Emmylou Harris sitzt inmitten ihrer eigenen Ausstellung, Songbird’s Flight, in der Country Music Hall of Fame in Nashville, umgeben von Artefakten einer faszinierenden und immer noch andauernden Karriere. Hinter den Glasvitrinen verbergen sich Reichtümer, darunter die blonde Gibson-Gitarre, die ihr Gram Parsons schenkte, und eine handgeschriebene Notiz, die die jugendliche Harris an den Herausgeber einer Folkmusikzeitschrift schickte. „Es ist alles ein bisschen überwältigend“, sagt Harris und schaut sich um. „Obwohl vieles von dem Zeug noch in meinem Schrank war. Ich bin furchtbar darin, Sachen wegzugeben.“
Die heute 71-jährige Harris ist zu einer der meistverehrten Stimmen der Musik geworden, hat in ihrer 50-jährigen Karriere fast 30 Alben veröffentlicht und mit jedem von Dolly Parton bis Bright Eyes zusammengearbeitet. Sie hat ihr eigenes Material geschrieben und ist zu einer der besten Songinterpretinnen Amerikas geworden. „Für mich geht es immer um die Texte“, sagt sie, während sie ihre Lieblingssongs aus ihrem Backkatalog herauspickt. „Wenn ich schreibe, dann geht es zuerst um die Texte. Aber ich bevorzuge den vorgefertigten Song.“
Love Hurts
Wenn man an Harris denkt, denkt man oft an ihren kurzen, aber unglaublich einflussreichen Partner in Sachen Gesang, den kosmischen Cowboy Gram Parsons: der Mann, dem oft nachgesagt wird, dass er bei der Geburt des Alt-Country geholfen und Künstler von Ryan Adams bis Wilco beeinflusst hat. Bevor sie sich trafen, war Harris in der Folkszene von Washington DC unterwegs und interessierte sich nicht sonderlich für Country-Musik, obwohl sie in Alabama aufgewachsen war („Ich war noch nicht reif genug, um sie zu schätzen“, sagt sie). Aber Parsons änderte all das: Er rekrutierte Harris für seine Tournee-Band, die Fallen Angels, und führte sie in die komplexe, aber humanistische Sprache des Country ein. Ihre Interpretation des Klassikers Love Hurts von Felice und Boudleaux Bryant wurde zu einem bahnbrechenden Moment, nicht nur für ihre Reise in Richtung Americana, sondern auch für ihre Rolle als Königin der Harmonie.
„Ich entdeckte meine eigene Stimme, als ich mit Gram in Harmonie sang“, sagt Harris. „Es gibt etwas an der Einzigartigkeit von zwei Stimmen, die einen Klang erzeugen, den es nicht gibt, wenn man solo singt, und das hat mich schon immer fasziniert. Dieser Song und unsere Harmonie sind so etwas wie der Höhepunkt unseres gemeinsamen Duett-Gesangs.“ Parsons starb kurz nachdem sie den Song für sein 1973er Album Grievous Angel aufgenommen hatten („Wir haben ihn wahrscheinlich alles in einem Take gemacht, live“, erinnert sich Harris), aber seine kurze Rolle in ihrem Leben löste die Domino-Rallye ihrer Karriere aus.
Boulder to Birmingham
Nach Parsons‘ Tod war Harris taumelnd und untröstlich. Sie hatte sich bereits als beeindruckende Interpretin von Songs etabliert, ein Vermächtnis, das durch ihr exquisites zweites Soloalbum, Pieces of the Sky von 1975, zementiert wurde. Es enthielt nur einen einzigen Song, den Harris geschrieben hatte: Boulder to Birmingham. Zusammen mit Bill Danoff komponiert, half es ihr, den Verlust von Parsons zu verarbeiten.
„Dieser Song war sehr wichtig“, sagt Harris, deren Verbindung mit dem verheirateten Parsons künstlerisch und emotional war, nicht physisch. „Worte können so mächtig sein und einem helfen, etwas auszudrücken, was man sonst nicht kann. Und jeder hat schon einmal einen Verlust erlebt. Obwohl der Song also sehr persönlich ist, kann ich verstehen, wie sich Menschen darauf beziehen können, die jemanden verloren haben, der ihnen sehr nahe stand.“ Es dauerte bis in die 80er Jahre, bis Harris wieder über Parsons schreiben konnte, und sie spricht immer noch mit Zärtlichkeit über ihn.
