Proto-Rinascimento in Italia, 1280-1400Modifica
In Italia, tra la fine del XIII e l’inizio del XIV secolo, la scultura di Nicola Pisano e di suo figlio Giovanni Pisano, attivi a Pisa, Siena e Pistoia, mostra tendenze marcatamente classicheggianti, probabilmente influenzate dalla familiarità di questi artisti con gli antichi sarcofagi romani. I loro capolavori sono i pulpiti del Battistero e della Cattedrale di Pisa.
Contemporaneo di Giovanni Pisano, il pittore fiorentino Giotto sviluppò una maniera di pittura figurativa senza precedenti, naturalistica, tridimensionale, realistica e classicista, se confrontata con quella dei suoi contemporanei e del suo maestro Cimabue. Giotto, la cui opera più grande è il ciclo della Vita di Cristo nella Cappella dell’Arena a Padova, fu visto dal biografo del XVI secolo Giorgio Vasari come “salvatore e restauratore dell’arte” dal “rozzo, tradizionale, stile bizantino” prevalente in Italia nel XIII secolo.
Primo Rinascimento in Italia, 1400-1495Modifica
Anche se sia i Pisano che Giotto avevano allievi e seguaci, i primi veri artisti rinascimentali non sarebbero emersi a Firenze fino al 1401 con il concorso per scolpire una serie di porte di bronzo del Battistero del Duomo di Firenze, che attirò le candidature di sette giovani scultori tra cui Brunelleschi, Donatello e il vincitore, Lorenzo Ghiberti. Brunelleschi, più famoso come architetto della cupola del Duomo di Firenze e della Chiesa di San Lorenzo, creò una serie di opere scultoree, tra cui un crocifisso a grandezza naturale in Santa Maria Novella, rinomato per il suo naturalismo. Si pensa che i suoi studi sulla prospettiva abbiano influenzato il pittore Masaccio. Donatello divenne famoso come il più grande scultore del primo Rinascimento, i suoi capolavori sono la sua statua umanista e insolitamente erotica del David, una delle icone della repubblica fiorentina, e il suo grande monumento al Gattamelata, il primo grande bronzo equestre ad essere creato dai tempi dei Romani.
Il contemporaneo di Donatello, Masaccio, era il discendente pittore di Giotto e iniziò il primo Rinascimento nella pittura italiana nel 1425, proseguendo la tendenza verso la solidità della forma e il naturalismo del volto e del gesto che Giotto aveva iniziato un secolo prima. Dal 1425-1428, Masaccio completò diversi dipinti su tavola, ma è meglio conosciuto per il ciclo di affreschi che iniziò nella Cappella Brancacci con l’artista più anziano Masolino e che ebbe profonda influenza sui pittori successivi, incluso Michelangelo. Gli sviluppi di Masaccio furono portati avanti nei dipinti di Fra Angelico, in particolare nei suoi affreschi al Convento di San Marco a Firenze.
Il trattamento degli elementi di prospettiva e luce nella pittura fu di particolare interesse per i pittori fiorentini del XV secolo. Uccello era così ossessionato dal tentativo di ottenere un’apparenza di prospettiva che, secondo Giorgio Vasari, disturbava il suo sonno. Le sue soluzioni possono essere viste nel suo capolavoro di tre dipinti, la Battaglia di San Romano, che si crede sia stato completato entro il 1460. Piero della Francesca fece studi sistematici e scientifici sia sulla luce che sulla prospettiva lineare, i cui risultati possono essere visti nel suo ciclo di affreschi della Storia della Vera Croce in San Francesco, Arezzo.
A Napoli, il pittore Antonello da Messina iniziò ad usare i colori ad olio per ritratti e dipinti religiosi ad una data che precedeva altri pittori italiani, probabilmente intorno al 1450. Portò questa tecnica al nord e influenzò i pittori di Venezia. Uno dei pittori più significativi dell’Italia settentrionale fu Andrea Mantegna, che decorò l’interno di una stanza, la Camera degli Sposi per il suo mecenate Ludovico Gonzaga, inserendo i ritratti della famiglia e della corte in uno spazio architettonico illusionistico.
