La musica disco piace ancora oggi nel 21° secolo, ma le mode sgargianti sono state relegate alle feste in maschera e in costume vintage. Tuttavia, la moda disco è così popolare perché i vestiti sono così divertenti e sgargianti che puoi davvero mostrare il tuo lato estroverso. La discoteca non è morta. Ecco una storia completa della discoteca e della moda disco.
Il periodo d’oro della moda disco è sbocciato dalla musica suonata nei club gay underground di New York come il Loft, Tenth Floor e 12 West nei primi anni ’70. Altri club come l’Infinity, il Flamingo, il Paradise Garage, Le Jardin e il Saint lanciarono la cultura della discoteca che portava con sé un atteggiamento “anything-goes” e balli per tutta la notte.
Lo Studio 54 divenne il luogo dove essere visti con abiti da discoteca come tette-tuberi, scarpe con plateau, pantaloni svasati e forme attente al corpo, vestiti con lurex, glitter e motivi o colori folli. Lo Studio 54 ha giocato un ruolo essenziale nel creare la scena dei nightclub che è ancora con noi oggi – un luogo dove la gente si veste per essere notata e all’ultima moda.
Il film di successo Saturday Night Fever (1977) ha fatto sì che la discoteca rimanesse in giro per qualche anno prima di diventare molto fuori moda quando il Punk Rock e la New Wave divennero la nuova moda anti-moda.
Ma cosa è successo prima degli anni ’70 per influenzare lo stile della discoteca che ci è così familiare oggi? Torniamo indietro nel tempo e diamo un’occhiata……….
I giorni prima della disco
1900-1933: Negli Stati Uniti, la gente balla nei club su un pianoforte o un jukebox. 
Questa scena dei nightclub diventa clandestina con il proibizionismo fino al 1933 quando i nightclub tornano ad essere popolarizzati con l’uso di big band e musica swing.
Primavera 1939 – Gli Swing Kids sono un piccolo movimento giovanile della classe media tedesca dedicato al jazz e alla moda sgargiante che accompagna la musica. Si riuniscono per ballare e per mostrare le loro ultime mosse e i loro abiti jazz. Gli Swing Kids reagiscono contro il crescente movimento nazista (che vedeva la cultura jazz come una cattiva influenza con la sua cultura etnica e internazionale). Nonostante sia un rifiuto non violento della cultura dominante, il gruppo viene chiuso dalle SS (prova il film Swing Kids – 1993- per vedere la storia).
Nella Francia occupata, il jazz e la musica bebop e la danza jitterbug sono vietati dai nazisti. Sono etichettati come influenze degenerate. I gruppi della Resistenza francese si riuniscono in locali da ballo clandestini nascosti, chiamati “discoteche”. Ballano su musica swing suonata su un juke box o su un unico giradischi. I ballerini indossano zoot suit proprio come i ballerini di swing in America.
1942 – La Discotheque, un nightclub seminterrato con un solo giradischi apre a Parigi. Il termine ‘discoteca’ è usato in Europa per descrivere i club dove non si suona musica dal vivo.
Più tardi a Parigi (1947) Paul Pacine apre il club Whiskey A-Go-Go – uno dei primi nightclub in assoluto.
Al Whiskey A-Go-Go nel 1953 il DJ Regine usa due giradischi senza pause tra la musica. C’è una pista da ballo, luci colorate e nessun juke-box.
Fine anni 50. Nel frattempo a Londra, i caffè di Soho diventano i posti più trendy, come Les Enfants Terribles al 93 Dean St. Frequentati da immigrati francesi e italiani, si rivolgono ai giovanissimi che vogliono ballare nel pomeriggio. Nella Londra degli anni 50, gli hipster del rock and roll preferiscono i bar e le taverne ai nightclub (il nightclub non è veramente mainstream qui fino agli anni 70).
Sono i primi anni 60, e Mark Birley apre un nightclub discoteca per soli membri, Annabel’s, a Berkeley Square, Londra. 1961: gli Stati Uniti impazziscono per il Twist. Nel 1962 il Peppermint Lounge di New York diventa il posto alla moda dove essere visti ballare tutta la notte da soli o con uno o due partner – va bene tutto. Così ora la gente balla spesso senza un partner. Il Peppermint Lounge sta assistendo alla nascita del go-go dancing. Nel Regno Unito, Roger Earle fa il DJ al The Twisted Earle a Manchester UK, e crea il fondamento della scena Northern Soul (che avrebbe avuto un grande impatto sulla Disco).
