Das Klischee über David Bowie ist, dass er ein musikalisches Chamäleon war, das sich je nach Mode und Trends anpasste. Während eine solche Kritik zu oberflächlich ist, lässt sich nicht leugnen, dass Bowie auf dem Höhepunkt seiner Karriere in den 70er Jahren eine bemerkenswerte Fähigkeit bewies, musikalische Bewegungen wahrzunehmen. Nachdem er einige Jahre in den späten 60ern als Mod und Allround-Music-Hall-Entertainer verbracht hatte, erfand sich Bowie als Hippie-Sänger/Songwriter neu. Vor seinem Durchbruch 1972 nahm er eine Proto-Metal-Platte und ein Pop/Rock-Album auf und definierte schließlich den Glam-Rock mit seiner zweideutig-sexy Ziggy Stardust-Persönlichkeit neu. Ziggy machte Bowie zu einem internationalen Star, aber er gab sich nicht damit zufrieden, weiterhin Glitzerrock zu produzieren. Mitte der 70er Jahre entwickelte er eine verweichlichte, raffinierte Version des Philly Soul, die er „Plastic Soul“ nannte und die sich schließlich in den unheimlichen Avant-Pop von Station to Station (1976) verwandelte. Kurz darauf zog er nach Berlin, wo er drei experimentelle elektronische Alben mit Brian Eno aufnahm. Zu Beginn der 80er Jahre war Bowie noch auf dem Höhepunkt seines Könnens, doch nach seinem Blockbuster-Dance-Pop-Album Let’s Dance von 1983 sank er langsam in die Mittelmäßigkeit ab, bevor er seine Karriere in den frühen 90ern wieder aufleben ließ. Selbst als er in den 80er und 90er Jahren aus der Mode kam, war es klar, dass Bowie einer der einflussreichsten Musiker der Rockgeschichte war, im Guten wie im Schlechten. Jede seiner Phasen in den 70er Jahren löste eine Reihe von Subgenres aus, darunter Punk, New Wave, Goth Rock, die New Romantics und Electronica. Nur wenige Rocker hatten jemals einen so nachhaltigen Einfluss.
David Jones begann mit 13 Jahren Musik zu machen und lernte Saxophon, während er die Bromley Technical High School besuchte; ein weiteres Schlüsselerlebnis ereignete sich in der Schule, als seine linke Pupille bei einer Schulhofschlägerei dauerhaft erweitert wurde. Nach seinem Abschluss im Alter von 16 Jahren arbeitete er als Werbegrafiker, während er Saxophon in einer Reihe von Mod-Bands spielte, darunter die King Bees, die Manish Boys (bei denen auch Jimmy Page als Session-Mann mitwirkte) und Davey Jones & the Lower Third. Alle drei dieser Bands veröffentlichten Singles, die im Allgemeinen ignoriert wurden, dennoch trat er weiter auf und änderte 1966 seinen Namen in David Bowie, nachdem Davy Jones von den Monkees ein internationaler Star geworden war. Im Laufe des Jahres 1966 veröffentlichte er drei Mod-Singles auf Pye Records, die alle ignoriert wurden. Im darauffolgenden Jahr unterschrieb er bei Deram und veröffentlichte in diesem Jahr den an Anthony Newley angelehnten David Bowie in der Music Hall. Nach der Fertigstellung der Platte verbrachte er mehrere Wochen in einem schottischen buddhistischen Kloster. Nachdem er das Kloster verlassen hatte, lernte er bei Lindsay Kemps Pantomimen-Truppe und gründete 1969 seine eigene Pantomimen-Truppe, die Feathers. Die Feathers waren nur von kurzer Dauer, und er gründete 1969 die experimentelle Kunstgruppe Beckenham Arts Lab.
