Andy Warhol (/ˈwɔːrhɒl/; urodzony Andrew Warhola; 6 sierpnia 1928 – 22 lutego 1987) był amerykańskim artystą, który był wiodącą postacią w ruchu sztuki wizualnej znanej jako pop art. Jego prace badają związek między ekspresją artystyczną, kulturą celebrytów i reklamą, która rozkwitła w latach sześćdziesiątych.
Po udanej karierze jako ilustrator reklamowy, Warhol stał się znanym i czasami kontrowersyjnym artystą. Jego sztuka wykorzystywała wiele rodzajów mediów, w tym rysunek odręczny, malarstwo, grafikę, fotografię, sitodruk, rzeźbę, film i muzykę. Jego studio, The Factory, było znanym miejscem spotkań wybitnych intelektualistów, drag queens, dramaturgów, ludzi ulicy z bohemy, gwiazd Hollywood i bogatych mecenasów. Kierował i produkował The Velvet Underground, zespół rockowy, który miał duży wpływ na ewolucję muzyki punkrockowej. Założył magazyn Interview i jest autorem wielu książek, m.in. „The Philosophy of Andy Warhol” i „Popism: The Warhol Sixties”. Jest również znany jako homoseksualista, który żył otwarcie jako taki przed ruchem wyzwolenia gejów, i to jemu przypisuje się ukucie powszechnie używanego wyrażenia „15 minut sławy”.
Warhol był przedmiotem licznych wystaw retrospektywnych, książek oraz filmów fabularnych i dokumentalnych. Muzeum Andy’ego Warhola w jego rodzinnym mieście, Pittsburghu, w Pensylwanii, które posiada obszerną stałą kolekcję sztuki i archiwów, jest największym muzeum w Stanach Zjednoczonych poświęconym jednemu artyście. Wiele z jego dzieł jest bardzo cennych i kolekcjonowanych. Najwyższa cena, jaką kiedykolwiek zapłacono za obraz Warhola, to 105 milionów dolarów za płótno z 1963 roku zatytułowane „Silver Car Crash (Double Disaster)”; wśród jego dzieł znajdują się jedne z najdroższych obrazów, jakie kiedykolwiek sprzedano. W artykule z 2009 roku w The Economist opisano Warhola jako „dzwonnik rynku sztuki”.
Warhol urodził się 6 sierpnia 1928 roku w Pittsburghu, w Pensylwanii. Był czwartym dzieckiem Ondreja Warhola (zamerykanizowanego jako Andrew Warhola, Sr., 1889-1942) i Julii (z domu Zavacká, 1892-1972), których pierwsze dziecko urodziło się w ich ojczyźnie i zmarło przed ich przeprowadzką do USA.
Jego rodzice byli łemkowskimi emigrantami z klasy robotniczej z Mikó (obecnie Miková), położonego w dzisiejszej północno-wschodniej Słowacji, części dawnego Cesarstwa Austro-Węgierskiego. Ojciec Warhola wyemigrował do Stanów Zjednoczonych w 1914 roku, a jego matka dołączyła do niego w 1921 roku, po śmierci dziadków Warhola. Ojciec Warhola pracował w kopalni węgla. Rodzina mieszkała przy 55 Beelen Street, a później przy 3252 Dawson Street w dzielnicy Oakland w Pittsburghu. Rodzina była wyznania bizantyjsko-katolickiego i uczęszczała do bizantyjskiego kościoła katolickiego św. Jana Chryzostoma. Andy Warhol miał dwóch starszych braci – najstarszy z nich Pavol (Paul) urodził się przed emigracją rodziny; Ján urodził się w Pittsburghu. Syn Pavola, James Warhola, został odnoszącym sukcesy ilustratorem książek dla dzieci.
W trzeciej klasie Warhol miał pląsawicę Sydenhama (znaną również jako Taniec św. Wita), chorobę układu nerwowego, która powoduje mimowolne ruchy kończyn, co uważa się za powikłanie szkarlatyny, która powoduje plamy pigmentacyjne skóry. Stał się hipochondrykiem, nabawił się lęku przed szpitalami i lekarzami. Jako dziecko często przykuty do łóżka, stał się wyrzutkiem w szkole i związał się z matką. W czasach, gdy był przykuty do łóżka, rysował, słuchał radia i zbierał wokół łóżka zdjęcia gwiazd filmowych. Warhol opisał później ten okres jako bardzo ważny dla rozwoju jego osobowości, umiejętności i upodobań. Kiedy Warhol miał 13 lat, jego ojciec zginął w wypadku.