Till I Gain Control Again
Im Jahr 1975 kannten nur wenige Menschen den Namen Rodney Crowell, inzwischen selbst eine Country-Größe und zweifacher Grammy-Gewinner. Aber in der Sekunde, in der Harris seine Songs hörte, nachdem sie ihn spät nach einem Auftritt in Washington DC getroffen hatte, wusste sie, dass sich das bald ändern würde. Till I Gain Control Again war eines der ersten Stücke, das der Texaner ihr vorspielte, und es fand sofort Anklang. „Es hat mich verblüfft, dass jemand, der so jung ist, etwas schreiben kann, das so klingt, als wäre es aus der Zeit gefallen“, sagt Harris und klingt immer noch fassungslos.
Harris nahm den Song für ihr zweites Album von 1975, Elite Hotel, auf, das auch einen Co-Write mit Crowell auf Amarillo enthält. „Rodney kann sehr poetisch sein“, sagt Harris, deren ausladender und doch zerbrechlicher Gesang diese Worte zum Leben erweckte. „Er hat sich in meine Folk- und Country-Sensibilität eingearbeitet. Till I Gain Control Again besteht aus reinen, einfachen Bildern, und das sind die am schwierigsten zu schreibenden Songs. Das ist das Geniale an den klassischen Country-Songs: Man darf nicht zu wortreich werden.“
Seitdem sind Harris und Crowell langjährige kreative Partner. „Er ist einer meiner ältesten Freunde“, sagt sie. „Jetzt sind wir Großeltern. Wir sind durch das Elternsein gegangen, durch Scheidungen und Ehen, und Kinder und Enkelkinder. In Rodneys Nähe kann man einfach keinen Spaß haben. Ich hatte ihn ganz für mich allein, bevor die Welt ihn entdeckte, und er ist wie ein Bruder für mich.“
Pancho und Lefty
Harris eröffnete 1968 für den jungen Townes Van Zandt und war „verblüfft“, als sie ihn zum ersten Mal hörte. „Ich hatte noch nie diese Art von Texten mit diesen Melodien gehört; die eindringliche Qualität in seiner Stimme war wie der Geist von Hank Williams“, sagt Harris. Schon bald coverte sie mit Hilfe von Crowell seinen geschichtsträchtigen Song über zwei unglückliche mexikanische Banditen, Pancho und Lefty, die auf der Straße unterwegs sind.
„Die Leute fragen immer: Worum geht es in dem Song?“ erinnert sich Harris. „Ich sehe es so: Wir treffen Entscheidungen in unserem Leben, die wir bereuen, und Lefty musste mit diesen Entscheidungen leben. Townes hat ihn aufgenommen, und ich habe ihn nicht geschrieben, aber ich denke immer, dass der Song von mir ist. Ich habe meine Fahne genau dort aufgestellt. Es wurde ein sehr zentraler Song in meinem Repertoire.“
Van Zandt starb 1997. Es fällt Harris schwer, die Tatsache zu begreifen, dass so viele ihrer Zeitgenossen nicht mehr unter uns weilen, wobei sie auch Guy Clark und Waylon Jennings erwähnt. „Es ist einfach schwer. Sie sprachen mich auf eine Art und Weise an, die die neue Generation, obwohl ich sie schätze, vielleicht nicht hat. Ihre Musik ist zeitlos.“
Darkest Hour Is Just Before Dawn
Während Harris in den 1970er Jahren einige Erfolge in den Country-Charts hatte, fand sie auch ihren Anteil an traditionalistischen Anfeindungen: Sie unterstellten ihr, dass sie „nicht Country genug“ sei und dass sie nie ganz so genretreu war, wie sie es sein wollten. Ihre Antwort? Sie gab diesen Neinsagern etwas zu kauen in Form einer eingefleischten Country-Platte (Bluegrass, um genau zu sein) namens Roses in the Snow (1980). Sie rekrutierte Ricky Skaggs und eine Reihe hervorragender Musiker – von Johnny Cash bis Willie Nelson – um Stücke wie Ralph Stanleys Darkest Hour Is Just Before Dawn zu covern, das sie als das melancholische Berglied zum Leben erweckt, als das es immer gedacht war („Es ist ein großartiges Stück“, sagt sie). Die Kritiker mussten sich bescheiden: Es wurde schneller zu Gold als jedes ihrer vorherigen Alben.