Bowie musste das Arts Lab finanzieren, also unterschrieb er im selben Jahr bei Mercury Records und veröffentlichte Man of Words, Man of Music, ein trippiges Singer/Songwriter-Album mit „Space Oddity“. Der Song wurde als Single veröffentlicht und wurde ein großer Hit in Großbritannien, was Bowie davon überzeugte, sich auf die Musik zu konzentrieren. Er traf sich mit seinem alten Freund Marc Bolan und fing an, bei einigen von Bolans T. Rex-Konzerten zu mimen. Schließlich tourte er mit Bolan, dem Bassisten/Produzenten Tony Visconti, dem Gitarristen Mick Ronson und dem Schlagzeuger Cambridge als Hype. Die Band löste sich schnell auf, doch Bowie und Ronson standen sich weiterhin nahe und arbeiteten an dem Material, das Bowies nächstes Album The Man Who Sold the World ausmachte, und rekrutierten Michael „Woody“ Woodmansey als Schlagzeuger. Produziert von Tony Visconti, der auch den Bass spielte, war The Man Who Sold the World ein schweres Gitarrenrock-Album, das keine große Aufmerksamkeit erregte. Bowie folgte dem Album Ende 1971 mit dem Pop/Rock-Album Hunky Dory, einem Album, auf dem Ronson und der Keyboarder Rick Wakeman mitwirkten.
Nach dessen Veröffentlichung begann Bowie mit der Entwicklung seiner berühmtesten Inkarnation, Ziggy Stardust: ein androgyner, bisexueller Rockstar von einem anderen Planeten. Bevor er Ziggy enthüllte, behauptete Bowie in einem Interview mit Melody Maker im Januar 1972, dass er schwul sei, was dazu beitrug, das Interesse an seinem bevorstehenden Album zu wecken. In Anlehnung an Bolans stilvollen Glam-Rock färbte sich Bowie die Haare orange und begann, Frauenkleidung zu tragen. Er nannte sich Ziggy Stardust, und seine Begleitband – Ronson, Woodmansey und der Bassist Trevor Bolder – waren die Spiders from Mars. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars wurde Ende 1972 mit großem Tamtam in England veröffentlicht. Das Album und seine aufwendigen, theatralischen Konzerte wurden in ganz England zur Sensation und verhalfen ihm dazu, als einziger Glam-Rocker eine Nische in Amerika zu erobern. Ziggy Stardust wurde in den USA ein Mund-zu-Mund-Hit, und das wiederveröffentlichte „Space Oddity“ – das nun auch der Titel des wiederveröffentlichten Man of Words, Man of Music war – erreichte die amerikanischen Top 20. Bowie ließ Ziggy später im Jahr 1973 schnell mit Aladdin Sane folgen. In diesem Jahr nahm er nicht nur ein neues Album auf, sondern produzierte auch Lou Reeds Transformer, Raw Power von den Stooges und das Comeback von Mott the Hoople All the Young Dudes, für das er auch den Titelsong schrieb.
Angesichts der Menge an Arbeit, die Bowie in die Jahre 1972 und 1973 packte, war es nicht überraschend, dass sein unerbittlicher Zeitplan begann, ihn einzuholen. Nachdem er das Coveralbum Pin-Ups mit den Spiders from Mars aufgenommen hatte, verkündete er unerwartet die Auflösung der Band und seinen Rückzug von Live-Auftritten während der letzten Show der Gruppe in diesem Jahr. Er zog sich aus dem Rampenlicht zurück, um an einer musikalischen Adaption von George Orwells 1984 zu arbeiten, aber nachdem ihm die Rechte an dem Roman verweigert wurden, verwandelte er das Werk in Diamond Dogs. Das Album wurde 1974 zu allgemein schlechten Kritiken veröffentlicht, dennoch brachte es die Hit-Single „Rebel Rebel“ hervor, und er unterstützte das Album mit einer aufwendigen und teuren Amerika-Tournee. Im Laufe der Tournee war Bowie von Soul-Musik fasziniert und gestaltete schließlich die gesamte Show um, um seinen neuen „Plastik-Soul“ zu reflektieren. Er heuerte den Gitarristen Carlos Alomar als Bandleader an, verwandelte seine Gruppe in eine Philly-Soul-Band und kleidete sich selbst in raffinierter, stilvoller Mode neu ein. Die Veränderung überraschte die Fans, ebenso wie das Doppelalbum David Live, das Material von der Tournee 1974 enthielt.