Jako nastolatek, Warhol ukończył Schenley High School w 1945 roku. Po ukończeniu szkoły średniej zamierzał studiować edukację artystyczną na Uniwersytecie w Pittsburghu z nadzieją, że zostanie nauczycielem sztuki, ale jego plany uległy zmianie i zapisał się do Carnegie Institute of Technology w Pittsburghu, gdzie studiował sztukę komercyjną. W tym czasie Warhol dołączył do kampusowego klubu tańca nowoczesnego i Beaux Arts Society. Pełnił również funkcję dyrektora artystycznego studenckiego magazynu artystycznego Cano, ilustrując okładkę w 1948 roku oraz całostronicową ilustrację wewnętrzną w 1949 roku. Uważa się, że są to jego pierwsze dwa opublikowane dzieła sztuki. W 1949 roku Warhol uzyskał tytuł licencjata sztuk pięknych w dziedzinie projektowania obrazkowego. W tym samym roku przeprowadził się do Nowego Jorku i rozpoczął karierę jako ilustrator czasopism i twórca reklam.
W latach 50. Warhol zyskał sławę dzięki swoim kapryśnym rysunkom tuszem do reklam butów. Były one wykonane w luźnym, kleksowym stylu i pojawiły się na jego najwcześniejszych wystawach w Bodley Gallery w Nowym Jorku. Wraz z równoczesnym szybkim rozwojem przemysłu płytowego i wprowadzeniem płyty winylowej, Hi-Fi i nagrań stereofonicznych, RCA Records zatrudniło Warhola, wraz z innym niezależnym artystą, Sidem Maurerem, do projektowania okładek albumów i materiałów promocyjnych.
Warhol był wczesnym zwolennikiem procesu sitodruku jako techniki tworzenia obrazów. Jego najwcześniejsze sitodruki w malarstwie obejmowały ręcznie rysowane obrazy, choć wkrótce rozwinęły się one do wykorzystania sitodruków pochodzących z fotografii w obrazach. Przed wkroczeniem na pole sztuki pięknej, Warhol zajmował się również sztuką komercyjną, wykorzystując innowacyjne techniki tworzenia obrazów, które były w pewien sposób związane z technikami drukarskimi. Przy renderowaniu obiektów komercyjnych na potrzeby reklamy Warhol opracował technikę, dzięki której uzyskiwał charakterystyczny obraz. Jego obrazy wykorzystywane w reklamie były często wykonywane za pomocą nakładania tuszu na papier, a następnie zmazywania go, gdy był jeszcze mokry. Przypominało to proces drukowania w najbardziej podstawowej skali.
W twórczości Warhola, zarówno jako artysty komercyjnego, jak i późniejszego artysty plastyka, widać swobodne podejście do tworzenia obrazu, w którym przypadek odgrywa rolę, a błędy i niezamierzone ślady są tolerowane. Powstałe w ten sposób obrazy, zarówno w sztuce komercyjnej Warhola, jak i później w jego pracach plastycznych, są często pełne niedoskonałości – często można znaleźć na nich smugi i zacieki. W swojej książce POPism Warhol pisze: „Kiedy robisz coś dokładnie nie tak, zawsze coś odkrywasz.”
W latach 50. zaczął wystawiać swoje prace. Wystawiał w Hugo Gallery i Bodley Gallery w Nowym Jorku; w Kalifornii jego pierwsza wystawa w galerii na Zachodnim Wybrzeżu odbyła się 9 lipca 1962 roku w Ferus Gallery w Los Angeles. Wystawa ta była debiutem pop-artu na Zachodnim Wybrzeżu. Pierwsza nowojorska indywidualna wystawa Andy’ego Warhola w stylu pop art odbyła się w Eleanor Ward’s Stable Gallery w dniach 6-24 listopada 1962 roku. Na wystawie znalazły się prace Marilyn Diptych, 100 Soup Cans, 100 Coke Bottles i 100 Dollar Bills. Na wystawie w Stable Gallery artysta po raz pierwszy spotkał poetę Johna Giorno, który w 1963 roku wystąpił w pierwszym filmie Warhola, Sleep.