L’alba della Disco
È il 1965 e Arthur apre a New York City con DJ Terry Noel (il primo DJ a mixare dischi). Altri club come Regine’s, Le Club, Shepheard’s, Cheetah, Ondine aprono a metà degli anni ’60.
Mentre in Europa nel 1966 dischi come Hold Me Closer e Baby Come Back diventano successi e danno il via alla scena Eurodisco. La scena dei club a Parigi si infiamma con nuovi club chiamati Chez Castel e Chez Regine.
New York, 1969, e un club chiamato The Contentinal Baths apre e il Sanctuary apre sulla West 43rd Street con l’ormai leggendario DJ Francis Grasso. Esce il disco Only The Strong Survive di Jerry Butler. È il pioniere del Philly Sound che sarebbe diventato uno degli elementi più importanti della storia della Disco music.
Questi club intrattengono e coinvolgono la crescente fiducia dei gruppi emarginati in questo periodo. Afroamericani, lesbiche e gay, psichedelici, latini si mescolano con gli eterosessuali hipster nei club di New York City e Philadelphia durante la fine degli anni ’60 e l’inizio degli anni ’70. In un decennio di crescente frammentazione sociale e di scelte di stile di vita, la reazione contro la musica rock bianca dominante e la cultura in America, sostiene la scena della musica da ballo del periodo d’oro del jazz. La discoteca fa anche appello alle donne, appena liberate dalla pillola e dal femminismo ora un argomento del posto di lavoro moderno. Le donne cercano di uscire senza accompagnatori, di vestirsi bene, di spendere i loro sudati stipendi e di ballare tutta la notte sulle note della musica funk, latina e soul.
Molti suoni e spettacoli da discoteca si ispirano anche a elementi della cultura hippy come la psichedelia, l’amore libero, i vestiti colorati e l’assunzione di droghe. È l’era della controcultura, l’alba dell’era dell’Acquario, dell’emancipazione e della libertà.
Nel frattempo, a Parigi, i club suonano brani erotici come Je T’Aime di Serge Gainsbourg, Moi Non Plus e brani lunghi e morbidi come Walk On By di Isaac Hayes.
Nel 1970, il DJ David Mancuso e le sue feste Loft iniziano a New York, diventando un precursore di molti altri club privati a venire. Le sue feste sono affari per soli membri a casa sua.
Le prime canzoni che accennano a un suono da discoteca includono Bla, Bla Diddly (Giorgio Moroder, 1966), You Keep Me Hangin’ On (The Supremes, 1966), Only the Strong Survive (Jerry Butler, 1968), Message to Love (Jimi Hendrix’s Band of Gypsys, 1970), Soul Makossa (Manu Dibango, 1972), Keep on Truckin’ (Eddie Kendricks, 1973) e The Love I Lost (Harold Melvin & The Blue Notes, 1973).
1971: La disco arriva in televisione con il programma di musica e ballo Soul Train.
1973: il primo articolo sulla disco è scritto da Vince Aletti per Rolling Stone.
Disco Dancing
1973: Karen Lustgarten presenta le sue lezioni di disco dance a San Francisco. Il suo libro, The Complete Guide to Disco Dancing (Warner Books, 1978), è il primo a nominare, scomporre e insegnare i balli popolari della disco. Il libro è un bestseller e viene tradotto in diverse lingue.
I singoli stili sono coreografati per abbinare i diversi suoni e voci della discoteca. L’Hustle diventa un nome comune per una serie di mosse stilizzate. Questo ballo di coppia usa movimenti elaborati delle mani e torsioni e giri funky, influenzati dal ballo swing degli anni ’30 e ’40. Anche altri balli influenzano lo stile della disco dance, come i movimenti latini del Mambo e della Salsa. Il ballo in linea viene reso popolare prima in Florida e poi a New York City, durante i primi anni ’70.
Febbre da discoteca 1974-77
Dal 1974 al 1977, la musica da discoteca continua a crescere in popolarità e molte canzoni disco sono in cima alle classifiche. Visto come uno strumento di marketing per ampliare la popolarità della disco al di là della controcultura, è un enorme successo e la colonna sonora dei BeeGees diventa uno degli album più venduti di tutti i tempi.
Nei tardi anni ’70 la disco si fissa saldamente nella cultura pop mainstream. Le canzoni non disco esistenti ricevono spesso un trattamento disco. Il ricco accompagnamento orchestrale che si identifica con l’era della disco evoca i ricordi dell’era delle big band. A loro volta, molti artisti di big band registrano arrangiamenti da discoteca, tra cui Perry Como.