Young Americans, 1975 veröffentlicht, war der Höhepunkt von Bowies Soul-Besessenheit und wurde sein erster großer Crossover-Hit, der in den amerikanischen Top Ten landete und mit „Fame“, einem Song, den er zusammen mit John Lennon und Alomar geschrieben hatte, seinen ersten Nummer-eins-Hit in den USA generierte. Bowie zog nach Los Angeles, wo er seine erste Filmrolle in Nicolas Roegs The Man Who Fell to Earth (1976) erhielt. Während er in L.A. lebte, nahm er Station to Station auf, das den plastischen Soul von Young Americans in eine dunklere, avantgardistische Richtung führte, aber es war auch ein großer Hit, der die Top Ten-Single „Golden Years“ hervorbrachte. Das Album begründete Bowies Persona des eleganten „Thin White Duke“ und spiegelte Bowies wachsende Kokain-Paranoia wider. Bald beschloss er, dass Los Angeles zu langweilig war und kehrte nach England zurück; kurz nach seiner Ankunft in London zeigte er der wartenden Menge einen Nazi-Gruß, ein Zeichen für seine wachsende, drogensüchtige Loslösung von der Realität. Der Vorfall löste eine enorme Kontroverse aus, und Bowie verließ das Land, um sich in Berlin niederzulassen, wo er mit Brian Eno lebte und arbeitete.
In Berlin angekommen, wurde Bowie nüchtern und begann zu malen und Kunst zu studieren. Er entwickelte auch eine Faszination für deutsche elektronische Musik, die Eno ihm auf ihrem ersten gemeinsamen Album Low vermittelte. Low, das Anfang 1977 veröffentlicht wurde, war eine verblüffende Mischung aus Elektronik, Pop und Avantgarde-Technik. Obwohl es damals mit gemischten Kritiken begrüßt wurde, erwies es sich als eines der einflussreichsten Alben der späten 70er Jahre, ebenso wie der Nachfolger Heroes, der im selben Jahr folgte. 1977 nahm Bowie nicht nur zwei Soloalben auf, sondern er betreute auch Iggy Pops Comeback-Alben The Idiot und Lust for Life und tourte anonym als Pops Keyboarder. 1977 nahm er seine Schauspielkarriere wieder auf und trat in Just a Gigolo mit Marlene Dietrich und Kim Novak auf, außerdem sprach er Eugene Ormandys Version von Peter und der Wolf. 1978 kehrte Bowie auf die Bühne zurück und startete eine internationale Tournee, die auf dem Doppel-Album Stage festgehalten wurde. 1979 nahmen Bowie und Eno Lodger in New York, der Schweiz und Berlin auf und veröffentlichten das Album am Ende des Jahres. Lodger wurde mit mehreren innovativen Videos unterstützt, wie auch Scary Monsters von 1980, und diese Videos – „DJ“, „Fashion“, „Ashes to Ashes“ – wurden zu Grundnahrungsmitteln auf dem frühen MTV.
Scary Monsters war Bowies letztes Album für RCA und beendete seine innovativste und produktivste Periode. Später im Jahr 1980 spielte er die Titelrolle in der Bühnenproduktion von The Elephant Man, einschließlich mehrerer Shows am Broadway. In den nächsten zwei Jahren machte er eine längere Pause vom Aufnehmen, trat in Christiane F (1981) und dem Vampirfilm The Hunger (1982) auf und kehrte nur für seine 1981er Zusammenarbeit mit Queen, „Under Pressure“, und das Thema für Paul Schraders Remake von Cat People ins Studio zurück. 1983 unterschrieb er einen teuren Vertrag mit EMI Records und veröffentlichte Let’s Dance. Bowie hatte den Chic-Gitarristen Nile Rodgers für die Produktion des Albums rekrutiert, was der Platte ein glattes, funkiges Fundament verlieh, und engagierte den unbekannten Stevie Ray Vaughan als Leadgitarristen. Let’s Dance wurde seine erfolgreichste Platte, dank der stilvollen, innovativen Videos zu „Let’s Dance“ und „China Girl“, die beide Songs zu Top Ten-Hits machten. Bowie unterstützte die Platte mit der ausverkauften Arena-Tournee Serious Moonlight.
