluss von Deadweight mit einem staubigen, melancholischen Vibe zu einem berauschenden Gebräu verwoben. Sicher, es gibt die Uhrwerk-Percussion der Vintage-Drum-Maschinen, die gezupfte Gitarre und Vinyl-Kratzer, aber die Stimmung ist von einer düsteren Sanftheit geprägt. Beck erzählt uns eine harte Geschichte über Glücksspiel und Einsamkeit und darüber, sich nicht von der Sonne beim Weinen erwischen zu lassen. Es ist auch ein faszinierendes Bindeglied in Becks Karriere, irgendwo zwischen dem postmodernen Mischmasch-Rock von Odelay und der Downbeat-Psychedelia von Mutations. Der Song war bei den MTV Movie Awards 1998 für den besten Song aus einem Film nominiert, verlor aber gegen Will Smiths Men in Black.
Nobody’s Fault But My Own
Der Sound von Beck mit gebrochenem Herzen, trostlos und psychedelisch, Nobody’s Fault But My Own, von Mutations, ist der Song, den man spielt, wenn man im Dunkeln seines Zimmers sitzt und den vergangenen Tag bedauert. Schon der Titel trieft vor Selbstbetrachtung. Als er nach der Geschichte hinter dem Song gefragt wurde, sagte Beck: „Nun, ich ging runter in meinen Keller. Es regnete draußen, und ich schrieb ihn.“ Über einem sanften Nebel aus Sitar, Synthesizern und Streichern (einschließlich der Bratsche, die von seinem Vater David Campbell beigesteuert wurde), sieht man Becks ernste, rührselige Darbietung, die ihn sanft zwischen Selbstbezogenheit und traurigem Bedauern pendeln lässt. Auch hier gibt es Poesie: „When the moon is a counterfeit / Better find the one that fits / Better find the one that lights the way for you.“ Doch all die Schwere wird durch die Geschicklichkeit der Orchestrierung, Nigel Godrichs Produktion und die wunderschön wehmütige Klanglandschaft aufgefangen.
Debra
„Ich will mit dir zusammen sein, nur mit dir, Mädchen, und deiner Schwester. Ich glaube, ihr Name ist Debra.“ Lange Zeit ein fester Bestandteil seines Live-Sets – er hatte ursprünglich versucht, Debra für Odelay aufzunehmen, es dann aber fallen gelassen, weil er es für zu flapsig hielt – ist diese epische Falsett-geführte erotische Funk-Ode an das Umwerben eines Mädchens und ihrer Schwester Beck in seiner brillantesten Absurdität. Obwohl sein viertes Album Midnite Vultures von Schmutz-Funk-Satire durchzogen ist, gibt es keinen Zweifel an Becks Liebe und Faszination für R&B, und R Kelly im Besonderen. „Diese Jungs singen R&B mit einem sehr süßen, sanften Groove, aber sie singen darüber, wie sie einem Mädchen das Höschen ausziehen und es ihnen richtig besorgen wollen. Es ist eine wirklich seltsame Gegenüberstellung“, sagte er. Von der ersten Zeile „I met you at JC Penney / I think your nametag said Jenny!“ an gibt es hier einige fantastische Zeilen, die mit Genuss vorgetragen werden. Live hatte der Song schon immer ein Eigenleben, wobei Becks Ad-Libs den Song in seltsame Gefilde schickten und die Band ihn in lächerliche Längen ausdehnte. „Es wurde zum Herzstück des ganzen Sets. Es war der Song, auf den die Leute mehr reagierten als auf die Songs, die sie im Radio gehört hatten. Also spielten wir ihn immer wieder“, sagte er.
