Compresi in questa lista dei più famosi quadri astratti ci sono alcuni dei pezzi più influenti che il movimento artistico astratto abbia mai prodotto.
Per molti, l’arte astratta può essere scoraggiante perché spesso per un occhio non allenato il significato e l’intento degli artisti può essere difficile da afferrare.
Questo è in gran parte dovuto alla mancanza di indizi visivi che sono normalmente radicati nella realtà in altri tipi di arte.
I primi artisti astratti stavano forgiando un percorso su un nuovo terreno e le loro opere d’arte si estendevano attraverso molti mezzi e tecniche.
Sono finiti i vincoli più sicuri dell’arte rappresentativa tradizionale che avevano incatenato gli artisti per secoli e c’era un nuovo senso di libertà senza limiti.
I seguenti esempi di arte astratta sono alcuni dei più notevoli per il genere da alcuni dei più grandi nomi dell’arte.
Pittura astratta famosa
Senza titolo (Primo acquerello astratto) – Wassily Kandinsky
Senza titolo (Primo acquerello astratto) fu dipinto nel 1910 da Wassily Kandinsky ed è considerato uno dei primi veri dipinti astratti.
Anche se molti artisti prima di quest’opera avevano iniziato a pensare in termini di astrazione, quest’opera è certamente una delle prime ad essere mostrata pubblicamente e ha certamente suscitato un notevole interesse da parte delle masse dell’epoca.
E’ infatti uno studio preparatorio per un’opera successiva chiamata Composizione VII che fu poi dipinta nel 1913.
Molti l’hanno definito come uno dei momenti decisivi nella genesi del movimento astratto, tuttavia le opere precedenti di Kandinsky avevano già mostrato forti indizi di dove l’artista si sarebbe spinto nelle sue opere successive.
Il suo lavoro ha segnato un allontanamento molto definito dalle tradizioni rappresentative dell’arte europea fino a quel momento e un eventuale passaggio all’astrazione pura.
Attualmente risiede nel Musée National d’Art Moderne del Centre Pompidou, Parigi, Francia.
Full Fathom Five – Jackson Pollock
Anche se visse solo 44 anni, Jackson Pollock ebbe un profondo impatto sul mondo dell’arte moderna, dipingendo in totale 363 opere.
Divenne famoso per le sue tecniche di sgocciolamento in cui la tela veniva posta sul pavimento e poi la pittura vi gocciolava sopra dall’alto.
Pollock usava spesso pittura murale economica invece di costose pitture ad olio quando usava questa tecnica perché non richiedeva diluizione.
Full Fathom Five è uno dei primi dipinti astratti di Pollock in stile “drip”.
Ha uno strato inferiore nero dipinto su cui la pittura domestica è gocciolata dall’alto, ha anche molti oggetti ordinari come monete, mozziconi di sigarette e una chiave, che contribuiscono ad aggiungere allo strato superiore enormemente strutturato che spicca sulla tela.
Il suo nome deriva in realtà da un verso de “La Tempesta” di William Shakespeare che un vicino suggerì a Pollock.
Pollock usava diverse tecniche di versamento e spessore della pittura per permettergli di sgocciolare in una linea quasi continua per ogni colore piuttosto che linee spezzate o vortici.
Molti hanno detto che le tecniche sono nate per caso, ma in realtà può essere visto come un puro esperimento che ha portato ad uno dei lanci della carriera di uno degli artisti più famosi di sempre.
Tableau I – Piet Mondrian
‘Composizione II in rosso, blu, e giallo” è uno dei più importanti dipinti astratti di Piet Mondrian in quanto ha segnato un cambiamento significativo dall’artista più tradizionale dopo il trasferimento dai Paesi Bassi a Parigi.
Mostra la sua filosofia che l’universo è una collezione naturalmente armoniosa di diversi oggetti e sostanze e questi potrebbero essere combinati in blocchi geometrici e linee nere definite.
Nell’opera vengono utilizzati solo i colori primari, che enfatizzano gli elementi costitutivi di tutti i colori.
Mondrian ha raggiunto un equilibrio quasi perfetto in tutto il dipinto, con estrema cura per garantire che la distribuzione del colore e la chiara delineazione delle linee che formano le forme separate creino una perfetta armonia compositiva
L’opera è ora un’opera d’arte astratta molto famosa e la sua immagine è stata utilizzata più volte nella cultura pop.
1936 (White Relief) – Ben Nicholson
Ben Nicholson fu largamente influenzato dai movimenti post-impressionista e cubista, che rappresentarono un grande distacco dalle sue precedenti opere figurative più tradizionali.
Tuttavia fu largamente ispirato da Mondrian e si allontanò notevolmente dalle tecniche pittoriche e dall’arte rappresentativa per creare una serie di rilievi geometrici monocromatici.
Il “White Relief” del 1936, tutto bianco, è considerato la sua opera astratta più bella e ha un’aria incredibilmente tranquilla.
Ha anche scritto un manifesto costruttivista più tardi nella vita.
La Mancha Roja – Joan Miro
Joan Miro è uno dei più famosi artisti spagnoli mai vissuti.
Le sue opere abbracciano molti generi come l’astrattismo, il surrealismo e il fauvismo, ma è il suo lavoro astratto quello per cui sarà ricordato meglio.