Zum ersten Mal mit einem massiven Erfolg begrüßt, war Bowie nicht ganz sicher, wie er reagieren sollte, und er entschied sich schließlich, Let’s Dance mit Tonight von 1984 zu wiederholen. Obwohl sich das Album gut verkaufte und den Top Ten-Hit „Blue Jean“ hervorbrachte, erhielt es schlechte Kritiken und war letztendlich eine kommerzielle Enttäuschung. 1985 kam er ins Stocken und nahm ein Duett von Martha & the Vandellas‘ „Dancing in the Street“ mit Mick Jagger für Live Aid auf. Er verbrachte auch mehr Zeit im Jetset, trat bei Prominenten-Events rund um den Globus auf und spielte in mehreren Filmen mit – Into the Night (1985), Absolute Beginners (1986), Labyrinth (1986) – die sich als Bomben entpuppten. Bowie kehrte 1987 mit dem weithin kritisierten Never Let Me Down zu den Aufnahmen zurück und unterstützte das Album mit der Glass Spider Tour, die ebenfalls schlechte Kritiken erhielt. 1989 remasterte er seinen RCA-Katalog mit Rykodisc für eine CD-Veröffentlichung und startete die Serie mit der Drei-Disc-Box Sound + Vision. Bowie unterstützte die Scheiben mit einer begleitenden Tournee gleichen Namens und behauptete, dass er sich nach der Tournee von allen seinen älteren Figuren zurückziehen würde. Sound + Vision war erfolgreich, und Ziggy Stardust wurde inmitten des Trubels neu aufgelegt.
Sound + Vision mag ein Erfolg gewesen sein, aber Bowies nächstes Projekt war vielleicht sein erfolglosestes. In Anlehnung an den rauen, dissonanten Rock von Sonic Youth und den Pixies gründete Bowie seine eigene Gitarrenrock-Combo Tin Machine mit dem Gitarristen Reeves Gabrels, dem Bassisten Hunt Sales und Hunts Bruder, dem Schlagzeuger Tony, der zuvor mit Bowie an Iggy Pops Lust for Life gearbeitet hatte. Tin Machine veröffentlichte im Sommer ein gleichnamiges Album mit schlechten Kritiken und unterstützte es mit einer Clubtour, die nur mäßig erfolgreich war. Trotz der schlechten Kritiken veröffentlichten Tin Machine 1991 ein zweites Album, das passend betitelte Tin Machine II, und es wurde komplett ignoriert.
Bowie kehrte 1993 mit dem anspruchsvollen, gefühlvollen Black Tie White Noise zu seiner Solokarriere zurück und nahm das Album mit Nile Rodgers und seinem damaligen ständigen Mitarbeiter Reeves Gabrels auf. Das Album wurde auf Savage, einer Tochterfirma von RCA, veröffentlicht und erhielt positive Kritiken, aber sein neues Label ging kurz nach der Veröffentlichung in Konkurs und das Album verschwand. Black Tie White Noise war das erste Anzeichen dafür, dass Bowie sich bemühte, seine Karriere wiederzubeleben, ebenso wie der weitgehend instrumentale Soundtrack The Buddha of Suburbia von 1994. 1995 traf er sich wieder mit Brian Eno für das Industrial-Rock-lastige 1. Outside. Einige Kritiker feierten das Album als Comeback, und Bowie unterstützte es mit einer Co-Headliner-Tournee mit Nine Inch Nails, um ein jüngeres, alternatives Publikum anzusprechen, aber dieser Schachzug schlug fehl; das Publikum verließ Bowie vor seinem Auftritt und 1. Outside verschwand. Er kehrte 1996 schnell ins Studio zurück und nahm Earthling auf, ein Album, das stark von Techno und Drum’n’Bass beeinflusst war. Bei seiner Veröffentlichung Anfang 1997 erhielt Earthling allgemein positive Kritiken, dennoch konnte das Album kein Publikum gewinnen, und viele Techno-Puristen kritisierten Bowie für die angebliche Ausbeutung ihrer Subkultur. hours… folgte 1999. Im Jahr 2002 kam Bowie wieder mit dem Produzenten Toni Visconti zusammen und veröffentlichte Heathen, das sehr positive Kritiken erhielt. Er setzte die Zusammenarbeit mit Visconti 2003 für Reality fort, das erneut sehr positiv aufgenommen wurde.