W latach 60. Warhol zaczął malować obrazy przedstawiające ikoniczne amerykańskie przedmioty, takie jak banknoty dolarowe, chmury grzybów, krzesła elektryczne, puszki zupy Campbell’s Soup, butelki Coca-Coli, celebrytów takich jak Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando, Troy Donahue, Muhammad Ali i Elizabeth Taylor, a także nagłówki gazet czy zdjęcia psów policyjnych atakujących obrońców praw obywatelskich. W tych latach założył swoje studio „The Factory” i skupił wokół siebie szerokie grono artystów, pisarzy, muzyków i gwiazd podziemia. Jego prace stały się popularne i kontrowersyjne. Warhol miał to do powiedzenia o Coca-Coli:
W tym kraju wspaniałe jest to, że Ameryka rozpoczęła tradycję, w której najbogatsi konsumenci kupują zasadniczo te same rzeczy, co najbiedniejsi. Możesz oglądać telewizję i zobaczyć Coca-Colę, i wiesz, że prezydent pije Coca-Colę, Liz Taylor pije Coca-Colę, i pomyśl tylko, że ty też możesz pić Coca-Colę. Cola to Cola i żadna ilość pieniędzy nie da ci lepszej Coli niż ta, którą pije menel na rogu. Wszystkie Coli są takie same i wszystkie są dobre. Liz Taylor to wie, prezydent to wie, menel to wie i ty to wiesz.
Nowojorskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej gościło w grudniu 1962 roku sympozjum na temat pop artu, podczas którego artyści tacy jak Warhol zostali zaatakowani za „kapitulację” wobec konsumpcjonizmu. Krytycy byli zgorszeni otwartym przyjęciem przez Warhola kultury rynkowej. Sympozjum to nadało ton recepcji Warhola. Przez całą dekadę stawało się coraz bardziej jasne, że nastąpiła głęboka zmiana w kulturze świata sztuki, a Warhol był w centrum tej zmiany.
Kluczowym wydarzeniem była wystawa The American Supermarket z 1964 roku, która odbyła się w galerii Paula Bianchiniego na Upper East Side. Wystawa została przedstawiona jako typowe środowisko amerykańskiego małego supermarketu, z tą różnicą, że wszystko, co się w nim znajdowało – produkty, konserwy, mięso, plakaty na ścianach itp. – zostało stworzone przez sześciu wybitnych ówczesnych artystów pop, wśród których byli kontrowersyjni (i podobnie myślący) Billy Apple, Mary Inman i Robert Watts. Wystawa była jednym z pierwszych masowych wydarzeń, które bezpośrednio skonfrontowały opinię publiczną zarówno z pop-artem, jak i z odwiecznym pytaniem, czym jest sztuka.
Jako ilustrator reklam w latach 50. Współpraca pozostała definiującym (i kontrowersyjnym) aspektem jego metod pracy przez całą karierę; było to szczególnie prawdziwe w latach 60. Jednym z najważniejszych współpracowników w tym okresie był Gerard Malanga. Malanga pomagał artyście w produkcji sitodruków, filmów, rzeźb i innych dzieł w „The Factory”, wyłożonym folią aluminiową i srebrną farbą studiu Warhola przy 47. ulicy (później przeniesionym na Broadway). Innymi członkami grupy Warhola w „The Factory” byli Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name i Brigid Berlin (od której Warhol zaczerpnął pomysł nagrywania na taśmę swoich rozmów telefonicznych).
W latach 60. Warhol stworzył także grupę ekscentryków z bohemy i kontrkultury, których nazwał „Superstars”, w tym Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis i Candy Darling. Wszyscy ci ludzie brali udział w filmach Factory, a niektórzy – jak Berlin – przyjaźnili się z Warholem aż do jego śmierci. W filmach Warhola z lat 60. pojawiają się również ważne postaci nowojorskiego undergroundowego świata sztuki/ kina, takie jak pisarz John Giorno i filmowiec Jack Smith, co ujawnia związki Warhola z różnymi scenami artystycznymi w tym okresie. Mniej znane jest jego wsparcie i współpraca z kilkoma nastolatkami z tej epoki, którzy osiągną sławę w późniejszym życiu, w tym pisarzem Davidem Daltonem, fotografem Stephenem Shore’em i artystką Bibbe Hansen (matką muzyka pop Becka).
3 czerwca 1968 roku radykalna feministyczna pisarka Valerie Solanas zastrzeliła Warhola i Mario Amayę, krytyka sztuki i kuratora, w studiu Warhola. Przed strzelaniną Solanas była marginalną postacią na scenie Factory. W 1967 roku była autorką Manifestu S.C.U.M., separatystycznego traktatu feministycznego, który postulował eliminację mężczyzn; wystąpiła też w filmie Warhola z 1968 roku Ja, mężczyzna. Wcześniej, w dniu ataku, Solanas została wyproszona z Fabryki po tym, jak poprosiła o zwrot scenariusza, który dała Warholowi. Scenariusz najwyraźniej został źle umieszczony.
