弦楽四重奏曲の初期の歴史は、多くの意味でハイドンのこのジャンルとの旅の歴史でもある。 ハイドンがこのジャンルに着眼する以前にも、ゲオルク・クリストフ・ヴァーゲンシールやイグナツ・ホルツバウアーなど、ウィーンの作曲家による2本の独奏ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロのためのディヴェルティメンティの例があったし、オーケストラ作品を1つのパートに1つの楽器で演奏するという伝統も長く続いていた。 デビッド・ウィン・ジョーンズは、ディヴェルティメンティやセレナーデなど、弦楽オーケストラのために書かれた作品を4人の奏者が1パートずつ演奏することが広く行われていたことを挙げているが、19世紀以前の弦楽曲の楽譜にはコントラバスの独立した（5番目の）パートはなかった。
弦楽四重奏の起源は、2つの独奏楽器がチェロなどの低音楽器と鍵盤で構成される通奏低音部と演奏するバロックのトリオ・ソナタにまで遡ることができます。 非常に初期の例としては、グレゴリオ・アレグリ（1582-1652）の弦楽合奏のための4部構成のソナタがあり、重要な原型と言えるでしょう。 18世紀初頭になると、3人目のソリストを加えることが多くなり、さらに鍵盤パートを省略してチェロだけでベースラインを支えることも多くなりました。 アレッサンドロ・スカルラッティが『Sonata à Quattro per due Violini, Violetta , e Violoncello senza Cembalo』という6曲の作品を書いたのも、それまでの伝統からの自然な流れだったのです。
現在のような弦楽四重奏の形になったのは、ハイドンの功績によるものですが、2本のヴァイオリン、ヴィオラ、チェロという組み合わせを発明したわけではありません。 弦楽四重奏は、いわゆる「トリオ・ソナタ」のように、2本のヴァイオリンと通奏低音を伴うアンサンブルとしての地位を100年以上ものあいだ認められていなかったのである。 ハイドンの初期の弦楽四重奏曲の作曲も、芸術的な必要性よりも偶然性に負うところが大きい。 1750年代、若き作曲家がまだウィーンで教師やヴァイオリニストとして活動していた頃、音楽好きのオーストリア人貴族カール・ヨーゼフ・ウェーバー（エドラー・フォン・フュルンベルク）のヴァインツィール城に招かれることがあった。 そこで彼は、フュルンベルクの執事、司祭、地元のチェリストからなる臨時のアンサンブルで室内楽を演奏していた。男爵が、このグループで演奏するための新しい音楽を求めたことから、ハイドンの最初の弦楽四重奏曲が誕生したのである。 これらの作品が、1760年代半ばに出版されたハイドンの『Opp.1』と『Opp.2』と呼ばれる2つのセットの中に入っていたかどうかは定かではない（「Op.0」は、Op.1の初期版に含まれていたカルテットである。
ハイドンの初期の伝記作家であるゲオルク・アウグスト・グリージンガー（Georg August Griesinger）は、この物語を次のように語っています：
次のような純粋に偶然な状況が、彼に四重奏曲の作曲の運を試させた。 フュルンベルク男爵は、ウィーンから数段離れたヴァインツィールに家を持っていて、牧師、マネージャー、ハイドン、アルブレヒツベルガー（有名なコントラプティストのアルブレヒツベルガーの兄弟）を時々招待して、ちょっとした音楽を楽しんでいた。 フュルンベルクはハイドンに、この4人のアマチュアでも演奏できるような曲を作ってほしいと依頼した。
ハイドンはこの頃、他に9つの四重奏曲を書いている。 これらの作品は作品1と作品2として出版されましたが、1つの四重奏曲は未発表でした。また、初期の「四重奏曲」の中には、実際には交響曲の管楽器パートが欠けているものもあります。 5つの楽章からなり、速い楽章、メヌエットとトリオI、遅い楽章、メヌエットとトリオII、速いフィナーレという形式をとっている。