„Es gab jemanden bei der Plattenfirma, der voraussagte, dass es das Ende meiner Karriere sein würde, wenn ich eine Bluegrass-Platte machen würde“, sagt sie. „Ich war damals arrogant genug, um zu glauben, dass ich einen Flop, ein kommerzielles Desaster, überleben könnte. Was es auch hätte sein können. Aber Bluegrass-Fans gibt es überall, auf der ganzen Welt, und sie kamen aus allen Löchern gekrochen.“ Trotzdem wundert sich Harris, dass ihr Label sie überhaupt experimentieren ließ. „Sie sagten: ‚OK, lasst es uns in die Maschinerie stecken und sehen, wie weit es geht'“, sagt sie, in Ehrfurcht vor den Tagen, als die Musik noch über den Gewinn siegen konnte. „Früher haben die Leute das tatsächlich getan! Heute haben sie keinen Bezug mehr zu dem, was vor sich geht.“
Woman Walk the Line
Mitte der 80er Jahre fand sich Harris schließlich an einem Punkt, an dem sie in der Lage war, ganz in ihre Trauer über den Verlust von Parsons einzutauchen und ein ganzes Album zu schreiben, das auf dem unauslöschlichen Eindruck basierte, den er in ihrem Leben hinterlassen hatte: The Ballad of Sally Rose von 1985. „Das war das erste Mal, dass ich mich in das Schreiben eines ganzen Albums gestürzt habe“, sagt Harris. Das Herzstück, Woman Walk the Line, enthielt eine Zeile, die zu einer Art feministischem Schlachtruf geworden ist: „Yes I’m a woman and I’m lonely, but that don’t mean I can’t be strong.“
Orphan Girl
Orphan Girl, geschrieben von Gillian Welch und Dave Rawlings, war ein weiteres Beispiel für Harris‘ Gabe, herausragende Songs und herausragende Songschreiber in einer überfüllten Szene zu finden. Harris erhielt eine Kassette, die eine primitive Version des Stücks von dem inzwischen berühmten Folk-Duo enthielt. „Es hat mich umgehauen“, erinnert sie sich. „Es klang wie ein altes Lied, das man in einem Stapel alter 45er ausgegraben hatte. Ich wollte ihn unbedingt aufnehmen.“ Harris arbeitete zu dieser Zeit an Wrecking Ball, dem transformativen Album von 1995, das schnellere Tempi in ihren Sound integrierte. Für Orphan Girl kreierten sie und der Produzent Daniel Lanois einen „kraftvollen Rhythmus“ um Schlagzeug und Akustikgitarre herum, um die Geschichte von Welchs Adoption in der Kindheit zu erzählen.
„Was dieser Song zeigt, ist, wie man einen einfachen Country-Song, der fast traditionell ist, nehmen und – in den Händen eines Produzenten wie Daniel – in etwas verwandeln kann, das eine andere Art von Kraft hat“, sagt Harris. Sie nennt Wrecking Ball einen Wendepunkt, der „ihre musikalischen Säfte wieder zum Fließen brachte. Es war, als würde man Dynamit in eine Blockade werfen.“
Red Dirt Girl
Nach Wrecking Ball sagte Guy Clark zu Harris, dass sie ihre nächste Platte schreiben müsse: „‚Ohne Wenn und Aber‘, und ich will keine Ausreden. Es ist mir egal, ob du fünf Jahre dafür brauchst.‘ Und so viel Zeit habe ich auch gebraucht.“ Harris machte sich an die Arbeit und beobachtete die Welt um sich herum, während sie von Nashville nach New Orleans fuhr, wo sie die LP aufnahm.
Das Album basiert auf Erinnerungen an ihre Kindheit in Alabama und zeigt die Geschicklichkeit von Harris‘ Schreiben. Obwohl das Red-Dirt-Girl selbst ein fiktives Kompositum ist, sieht Harris viel von sich selbst in der Geschichte. „Für mich gab es immer zwei Red-Dirt-Girls“, sagt sie über die Erzählerin und Protagonistin Lillian, die sich am Ende umbringt. „Ich hätte genauso gut die andere sein können, die einige Entscheidungen getroffen und ihr Leben auf einen Weg gebracht hat, der nicht annähernd so gut war wie der der anderen Person. Das heißt nicht, dass ich besser bin als diese Person. Ich hatte Glück.“
Emmylou Harris: Songbird’s Flight ist in der Country Music Hall of Fame and Museum, Nashville, bis zum 4. August 2019 zu sehen.
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