It’s All in Your Mind
Nach all den postmodernen Genre-Anleihen auf dem Schrottplatz sollte sich Becks fünftes Album Sea Change als sein Meisterwerk erweisen. Es ist leicht nachzuvollziehen, warum es bei seiner Veröffentlichung mit Dylans Blood on the Tracks verglichen wurde: Hier setzte Beck alles auf eine Karte, mit Songs über Herzschmerz und Resignation, die von der Trennung von seiner Verlobten Leigh Limon beeinflusst waren. Und doch war es ein Song, den er Jahre zuvor geschrieben hatte, der zeigte, dass er diese Fähigkeiten schon immer besessen hatte: It’s All in Your Mind wurde 1994 für das Album One Foot in the Grave aufgenommen, landete als Outtake und wurde im Jahr darauf als 7in-Single veröffentlicht. Erst als Beck im Studio anfing, den Song zu klimpern, sagte ihm Produzent Nigel Godrich, dass der Song unbedingt auf dem Album von 2002 enthalten sein müsse. Diese neu aufgenommene Version ist ein reichhaltiger Klangteppich, der durch melancholische Streicherverzierungen, die von Becks Vater beigesteuert wurden, bereichert wird. Während sich die Musik mehr und mehr verschlingt, gesteht Beck, seine Stimme tief und müde vor Kummer, „Ich wollte ein guter Freund sein“, die Füllung komplett aus ihm herausgeschlagen. Jeder, der schon einmal in einer Beziehung war, wird das nachvollziehen können.
Girl
Girl glänzt als einer von Becks Momenten reiner, unverschämter Pop-Perfektion. Schimmernd und sommerlich, vom 8-Bit-Intro bis zum mühelosen Strum und den „Oohs“ des Refrains, ist dies der Sound, als würde man in der Sonne sitzen und eine Piña Colada aus einer Kokosnuss trinken. Komm schon, es gibt sogar Handclaps. Aber natürlich ist dies Beck und die Dinge sind nicht so einfach. Was singt er da? „And I know I’m gonna steal her eye / She doesn’t even know what’s wrong / I know I’m gonna make her die / Take her where her soul belongs“, gurrt er über dem sonnengetränkten Refrain. Wenn man großzügig ist, sind das herzliche Beteuerungen der Lust; wenn nicht, sind es die Bekenntnisse eines mörderischen Stalkers.
Strange Apparition
„Lord, please don’t forsake me. In my Mercedes-Benz“, singt Beck in Anlehnung an den Song von Janis Joplin. Und man merkt, dass man bis eben noch nicht wusste, dass man von ihm Classic Rock hören wollte. Strange Apparition – teils eine Hommage an die Stones aus der Gimme-Shelter-Ära, teils eine Hymne, die den Kapitalismus parodiert – ist Beck, der den messianischen Rockstar spielt. Auf dem Album The Information, das unter anderem ein bizarres Gespräch zwischen Spike Jonze und Dave Eggers enthält, warf Beck alles in die Waagschale, mit unterschiedlichem Erfolg. Auf Strange Apparition nähern sich die zeternden, klirrenden Percussions, das Klavier und der hupende Hintergrundgesang dem Grandiosen (oder der Dave Matthews Band, wenn Sie so wollen). Aber im Breakdown für die Bridge und dem dramatischen Zeitlupen-Ende zeigt er seine Meisterschaft. Ich wollte, dass es so klingt, wie wenn die Beatles ihr ganzes Schlagzeug herausholen und durchdrehen“, erklärte er.
Blue Moon
Ein Jahrzehnt nach Sea Change kam dessen geistiger Nachfolger. Morning Phase, ein „companion piece of sorts“ zum früheren Album, ist oberflächlich betrachtet ein weiteres melancholisches Bekenntnis. „Da ist dieses Gefühl von Tumult und Ungewissheit, das Durchstehen dieser langen, dunklen Nacht der Seele – wie auch immer man es nennen will“, sagte Beck dem Rolling Stone. „Diese Songs handeln davon, wie man da rauskommt – wie die Dinge besser werden.“ Und dieses Gefühl, dass es besser wird, schimmert durch: Ein Großteil von Morning Phase taucht die Songs in ein schimmerndes Licht, dank der orchestralen Pracht und der von Wärme durchzogenen Gitarren und Streicher. Das macht das Album auf eine charmante Art und Weise nachsichtig. Nirgendwo trifft das mehr zu als auf das dylaneske Blue Moon. Während er in der ersten Zeile „I’m so tired of being alone“ (Ich habe es so satt, allein zu sein) weint, sinniert er wie ein verlassener Teenager über seine Einsamkeit vor einer üppigen Kulisse aus herrlichen Gitarren und süßer Orchestrierung. Man kann fast das Licht des Mondes sehen, das in seine Blockhütte scheint. Wenn er singt „Cut me down to size, so I can fit inside“, fühlt sich die Zärtlichkeit transzendental an.
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