Amaya odniosła tylko niewielkie obrażenia i została zwolniona ze szpitala jeszcze tego samego dnia. Warhol został poważnie ranny w wyniku ataku i ledwo przeżył: chirurdzy otworzyli jego klatkę piersiową i masowali serce, aby pomóc pobudzić je do ponownego ruchu. Do końca życia odczuwał skutki fizyczne, m.in. musiał nosić gorset chirurgiczny. Strzelanina wywarła głęboki wpływ na życie i sztukę Warhola.
Solanas została aresztowana dzień po napadzie, po tym jak sama zgłosiła się na policję. W ramach wyjaśnienia powiedziała, że Warhol „miał zbyt dużą kontrolę nad moim życiem”. Następnie zdiagnozowano u niej schizofrenię paranoidalną i ostatecznie skazano na trzy lata pod kontrolą Departamentu Więziennictwa. Po strzelaninie, scena Factory mocno zwiększyła ochronę, a dla wielu skończyły się „Factory 60s”.
Warhol miał to do powiedzenia na temat ataku: „Zanim mnie postrzelono, zawsze myślałem, że jestem bardziej pół-tutaj niż cały-tutaj – zawsze podejrzewałem, że oglądam telewizję zamiast żyć życiem. Ludzie czasami mówią, że sposób, w jaki rzeczy dzieją się w filmach jest nierealny, ale tak naprawdę to sposób, w jaki rzeczy dzieją się w życiu jest nierealny. W filmach emocje wyglądają tak silnie i realnie, podczas gdy kiedy naprawdę coś ci się przydarza, to tak jakbyś oglądał telewizję – nic nie czujesz. Kiedy mnie postrzelono i od tamtej pory wiedziałem, że oglądam telewizję. Kanały się przełączają, ale to wszystko jest telewizja.”
W porównaniu z sukcesem i skandalem, jaki Warhol odniósł w latach 60-tych, lata 70-te były znacznie spokojniejszą dekadą, ponieważ stał się on bardziej przedsiębiorczy. Według Boba Colacello, Warhol poświęcił większość swojego czasu na pozyskiwanie nowych, bogatych mecenasów dla zleceń portretowych, w tym szacha Iranu Mohammada Rezy Pahlawiego, jego żony cesarzowej Farah Pahlavi, jego siostry księżniczki Ashraf Pahlavi, Micka Jaggera, Lizy Minnelli, Johna Lennona, Diany Ross i Brigitte Bardot. W 1973 roku Warhol wykonał słynny portret chińskiego przywódcy komunistycznego Mao Zedonga. Założył także, wraz z Gerardem Malangą, magazyn Interview i opublikował książkę The Philosophy of Andy Warhol (1975). Idea wyrażona w książce: „Zarabianie pieniędzy jest sztuką, a praca jest sztuką, a dobry biznes jest najlepszą sztuką.”
Warhol spotykał się towarzysko w różnych nocnych lokalach w Nowym Jorku, w tym Max’s Kansas City; i, później w latach 70-tych, Studio 54. Był ogólnie uważany za cichego, nieśmiałego i skrupulatnego obserwatora. Krytyk sztuki Robert Hughes nazwał go „białym kretem Union Square.”
Warhol wraz ze swoim długoletnim przyjacielem Stuartem Pivarem założył w 1979 roku New York Academy of Art.
Warhol odniósł ponowny sukces krytyczny i finansowy w latach 80-tych, częściowo dzięki swoim powiązaniom i przyjaźniom z wieloma płodnymi młodszymi artystami, którzy zdominowali „rynek byka” sztuki nowojorskiej lat 80-tych: Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle i inni tzw. neoekspresjoniści, a także członkowie ruchu Transavantgarde w Europie, w tym Francesco Clemente i Enzo Cucchi.
W tym czasie artysta graffiti Fab Five Freddy złożył hołd Warholowi, malując cały pociąg puszkami zupy Campbell. Dzięki temu Freddy zaangażował się w undergroundową scenę artystyczną Nowego Jorku i został współpracownikiem Basquiata.
W tym okresie Warhol był już krytykowany za to, że stał się jedynie „artystą biznesu”. W 1979 roku recenzentom nie podobały się jego wystawy portretów osobistości i celebrytów z lat 70., nazywając je powierzchownymi, prostackimi i komercyjnymi, bez głębi czy wskazania znaczenia tematów. Skrytykowali również jego wystawę 10 portretów z 1980 roku w Muzeum Żydowskim na Manhattanie, zatytułowaną Żydowscy Geniusze, którą Warhol – niezainteresowany judaizmem i Żydami – opisał w swoim dzienniku słowami: „Oni się sprzedadzą”. Z perspektywy czasu jednak, niektórzy krytycy postrzegają powierzchowność i komercyjność Warhola jako „najbardziej błyskotliwe zwierciadło naszych czasów”, twierdząc, że „Warhol uchwycił coś nieodpartego w zitgeist amerykańskiej kultury lat 70-tych.”