Bowie unterstützte Reality mit einer ausgedehnten Tournee, die jedoch im Sommer 2004 zum Stillstand kam, als er in Hamburg eine Notfall-Angioplastie erhielt. Nach diesem gesundheitlichen Schock zog sich Bowie still und leise aus der Öffentlichkeit zurück. In den nächsten Jahren tauchte er gelegentlich bei Wohltätigkeitskonzerten oder Galaveranstaltungen auf und sang gelegentlich im Studio für andere Künstler (insbesondere trat er 2008 auf Scarlett Johanssons Tom-Waits-Hommage Anywhere I Lay My Head auf). Es erschienen Archivveröffentlichungen, aber keine neuen Aufnahmen, bis er an seinem 66. Geburtstag am 8. Januar 2013 plötzlich seinen inoffiziellen Ruhestand beendete, eine neue Single namens „Where Are We Now?“ veröffentlichte und ein neues Album ankündigte. Unter dem Titel The Next Day und erneut produziert von Visconti, wurde das Album im März 2013 veröffentlicht. Mit allgemein positiven Kritiken begrüßt, debütierte The Next Day weltweit auf Platz eins oder zwei und erhielt in vielen Ländern eine Goldzertifizierung.
Im darauffolgenden Jahr veröffentlichte Bowie eine neue Compilation namens Nothing Has Changed, die den neuen Song „Sue (Or in a Season of Crime)“ enthielt. Dieser Song entpuppte sich als Grundstein für Bowies nächstes Projekt, Blackstar. Das Album, das am 8. Januar 2016 erschien, brachte Bowie wieder mit Tony Visconti zusammen und erkundete abenteuerliches Terrain, wie die Leadsingle „Blackstar“ andeutete. Nur zwei Tage nach der Veröffentlichung wurde bekannt, dass David Bowie an Leberkrebs gestorben war. In einem Facebook-Post verriet Tony Visconti, dass Bowie seit mindestens 18 Monaten von seiner Krankheit wusste und Blackstar als „sein Abschiedsgeschenk“ schuf. Das Album erreichte mehrere Spitzenplätze in den nationalen Charts – einschließlich der Billboard 200, was es zu seinem ersten Nummer-eins-Album in den USA machte. Im Herbst 2016 begannen posthume Projekte aufzutauchen, darunter Who Can I Be Now? – eine Sammlung seiner Alben aus der Mitte der 70er Jahre, die als Fortsetzung des Box-Sets Five Years aus dem Vorjahr fungierte – und die Veröffentlichung der Cast-Aufnahme zu Lazarus, dem Broadway-Musical, das er in seinen letzten Jahren fertigstellte. Am 8. Januar 2017 — dem Jahrestag der Veröffentlichung von Blackstar — wurde die No Plan EP veröffentlicht, die Bowies Versionen von Songs aus dem Lazarus-Musical enthält. A New Career in a New Town – der dritte Band der retrospektiven Boxsets, der sich auf seine Aufnahmen aus den späten 70er Jahren konzentriert – erschien im September 2017. Im darauffolgenden Jahr wurde die vierte retrospektive Box – Loving the Alien – veröffentlicht, die Alben aus den Jahren 1983 bis 1988 enthielt. Enthalten war Bowies meistverkauftes 80er-Album Let’s Dance – neben einer Auswahl an Live-Veröffentlichungen – sowie eine 2018 erschienene Produktion seines 1987er-Albums Never Let Me Down mit Streicher-Arrangements von Nico Muhly und einer Produktion von Mario McNulty. Im Laufe des Jahres 2019 veröffentlichte Parlophone eine Reihe von Vinyl-Sets in limitierter Auflage, die die 1969 aufgenommenen Demos von Bowie in den Mittelpunkt stellen. Ende des Jahres wurden diese Aufnahmen zusammen mit einem neuen Mix von David Bowie (Space Oddity) in dem Box-Set Conversation Piece gesammelt.