Il periodo finale del primo Rinascimento nell’arte italiana è segnato, come il suo inizio, da una particolare commissione che attirò gli artisti, questa volta in cooperazione piuttosto che in competizione. Papa Sisto IV aveva ricostruito la Cappella Papale, chiamata Cappella Sistina in suo onore, e commissionò a un gruppo di artisti, Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio e Cosimo Rosselli, di decorarne le pareti con cicli di affreschi raffiguranti la Vita di Cristo e la Vita di Mosè. Nei sedici grandi dipinti, gli artisti, pur lavorando ciascuno nel proprio stile, si accordarono sui principi del formato e utilizzarono le tecniche di illuminazione, prospettiva lineare e atmosferica, anatomia, scorcio e caratterizzazione che erano state portate all’apice nei grandi studi fiorentini di Ghiberti, Verrocchio, Ghirlandaio e Perugino.
Arte dei primi Paesi Bassi, 1425-1525Modifica
I pittori dei Paesi Bassi in questo periodo includevano Jan van Eyck, suo fratello Hubert van Eyck, Robert Campin, Hans Memling, Rogier van der Weyden e Hugo van der Goes. La loro pittura si sviluppò in parte indipendentemente dalla pittura del primo Rinascimento italiano, e senza l’influenza di un deliberato e cosciente sforzo di far rivivere l’antichità.
Lo stile di pittura si sviluppò direttamente dalla pittura medievale a tempera, su pannelli e manoscritti miniati, e altre forme come le vetrate; il mezzo dell’affresco era meno comune nel nord Europa. Il mezzo usato era la pittura a olio, che era stata a lungo utilizzata per dipingere scudi cerimoniali in pelle e accessori, perché era flessibile e relativamente durevole. I primi dipinti a olio olandesi sono meticolosi e dettagliati come i dipinti a tempera. Il materiale si prestava alla rappresentazione delle variazioni tonali e della trama, facilitando così l’osservazione della natura in grande dettaglio.
I pittori olandesi non si avvicinavano alla creazione di un quadro attraverso un quadro di prospettiva lineare e proporzioni corrette. Mantennero una visione medievale della proporzione gerarchica e del simbolismo religioso, mentre si dilettavano in un trattamento realistico degli elementi materiali, sia naturali che artificiali. Jan van Eyck, con suo fratello Hubert, dipinse la Pala dell’Agnello Mistico. È probabile che Antonello da Messina abbia familiarizzato con il lavoro di Van Eyck, mentre era a Napoli o in Sicilia. Nel 1475, la Pala Portinari di Hugo van der Goes arrivò a Firenze, dove avrebbe avuto una profonda influenza su molti pittori, soprattutto Domenico Ghirlandaio, che dipinse una pala d’altare imitandone gli elementi.
Un pittore olandese molto significativo verso la fine del periodo fu Hieronymus Bosch, che impiegò il tipo di forme fantasiose che erano spesso utilizzate per decorare bordi e lettere nei manoscritti miniati, combinando forme vegetali e animali con quelle architettoniche. Se prese dal contesto della miniatura e popolate di esseri umani, queste forme danno ai dipinti di Bosch una qualità surreale che non ha paralleli nel lavoro di nessun altro pittore rinascimentale. Il suo capolavoro è il trittico Il giardino delle delizie terrestri.