Il suo nome sarà a lungo associato alla creazione di alcuni dei più grandi dipinti spagnoli mai prodotti.
La Mancha Roja o “The Red Spot” in inglese attraversa i confini tra arte astratta e surrealismo.
Raramente gli esempi di arte astratta sono più astratti di “The Red Spot”.
Miro sosteneva di non fare altro che dipingere le immagini che vedeva nella sua testa e fu sempre restio a descrivere il suo lavoro come un puro astratto.
Le immagini erano spesso il risultato di allucinazioni dovute alla fame e alla stanchezza piuttosto che indotte dalla droga.
Mountains and Sea – Helen Frankenthaler
Pitturato nel 1952 quando Helen Frankenthaler aveva solo 23 anni Mountains and Sea è dipinto con una tecnica a macchia d’olio.in cui i colori ad olio pesantemente diluiti sono usati per macchiare una tela non preparata.
Purtroppo la macchiatura della tela da parte dei colori diluiti porta la tela a marcire nel tempo.
Mountains and Sea fu dipinto dalla Frankenthaler dopo un viaggio in Nuova Scozia l’estate precedente e si dice che la sua tecnica sia stata ispirata dalla visione di alcuni dipinti in bianco e nero di Jackson Pollock nel 1951.
La tela è piuttosto grande e misura circa sette piedi per dieci, il che, se visto di persona, aiuta anche le immagini a “galleggiare” fuori dalla tela grazie alla tecnica della macchia a mollo usata.
È stata anche un’abile stampatrice e ha sperimentato il taglio del legno e la ceramica.
No 2 Blu Rosso Verde – Mark Rothco
Mark Rothco è stato essenzialmente un pittore astratto pittore espressionista, le cui opere iniziali, fortemente ispirate alla mitologia e alla filosofia, cedettero il passo in seguito a opere basate su grandi porzioni di colore spesso lavate.
Queste tele lavate, spesso con solo tre colori, diventeranno le sue opere simbolo e il suo nome sarà sempre sinonimo di questo stile.
Il suo lavoro si inserisce perfettamente in quello di un pittore di campi di colore e anche se non si è mai considerato tale i suoi dipinti sono abitualmente usati come esempi del genere.
Le prime opere di Rothco erano piene di toni più chiari, ma con il progredire della sua età e il declino della sua salute mentale la sua tavolozza di colori si è spostata dai toni chiari a quelli più scuri.
No 2 Blu Rosso Verde può essere visto come una transizione tra la sua fase chiara e quella scura.
Interchange – Willem de Kooning
Interchange è uno dei primi dipinti di paesaggio dell’artista olandese-americano Willem de Kooning.
È notevole soprattutto perché è uno dei più costosi dipinti astratti che siano mai passati di mano.
In una vendita fuori mercato David Geffen della Geffen Records ha venduto l’opera al miliardario manager di hedge fund Kenneth C. Griffin per una cifra dichiarata di 300 milioni di dollari nel 2015, all’epoca il prezzo più alto registrato per qualsiasi dipinto in tempi moderni.
È stato poi eclissato solo dal Salvator Mundi di Da Vinci nel 2017.
Prima di questo pezzo de Kooning aveva concentrato gran parte della sua arte su figure femminili e Interchange è stata la prima grande partenza verso composizioni più basate su paesaggi o architetture.
Iris nera – Georgia O’Keeffe
I lavori di Georgia O’Keeffe sono diventati alcuni dei dipinti astratti più discussi e analizzati di tutti i tempi.
Con suo grande dispiacere il dipinto è stato interpretato come una metafora dei genitali femminili dalla storica dell’arte Linda Nochlin.
Tanto l’artista si è risentita dell’interpretazione che nella sua successiva mostra ha presentato un testo di accompagnamento che recitava:
“Beh, ti ho fatto prendere tempo per guardare quello che ho visto e quando hai preso tempo per notare davvero il mio fiore hai appeso tutte le tue associazioni con i fiori sul mio fiore e scrivi sul mio fiore come se io pensassi e vedessi quello che tu pensi e vedi del fiore-e io no.”
Come artista femminile l’associazione è stata comunque quasi impossibile da scuotere e le sue opere astratte saranno quasi sempre associate alle parti intime femminili.
È una delle artiste più influenti che siano mai vissute ed è un’enorme fonte di ispirazione per le giovani artiste di tutto il mondo.
Pittura astratta 726 – Gerhard Richter
Gerhard Richter ha dipinto Pittura astratta (726) nel 1990 ed è un dittico che comprende due sezioni di tela.
Il dipinto consiste in forme orizzontali che sono composte principalmente da bianco, rosso e arancione.
Richter nel corso della sua carriera tornerebbe dopo un certo tempo su pezzi più vecchi e li cambierebbe a volte considerevolmente dall’immagine originale.
Abstract Painting (726) è una di queste opere e non solo è stata opacizzata da Richter ma l’artista ha anche aggiunto diversi graffi verticali.
Il risultato è un’opera che sembra un’immagine sottostante che è stata sfocata e lo spettatore è lasciato alla propria interpretazione per trovare il significato.
Speriamo che vi sia piaciuta questa lista di famosi dipinti astratti che speriamo vi permetta di diventare più familiari con il movimento e le sue opere principali.