Warhol miał również uznanie dla intensywnego hollywoodzkiego przepychu. Kiedyś powiedział: „Kocham Los Angeles. Kocham Hollywood. Są takie piękne. Wszystko jest plastikowe, ale ja kocham plastik. Chcę być plastikowy.”
Warhol zmarł na Manhattanie, o 6:32 rano, 22 lutego 1987 roku. Według doniesień prasowych, po rutynowej operacji woreczka żółciowego w szpitalu nowojorskim wracał do zdrowia, zanim zmarł we śnie z powodu nagłej arytmii serca po operacji. Przed diagnozą i operacją Warhol zwlekał ze sprawdzeniem swoich powracających problemów z woreczkiem żółciowym, ponieważ bał się wchodzić do szpitali i spotykać z lekarzami. Jego rodzina pozwała szpital za nieodpowiednią opiekę, twierdząc, że arytmia była spowodowana niewłaściwą opieką i zatruciem wodą. Sprawa o błąd w sztuce została szybko rozstrzygnięta poza sądem; rodzina Warhola otrzymała nieujawnioną sumę pieniędzy.
Ciało Warhola zostało zabrane przez jego braci do Pittsburgha w celu pochówku. Stypa odbyła się w Thomas P. Kunsak Funeral Home i była ceremonią z otwartą trumną. Trumna była wykonana z litego brązu z pozłacanymi szynami i białą tapicerką. Warhol ubrany był w czarny kaszmirowy garnitur, krawat w paisley, platynową perukę i okulary przeciwsłoneczne. W ręku trzymał mały modlitewnik i czerwoną różę. Liturgia pogrzebowa odbyła się w kościele katolickim Holy Ghost Byzantine Catholic Church na North Side w Pittsburghu. Przemówienie wygłosił monsignor Peter Tay. Głos zabrali Yoko Ono i John Richardson. Trumna została przykryta białymi różami i paprociami szparagowymi. Po liturgii trumna została przewieziona na bizantyjski cmentarz katolicki św. Jana Chrzciciela w Bethel Park, na południowym przedmieściu Pittsburgha.
Przy grobie ksiądz odmówił krótką modlitwę i pokropił trumnę wodą święconą. Zanim trumna została opuszczona, Paige Powell wrzuciła do grobu egzemplarz magazynu Interview, koszulkę Interview i flakonik perfum Estee Lauder „Beautiful”. Warhol został pochowany obok swojej matki i ojca. 1 kwietnia 1987 roku na Manhattanie odbyło się nabożeństwo żałobne dla Warhola w Katedrze Świętego Patryka, Nowy Jork.
Fundacja
W testamencie Warhola zapisano, że cały jego majątek – z wyjątkiem kilku skromnych zapisów dla członków rodziny – zostanie przeznaczony na stworzenie fundacji poświęconej „postępowi sztuk wizualnych”. Warhol posiadał tak wiele rzeczy, że po jego śmierci aukcja jego majątku zajęła Sotheby’s dziewięć dni; aukcja przyniosła ponad 20 milionów dolarów.
W 1987 roku, zgodnie z wolą Warhola, powstała Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Fundacja pełni funkcję majątku Andy’ego Warhola, ale ma również misję „wspierania innowacyjnej ekspresji artystycznej i procesu twórczego” i jest „skoncentrowana przede wszystkim na wspieraniu prac o ambitnym i często eksperymentalnym charakterze.”
The Artists Rights Society jest amerykańskim przedstawicielem praw autorskich dla Andy Warhol Foundation for the Visual Arts w odniesieniu do wszystkich dzieł Warhola z wyjątkiem zdjęć filmowych Warhola. Amerykańskim przedstawicielem praw autorskich do zdjęć filmowych Warhola jest Muzeum Warhola w Pittsburghu. Ponadto, Andy Warhol Foundation for the Visual Arts posiada umowy dotyczące swojego archiwum obrazów. Wszystkie cyfrowe obrazy Warhola są zarządzane wyłącznie przez Corbis, natomiast wszystkie obrazy przezroczyste Warhola są zarządzane przez Art Resource.
Fundacja Andy’ego Warhola wydała w 2007 roku swój 20th Anniversary Annual Report jako trzytomowy zestaw: Vol. I, 1987-2007; Vol. II, Grants & Exhibitions; oraz Vol. III, Legacy Program.
Fundacja pozostaje jedną z największych organizacji przyznających dotacje na sztuki wizualne w USA.