Primo Rinascimento in Francia, 1375-1528Modifica
Gli artisti di Francia (compresi i ducati come la Borgogna) erano spesso associati alle corti, fornendo manoscritti miniati e ritratti per la nobiltà, nonché dipinti devozionali e pale d’altare. Tra i più famosi c’erano i fratelli Limbourg, miniatori fiamminghi e creatori della miniatura del manoscritto Très Riches Heures du Duc de Berry. Jean Fouquet, pittore della corte reale, visitò l’Italia nel 1437 e riflette l’influenza dei pittori fiorentini come Paolo Uccello. Sebbene sia meglio conosciuto per i suoi ritratti, come quello di Carlo VII di Francia, Fouquet creò anche miniature, e si pensa che sia l’inventore del ritratto in miniatura. C’erano un certo numero di artisti a questa data che dipinsero famose pale d’altare, che sono stilisticamente abbastanza distinte sia dall’italiano che dal fiammingo. Questi includono due figure enigmatiche, Enguerrand Quarton, a cui è attribuita la Pietà di Villeneuve-lès-Avignon, e Jean Hey, altrimenti noto come “il Maestro di Moulins” dopo la sua opera più famosa, la Pala di Moulins. In queste opere, il realismo e l’osservazione ravvicinata della figura umana, le emozioni e l’illuminazione sono combinati con una formalità medievale, che include sfondi dorati.
Alto Rinascimento in Italia, 1495-1520Modifica
Il “genio universale” Leonardo da Vinci doveva perfezionare ulteriormente gli aspetti dell’arte pittorica (illuminazione, prospettiva lineare e atmosferica, anatomia, scorcio e caratterizzazione) che avevano preoccupato gli artisti del primo Rinascimento, in una vita di studio e registrazione meticolosa delle sue osservazioni del mondo naturale. L’adozione della pittura a olio come mezzo di comunicazione principale gli permise di rappresentare la luce e i suoi effetti sul paesaggio e sugli oggetti in modo più naturale e con maggiore effetto drammatico di quanto non fosse mai stato fatto prima, come dimostra la Gioconda (1503-1506). La sua dissezione dei cadaveri portò avanti la comprensione dell’anatomia scheletrica e muscolare, come si vede nell’incompiuto San Girolamo nel deserto (1480 circa). La sua rappresentazione dell’emozione umana ne L’ultima cena, completata nel 1495-1498, stabilisce il punto di riferimento per la pittura religiosa.
L’arte del più giovane contemporaneo di Leonardo, Michelangelo, prese una direzione molto diversa. Michelangelo non dimostra, né nella sua pittura né nella sua scultura, alcun interesse nell’osservazione di qualsiasi oggetto naturale eccetto il corpo umano. Perfezionò la sua tecnica nel raffigurarlo, mentre era poco più che ventenne, con la creazione dell’enorme statua di marmo del David e del gruppo della Pietà, nella Basilica di San Pietro, a Roma. In seguito si dedicò all’esplorazione delle possibilità espressive dell’anatomia umana. La sua commissione da parte di Papa Giulio II di dipingere il soffitto della Cappella Sistina portò al supremo capolavoro di composizione figurativa, che avrebbe avuto un profondo effetto su ogni successiva generazione di artisti europei. La sua opera successiva, Il Giudizio Universale, dipinta sulla parete dell’altare della Cappella Sistina tra il 1534 e il 1541, mostra uno stile manierista (chiamato anche Tardo Rinascimento) con corpi generalmente allungati che prese il posto dello stile del Alto Rinascimento tra il 1520 e il 1530.
Accanto a Leonardo e Michelangelo, il terzo grande pittore dell’Alto Rinascimento fu il più giovane Raffaello, che in una breve vita dipinse un gran numero di ritratti realistici e coinvolgenti, tra cui quelli di Papa Giulio II e del suo successore Papa Leone X, e numerose rappresentazioni della Madonna e di Cristo Bambino, tra cui la Madonna Sistina. La sua morte, avvenuta nel 1520 all’età di 37 anni, è considerata da molti storici dell’arte come la fine del periodo dell’Alto Rinascimento, anche se alcuni singoli artisti continuarono a lavorare nello stile dell’Alto Rinascimento per molti anni a seguire.