Anche gli arrangiamenti orchestrali classici diventano discotecari quando lunghi brani musicali guadagnano popolarità sulla pista da ballo. Persino Ethel Merman lo fa, pubblicando un album di canzoni disco The Ethel Merman Disco Album nel 1979. Sembrerebbe che tutti stiano facendo la disco.
Moda disco anni ’70
La moda disco è molto popolare a metà degli anni ’70. Persino Elvis indossa un abito svasato e un paio di jeans. Persino Elvis indossa una tuta svasata tagliata fino all’ombelico. I frequentatori della discoteca di New York indossano una moda costosa e stravagante per le notti fuori: abiti fascianti di Diane von Furstenberg; fluenti abiti di Halston per le donne e camicie di Qiana in poliestere, con colletti a punta, preferibilmente aperti sul petto. L’abito per il tempo libero diventa popolare con giacche di camicia in poliestere a doppia maglia e pantaloni abbinati.
Il trend di questi stili di couture accessibili del prêt-à-porter filtra rapidamente nella moda di strada a prezzi accessibili per questa era della moda “anything-goes”. Gli uomini diventano pavoni che mostrano colori brillanti, motivi sgargianti e gioielli vistosi.
Per le donne, la moda degli anni Settanta iniziò con una continuazione delle minigonne, dei pantaloni a campana e dell’androgino look hippie della fine degli anni Sessanta. Ma la tendenza degli anni Settanta per la discoteca porta la moda a un nuovo livello di ostentazione. La moda si allontana dal look infantile della fine degli anni ’60 per uno stile più sofisticato, sessualmente consapevole e maturo. Questi stili diventano parte della cultura popolare fino a quando tutti e la loro nonna li indossano.
Ecco una carrellata di questi distinti articoli must-have che sono arrivati a definire l’era disco degli anni ’70:
Hotpants:
Hotpants erano popolari tra le giovani donne dal 1971. Questi pantaloncini erano molto stretti e molto corti (il più corto e stretto possibile). Originariamente progettati per essere indossati con spessi collant coprenti, l’atteggiamento anything-goes significava che gli hotpants venivano indossati in ogni modo possibile – collant o non collant.
Scarpe platform:
Apparse nella moda nel 1971 le scarpe con la suola platform elevavano sia uomini che donne ad almeno 2-4 pollici da terra. Nonostante aiutassero a non far cadere a terra i pantaloni larghi e lunghi, c’era poca praticità in queste scarpe.
Giacchetti/pantaloni svasati:
I pantaloni stavano rapidamente diventando una scelta più popolare per le donne nei primi anni 70. Le etichette divennero importanti come status symbol della moda, con i jeans Vanderbilt e Fiorucci che divennero articoli must-have. I pantaloni sono pratici e liberatori per la donna lavoratrice liberata.
In un allontanamento dai pantaloni hipster degli anni 60, i modelli erano a vita alta e aderenti intorno ai fianchi e alle cosce, svasati per coprire quelle scarpe con la zeppa alta. La larghezza dei pantaloni a zampa divenne così sciocca che la gente ci cadeva sopra mentre le loro scarpe con la zeppa si impigliavano in tutto il tessuto extra.
C’era una scelta di tessuti artificiali flessibili che permettevano di fare qualsiasi cosa, dal semplice look di raso bianco a colori psichedelici e motivi floreali. I pantaloni svasati persero il loro fascino a metà degli anni Settanta, tuttavia, e i pantaloni aderenti divennero il must-have per ballare (donne) e una forma di pantaloni più spaziosa e meno strutturata (uomini).
Titolo a tre pezzi:
Popolato da John Travolta ne La febbre del sabato sera, il completo bianco in poliestere con gilet abbinato era una nuova scelta di stile per gli uomini. Era spesso abbinato a bigiotteria come un braccialetto d’identità o un ciondolo a medaglione indossato sotto una camicia aperta. Erano richiesti ampi risvolti, gambe larghe e vita alta e i completi potevano anche essere in vari colori brillanti per adattarsi alle tonalità della pista da ballo. Il bianco stava benissimo anche sotto l’illuminazione ultravioletta che divenne popolare nelle discoteche.
Wrap dress:
Il semplice wrap dress in poliestere stretch-jersey fu introdotto da Diane von Furstenberg nel 1972 – visto anche in Saturday Night Fever. Era indossato con sandali slingback o stivali al ginocchio con tacchi alti. Poteva essere indossato in ufficio di giorno in tinta unita e trasformato in una forma sexy di notte.