この初期の作品の後、ハイドンは数年間弦楽四重奏曲に戻ることはなかったが、戻ってきたときにはこのジャンルの発展に大きな一歩を踏み出していた。 その間、ハイドンはエステルハージィ家のカペルマイスターとして、数多くの交響曲や、ヴァイオリン、ヴィオラ、バリトンと呼ばれる奇妙な低音楽器（ニコラウス・エステルハージィ家の王子が演奏していた）のための何十ものトリオを作曲することを求められた。 1770年代初頭に出版された18の作品（Opp.9、17、20）に見られるような、より高度なカルテットのスタイルを追求するためには、この2つのジャンルがハイドンに与えた実験の機会が役立ったのかもしれない。 これらの作品は、ハイドンにとっても他の作曲家にとっても標準となった形式で書かれている。 これらのカルテットは明らかにセットで構成されており、4楽章構成で、広い構想と適度なペースの第1楽章に加えて、民主的で会話のようなパート間の相互作用、緊密な主題の展開、そしてしばしば自虐的ではあるが巧みな対位法の使用が増えていくのが特徴である。 特に1772年の作品20のセットは、進歩的な目的を確信を持って実現しており、弦楽四重奏の歴史の中で最初の大きなピークとなっています。 ハイドンが第2番、第5番、第6番のフィナーレに建築的な重みを持たせようとした重要なフーガに至るまで、10代のモーツァルトは初期の四重奏曲において、その特徴の多くを真似しようとした作曲家の一人だったのだ。
Op.20以降は、ハイドンの手による弦楽四重奏曲の発展において、同じような大きなジャンプを指摘することは難しくなるが、それは作曲家の側に発明や応用がなかったからではない。 ドナルド・トビーはこう言っている。 “Op.20では これ以上の進歩は、歴史的な意味での進歩ではなく、単に一つの傑作と次の傑作との違いでしかない。”
ハイドンの弦楽四重奏曲が1801年にはすでにこのジャンルを定義する「古典」となっていたことは、イグナツ・プレイエルが同年にパリで「全曲」シリーズを出版したことで判断できますし、四重奏曲が公の場で演奏される手段として進化したことは、プレイエルが演奏者ではなく聴衆を対象としたミニチュア・スコアを10巻セットで出版したことで判断できます（このジャンルの音楽出版の初期の例です）。 ハイドンの時代から、弦楽四重奏曲は権威があり、作曲家の真の芸術性を試すもののひとつと考えられてきた。
四重奏の作曲は古典派の時代に盛んになりました。 モーツァルト、ベートーヴェン、シューベルトはそれぞれ数多くの四重奏曲を作曲しています。 “特にベートーヴェンは、1820年代から亡くなるまでに書かれた一連の四重奏曲において、実験的でダイナミックな方法でこのジャンルを発展させたと言われています。 その形式やアイデアは、リヒャルト・ワーグナーやベーラ・バルトークなどの音楽家や作曲家に影響を与え、今もなお影響を与え続けています。” シューベルトの最後の音楽的願いは、ベートーヴェンの「四重奏曲ハ♯短調作品131」を聴くことであり、それは死の5日前の1828年11月14日に実現した。 この四重奏曲の初演を聴いたシューベルトは、”この後、我々には何を書けばいいのだろうか “と語っていた。 ワーグナーは作品131の第1楽章を評して、「音楽で表現される最も憂鬱な感情を示している」と述べている。
メンデルスゾーンの6つの弦楽四重奏曲は、1828年から1847年までの彼のキャリアのすべてを網羅しており、シューマンの3つの弦楽四重奏曲はすべて1842年に書かれ、シューマンがハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンの四重奏曲とともに準備のために学んでいたメンデルスゾーンに献呈されています。 ロマン派時代の作曲家の中には、四重奏曲を1曲しか書かない人もいたが、アントニン・ドヴォルザークは14曲も書いた。 近代に入ってからは、アーノルド・シェーンベルク（彼は弦楽四重奏曲第2番で初めてソプラノを加えた）、ベーラ・バルトーク、ドミトリー・ショスタコーヴィチらの発展に弦楽四重奏曲が特に重要な役割を果たした。 第二次世界大戦後、ピエール・ブーレーズやオリヴィエ・メシアンなどの一部の作曲家は、弦楽四重奏の妥当性に疑問を持ち、弦楽四重奏曲の作曲を避けていた。 しかし、1960年代以降、多くの作曲家がこのジャンルに再び興味を示している。 ピーター・マックスウェル・デイヴィスはクイーンズミュージックのマスターを務めていた時期に、2001年から2007年にかけて『ナクソス・カルテット』と題した10曲のセットを制作している（ナクソス・レコードの依頼による）。 マーガレット・ジョーンズ・ワイルスは50曲以上の弦楽四重奏曲を作曲している。 デビッド・マシューズは11曲、ロビン・ホロウェイは5曲のカルテットと6曲の「カルテットーニ」を作曲しています。