In Italia settentrionale, l’Alto Rinascimento è rappresentato principalmente dai membri della scuola veneziana, specialmente dalle ultime opere di Giovanni Bellini, specialmente i dipinti religiosi, che includono diverse grandi pale d’altare di un tipo noto come “Sacra Conversazione”, che mostrano un gruppo di santi intorno alla Madonna in trono. Il suo contemporaneo Giorgione, morto a circa 32 anni nel 1510, ha lasciato un piccolo numero di opere enigmatiche, tra cui La Tempesta, il cui soggetto è rimasto oggetto di speculazioni. Le prime opere di Tiziano risalgono all’epoca dell’Alto Rinascimento, tra cui una massiccia pala d’altare L’Assunzione della Vergine che combina l’azione umana e il dramma con colori e atmosfere spettacolari. Tiziano continuò a dipingere in uno stile generalmente rinascimentale fino alla fine della sua carriera negli anni 1570, anche se usò sempre più il colore e la luce rispetto alla linea per definire le sue figure.
Arte del Rinascimento tedescoModifica
L’arte rinascimentale tedesca rientra nella più ampia categoria del Rinascimento in Europa settentrionale, noto anche come Rinascimento del Nord. Le influenze rinascimentali cominciarono ad apparire nell’arte tedesca nel XV secolo, ma questa tendenza non era diffusa. Gardner’s Art Through the Ages identifica Michael Pacher, un pittore e scultore, come il primo artista tedesco il cui lavoro inizia a mostrare influenze rinascimentali italiane. Secondo quella fonte, il dipinto di Pacher, San Wolfgang costringe il diavolo a tenere il suo libro di preghiere (1481 circa), è in stile tardo gotico, ma mostra anche l’influenza dell’artista italiano Mantegna.
Nel 1500, l’arte rinascimentale in Germania divenne più comune poiché, secondo Gardner, “L’arte del nord Europa durante il XVI secolo è caratterizzata da un’improvvisa consapevolezza dei progressi fatti dal Rinascimento italiano e da un desiderio di assimilare questo nuovo stile il più rapidamente possibile.” Uno dei più noti professionisti dell’arte rinascimentale tedesca fu Albrecht Dürer (1471-1528), il cui fascino per le idee classiche lo portò in Italia a studiare arte. Sia Gardner che Russell hanno riconosciuto l’importanza del contributo di Dürer all’arte tedesca nel portare gli stili e le idee rinascimentali italiane in Germania. Russell chiama questo “Aprire le finestre gotiche dell’arte tedesca”, mentre Gardner lo chiama la “missione di vita” di Dürer. Importante, come sottolinea Gardner, Dürer “fu il primo artista del nord che comprese pienamente gli scopi fondamentali del Rinascimento meridionale”, anche se il suo stile non sempre lo rifletteva. La stessa fonte dice che Hans Holbein il Giovane (1497-1543) assimilò con successo le idee italiane pur mantenendo “le tradizioni nordiche di stretto realismo”. Questo è in contrasto con la tendenza di Dürer a lavorare nel “proprio stile nativo tedesco” invece di combinare stili tedeschi e italiani. Altri importanti artisti del Rinascimento tedesco furono Matthias Grünewald, Albrecht Altdorfer e Lucas Cranach il Vecchio. La Germania aveva maestri incisori, come Martin Schongauer, che fece incisioni su metallo alla fine del 1400. Gardner mette in relazione questa padronanza delle arti grafiche con i progressi nella stampa che si verificarono in Germania, e dice che l’incisione su metallo cominciò a sostituire la xilografia durante il Rinascimento. Tuttavia, alcuni artisti, come Albrecht Dürer, continuarono a fare xilografie. Sia Gardner che Russell descrivono la buona qualità delle xilografie di Dürer, con Russell che afferma in The World of Dürer che Dürer “le elevò in alte opere d’arte”
BritainEdit
La Gran Bretagna fu molto in ritardo per sviluppare un distinto stile rinascimentale e la maggior parte degli artisti della corte dei Tudor erano stranieri importati, di solito dai Paesi Bassi, compreso Hans Holbein il Giovane, che morì in Inghilterra. Un’eccezione fu il ritratto in miniatura, che artisti come Nicholas Hilliard svilupparono in un genere distinto ben prima che diventasse popolare nel resto d’Europa. L’arte rinascimentale in Scozia era analogamente dipendente da artisti importati, e in gran parte limitata alla corte.