Glitter:
È stato il decennio noto per aver introdotto il glam e il glitter alle masse. Tessuti sintetici poco costosi fecero sì che chiunque potesse permettersi un po’ di glitter nel proprio abbigliamento e la gente impazzì per questo. Fili metallici, look satinato, paillettes, qualsiasi cosa con scintillio e lucentezza era fantastica. Il glitter appariva anche nel make-up, con le ragazze che si spalmavano un gel glitterato sulle guance, sulle labbra, sugli occhi. Il lucidalabbra era essenziale. Le sopracciglia erano anche depilate fino a una linea sottile e arcuata.
Boob-tube:
Spesso con paillettes, il boob-tube era un tubo elastico senza spalline indossato intorno al petto e al torso, o che metteva a nudo il midriff. Anche i top a collo alto erano un punto fermo della moda in discoteca.
Dancewear/Leotard:
Anche questo era visto nella Febbre del sabato sera. Dal 1974 il body è diventato un articolo di moda popolare per la discoteca. Silhouette attente al corpo e un segno che sei seriamente intenzionato a ballare in discoteca e a imparare le ultime mosse. Si può vestire con una sciarpa avvolta intorno ai fianchi o a strati con colori contrastanti.
Molto di questo tipo di abbigliamento era in realtà abbigliamento da ballo professionale. La sua flessibilità era utile per i movimenti rigorosi e le notti calde sulla pista da ballo. L’abbigliamento in poliestere spandex si era fatto strada nella moda popolare attraverso l’abbigliamento da ballo introdotto negli anni ’60 e attraverso la pista da ballo della discoteca degli anni ’70.
L’abbigliamento da ballo mostrava anche a tutti che si era interessati a mantenere un corpo in forma e tonico – un’ossessione che ha le sue radici nell’ascesa del fitness e dei centri benessere e nell’esercizio fisico regolare. Il jogging, il pattinaggio e altre attività fisiche divennero molto di moda per coloro che volevano avere un bell’aspetto.
Accessori:
Boas di piume, sciarpe sottili, turbanti.
Capelli: pensate a look afro, shaggy e piumati a strati e questo solo per gli uomini! I capelli erano facili e sciolti o stretti e ricci con solo un po’ di tong, lacca o gel e forse un po’ di gel glitterato per le ragazze.
La morte della discoteca
L’intero look da discoteca fu gradualmente sostituito dall’anti-moda Punk Rock alla fine degli anni 70. Lo stile disco era considerato troppo evasivo e sgargiante e fuori dalla politica del momento. Negli Stati Uniti il risentimento anti-disco crebbe tra i fan del rock che iniziarono a indossare slogan anti-disco sulle magliette.
Questo ha raggiunto l’apice con l’evento noto come Disco Demolition Night, il 12 luglio 1979. Una dimostrazione anti-disco al Comiskey Park di Chicago ebbe luogo con l’esplosione di dischi da discoteca. Finì con una rivolta quando la folla strappò i sedili e mise a soqquadro il posto.
Alcuni dicono che il contraccolpo della disco fu incoraggiato dai produttori musicali che volevano che il rock tornasse ad essere più popolare. Altri hanno descritto la distruzione della discoteca come un deliberato tentativo bigotto di distruggere la diffusione di una cultura musicale amata da molti gruppi minoritari della società.
Tuttavia la discoteca continua a vivere nel cuore di molti e ci sarà sempre un pezzetto di discoteca nell’anima di chiunque entri oggi in una discoteca per ballare tutta la notte senza dover fare coppia con un partner.
Revival ed Eurodisco
Nella fine degli anni ’80, e per tutti gli anni ’90, era popolare un revival dello stile disco originale. Alla fine del secolo molte canzoni influenzate dalla disco erano delle hit.
L’Eurodisco è sempre stata più orientata al pop e meno influenzata dal soul rispetto alla disco in stile americano. Rimase nella cultura pop in tutta Europa e nel Regno Unito con gruppi come ABBA e BoneyM che godettero di grande successo. Tali gruppi rimasero un’influenza significativa in Europa e nel Regno Unito per tutti gli anni ’80 con artisti come Frankie Goes To Hollywood, Pet Shop Boys, e molti dischi di successo pubblicati attraverso Stock, Aitken and Waterman nel Regno Unito.
La disco rimarrà sempre popolare nella musica anche se la moda estrema del suo periodo d’oro è stata relegata alla storia.