Alaúde, em música, qualquer cordofone depenado ou curvo cujas cordas são paralelas à sua barriga, ou tábua de som, e corre ao longo de um pescoço ou vara distintos. Neste sentido, instrumentos como a cítara indiana são classificados como alaúdes. O violino e o rebabelho indonésio são alaúdes curvados, e o samisen japonês e a guitarra ocidental são alaúdes depenados.
Cezar Mateus
Na Europa, o alaúde refere-se a um instrumento musical de cordas depenado popular nos séculos XVI e XVII. O alaúde que se destacou na arte popular europeia e na música dos períodos renascentista e barroco teve origem no Árabe ʿūd. Este instrumento foi levado para a Europa no século XIII através da Espanha e de cruzados de regresso e ainda é tocado em países árabes. Tal como o ʿūd, o alaúde europeu tem um corpo profundo, em forma de pêra, um pescoço com uma caixa de pega dobrada, e cordas atadas a uma tensão, ou tipo guitarra, ponte colada à barriga do instrumento. Os alaúdes europeus têm um grande orifício de som circular cortado na barriga e ornamentado com uma rosa perfurada talhada na madeira da barriga.
Os alaúdes europeus mais antigos seguiram os instrumentos árabes ao terem quatro cordas arrancadas com uma palheta de pena. Em meados do século XIV, as cordas tinham-se tornado pares, ou cursos. Durante o século XV, o palheta foi abandonado em favor de tocar com os dedos, foram acrescentados trastes de tripa móveis ao prato, e o instrumento adquiriu um quinto prato. No século XVI foi estabelecida a forma clássica do alaúde, com os seus seis cursos de cordas (o curso superior uma única corda) afinados a G-c-f-a-d′-g′, começando com o segundo G abaixo do meio C. A técnica de tocar foi sistematizada, e a música foi escrita em tablatura (um sistema de notação em que uma pauta de linhas horizontais representava os cursos do alaúde), e as letras ou figuras colocadas nas linhas denotavam o traste a ser parado e as cordas a serem arrancadas pela mão direita.
Biblioteca Newberry, Fundo Geral, 1904 (A Britannica Publishing Partner)
Até 1600 tinham surgido as grandes escolas bolonhesas e venezianas de fabricantes de alaúdes, incluindo Laux e Sigismond Maler, Hans Frei, Nikolaus Schonfeld, e os Tieffenbruckers. Pelo fino acabamento e proporções tonais dos seus instrumentos, contribuíram muito para a popularidade do alaúde e abriram caminho para a sua extensa e nobre literatura de música a solo (fantasias, movimentos de dança, arranjos de chanson), acompanhamentos de canções, e música de consorte de compositores como Luis Milán e John Dowland.
A partir de cerca de 1600, foram introduzidas afinações modificadas por lutenistas franceses. Ao mesmo tempo, o próprio alaúde foi alterado pela adição de cordas de baixo, ou diapasões, o que exigiu o alargamento do pescoço e da cabeça do instrumento. Tais instrumentos modificados foram chamados de alaúdes e incluíam o chitarrone e o theorbo.
Um alaúde mais pequeno, conhecido como theorbo-lute (assim chamado porque se assemelhava ao theorbo), ou alaúde francês, foi utilizado pela escola francesa de lutenistas do século XVII, incluindo Jacques e Denis Gaultier. O repertório deste instrumento exigia um estilo de actuação altamente maneirado e ornamentado e uma nova técnica de acordes quebrados e notas arrastadas que exerciam uma influência marcante nos compositores de cravo do século XVII.
Até ao século XVIII, os instrumentos de teclado eclipsavam o alaúde em popularidade. Lutenistas do século XX, como Julian Bream e Walter Gerwig (falecido em 1966), reavivaram com sucesso o alaúde e o seu repertório. No início do século XXI, o alaúde podia ser facilmente ouvido em performances e gravações por artistas como Jakob Lindberg, Nigel North, Paul O’Dette, e Hopkinson Smith, todos eles também ensinaram em universidades ou conservatórios. O alaúde tornou-se um instrumento “crossover” quando o músico de rock Sting lançou gravações de música da Dowland em 2006 e 2007.