Es stellt sich heraus, dass Claude Debussy genau so lebte, wie jeder sich selbst respektierende Künstler leben sollte. Er trank zu viel, zeigte einen unklugen Frauengeschmack, konnte nie mit Geld umgehen und nahm an, dass jeder, der Musik nicht genau so sah wie er, ein Dummkopf war. Er dachte oft daran, sich das Leben zu nehmen, aber es war tatsächlich seine erste Frau, die sich selbst abdrückte und auf dem Place de la Concorde stand, um sicherzugehen, dass jeder es bemerkte. Schließlich starb der große Komponist jung, oder eher jung, und überließ es der Nachwelt, darüber zu spekulieren, wohin ihn sein Genie als Nächstes geführt hätte.
Denken Sie aber nicht, dass Stephen Walshs fesselnde neue Biografie, die zum hundertsten Todestag Debussys erschienen ist, nur aus einer lockeren Anekdote nach der anderen besteht. Wie Walsh selbst in seiner Einführung sagt, werden die Leben von Komponisten allzu oft so erzählt, als wäre die Musik ein beiläufiger Nachsatz, der unordentlich zwischen Geschichten über schlechte Schulden und große Partys eingekeilt wird. Walsh hingegen besteht darauf, Debussys Kompositionen in das Herz dieser Biografie zu ziehen und behandelt sie als das wesentliche Register der emotionalen und intellektuellen Existenz.
Als mürrischer Pariser Conservatoire-Student in den 1870er Jahren war Debussy in einer Tradition ausgebildet worden, in der alle großen Fragen von Form und Inhalt mindestens ein Jahrhundert zuvor entschieden worden waren. Die Aufgabe des Jungen, so sahen es seine Meister, war es, diese ererbten Vorlagen zu absorbieren, seine fünf Sous an Phantasie hinzuzufügen und sie dann ordnungsgemäß aufgefrischt an die nächste Generation von flinken Wunderkindern weiterzugeben. Debussy hingegen wollte nichts Geringeres tun, als die Musik von Grund auf neu zu erschaffen, oder vielleicht besser gesagt, von innen nach außen. Er wollte Sequenzen von – wie er es nannte – „Farben und rhythmisierter Zeit“ produzieren, die seine innere Vision zum Ausdruck brachten, anstatt vorgefertigte Klänge in irgendeine vorarrangierte Form zu pressen. Die Form sollte dem Inhalt folgen, auch wenn das bedeutete, dass die Form keinen Anfang und kein Ende, keinen Höhepunkt und keine Flaute hatte, sondern als ein ununterbrochenes Gewebe erschien, das von seiner eigenen dichten inneren Logik zusammengehalten wurde.
Zeitgenössische Kritiker nannten Debussy schnell einen Impressionisten, das musikalische Äquivalent zu Monet, weil er Stimmung, Gefühl und Szene gegenüber Geschichte und Botschaft in den Vordergrund stellte. Debussy verabscheute dieses Etikett, und Walsh stimmt zu, dass dieser Impuls, den Komponisten in ein bestehendes Raster zu pressen, ironisch ist, wenn man bedenkt, dass seine gewohnheitsmäßige Nichteinhaltung genau das war, was ihn dazu trieb, überhaupt nach den Grenzen zu streben. Dennoch, so Walsh, ist das kein Grund, die allgemeinere Feststellung zu verwerfen, dass Debussy, wie der Untertitel dieses Buches besagt, „ein Maler im Klang“ war, ein Komponist, für den das Visuelle in das Mark der Musik eingearbeitet war. Debussy verbrachte seine dienstfreien Stunden eher im Louvre als in der Opéra, während er im Salon seines großen Freundes, des Malers Henry Lerolle, am ehesten Edgar Degas und Pierre-Auguste Renoir ansteuerte.
Um zu demonstrieren, wie sich diese Malerhaftigkeit in der Musik manifestierte, bietet Walsh eine Reihe von genauen Lesungen von Debussys bekanntesten Stücken an, die zeigen, wie Sehkraft und Klang bis zum Punkt der Synästhesie vernetzt sind. Zum Beispiel erklärt er, wie in Nuages die treibenden Akkorde, fragmentarischen Melodien und geschichteten (statt vermischten) Harmonien zu einem hohen grauen Himmel mit einer verschwommenen, sich verschiebenden Wolkenlandschaft werden, anstatt sie zu beschreiben. An anderer Stelle gräbt Walsh tief in Debussys stilistischen Fortschritten – den pentatonischen Skalen, den unaufgelösten Akkorden, der exzentrischen Pedalierung – um zu zeigen, dass das Ergebnis eine Reihe von „Farben“ war, die man in der französischen Musik zuvor nicht gehört oder gesehen hatte. Um der Argumentation zu folgen, ist es hilfreich, wenn man die Chromatik von den Ganztönen unterscheiden kann, obwohl Walsh darauf achtet, die wirklich technischen Dinge auf ein Minimum zu beschränken. Stattdessen verwendet er eine herrlich flüssige Prosa, um den allgemeinen Leser in die richtige Richtung zu führen.
Wenn Walsh klein kann, kann er auch groß, und er beendet seine fein ausgearbeitete Biographie, indem er sich der alten Frage stellt, ob Debussy das Ende einer musikalischen Epoche oder den Anfang einer anderen darstellt. Denn während das Publikum bei der Uraufführung von Pelléas et Mélisande im Jahr 1902 über die radikale Formlosigkeit und das harmonische Durcheinander murmeln mochte, ist es eine Tatsache, dass der Komponist zum Zeitpunkt seines Todes 16 Jahre später bereits als ausgesprochener alter Hut abgeschrieben wurde. In der Tat war Debussy für scharfe junge Kritiker wie Jean Cocteau nichts weiter als ein alternder Romantiker, dessen Gemurmel über Nachtigallen und Mondschein dem letzten Atemzug des 19. Jahrhunderts zu gehören schienen. Erst nach dem nächsten Weltkrieg lichteten sich die Nebel und es wurde wieder möglich, den Blick über den Tellerrand zu wagen. Debussy galt nicht mehr als Impressionist, der verwaschene Metaphern von Faunen oder Wellen produzierte. Vielmehr war der Weg frei, ihm seinen Platz als klanglicher Modernist zurückzugeben, dessen Musik nicht nur ihren eigenen Sinn machte, sondern auch den Weg für die nächsten 100 Jahre wies.
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Debussy: A Painter in Sound von Stephen Walsh (Faber, £20). Um ein Exemplar für £17 zu bestellen, gehen Sie zu guardianbookshop.com oder rufen Sie 0330 333 6846 an. Gratis UK p&p über £10, nur bei Online-Bestellungen. Telefonische Bestellungen min. p&p von £1,99.
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