Muzyka disco jest wciąż popularna w XXI wieku, ale krzykliwa moda została zdegradowana do imprez kostiumowych i przebieranek w stylu vintage. Jednak moda disco jest tak popularna, ponieważ ubrania są tak zabawne i krzykliwe, że możesz naprawdę pokazać swoją ekstrawertyczną stronę. Disco nie jest martwe. Tutaj jest kompletna historia disco i disco fashion.
The heyday of disco moda rozkwitła z muzyki granej w gejowskiej podziemnych klubów nowojorskich, takich jak Loft, Tenth Floor, i 12 West na początku lat 70-tych. Inne kluby, takie jak Infinity, Flamingo, Paradise Garage, Le Jardin i the Saint zapoczątkowały kulturę disco, która przyniosła ze sobą postawę „anything-goes” i całonocne tańce.
Studio 54 stało się miejscem, gdzie można było zobaczyć dyskotekowe ubrania, takie jak boob-tuby, buty na platformie, spodnie z flauszu i świadome kształty ubrane w lureks, brokat i szalone wzory lub kolory. Studio 54 odegrało istotną rolę w stworzeniu sceny klubów nocnych, która jest z nami do dziś – miejsca, gdzie ludzie ubierają się tak, aby być zauważonym i w najnowszej modzie.
Sukces filmu Gorączka sobotniej nocy (1977) zapewnił, że disco wisiało przez kilka lat, zanim stało się bardzo niemodne, gdy Punk Rock i Nowa Fala stały się nową modą anty-modową.
Ale co wydarzyło się przed latami 70-tymi, aby wpłynąć na styl disco, który jest nam tak dobrze znany dzisiaj? Cofnijmy się w czasie i przyjrzyjmy się temu……….
Dni przed disco
1900-1933: W USA ludzie tańczą w klubach do pianina lub szafy grającej. 
Ta scena klubów nocnych schodzi do podziemia wraz z prohibicją aż do 1933 roku, kiedy to kluby nocne stają się ponownie spopularyzowane z wykorzystaniem big bandów i muzyki swingowej.
Wiosna 1939 – The Swing Kids to mały ruch niemieckiej młodzieży z klasy średniej poświęcony jazzowi i krzykliwej modzie, która towarzyszy muzyce. Spotykają się, aby tańczyć i pokazywać swoje najnowsze ruchy i stroje jazzowe. Swing Kids są reakcją na rosnący w siłę ruch nazistowski (który postrzegał kulturę jazzową jako zły wpływ na kulturę etniczną i międzynarodową). Pomimo, że nie stosowali przemocy wobec dominującej kultury, grupa zostaje zamknięta przez SS (spróbuj obejrzeć film Swing Kids – 1993-, aby zobaczyć tę historię).
W okupowanej Francji, muzyka jazzowa i bebopowa oraz taniec jitterbug są zakazane przez nazistów. Zostały one uznane za wpływy zdegenerowane. Grupy francuskiego ruchu oporu spotykają się w ukrytych podziemnych klubach tanecznych zwanych „dyskotekami”. Tańczą do muzyki swingowej granej z szafy grającej lub z jednego gramofonu. Tancerze noszą zoot suit, tak jak tancerze swingowi w Ameryce.
1942 – La Discotheque, klub nocny w piwnicy z jednym gramofonem otwiera się w Paryżu. Termin „dyskoteka” jest używany w Europie do określenia klubów, w których nie gra się muzyki na żywo.
Później w Paryżu (1947) Paul Pacine otwiera klub Whiskey A-Go-Go – jeden z pierwszych w historii klubów nocnych.
W Whiskey A-Go-Go w 1953 roku DJ Regine używa dwóch gramofonów bez przerw między muzyką. Jest parkiet do tańca, kolorowe światła i brak szafy grającej.
Późne lata 50. Tymczasem w Londynie, bary kawowe w Soho stają się najmodniejsze miejsca, aby być postrzegane, takie jak był Les Enfants Terribles na 93 Dean St. Jednak te kawiarnie są nielicencjonowane. Często odwiedzane przez francuskich i włoskich imigrantów, zaspokajają potrzeby młodych ludzi, którzy chcą potańczyć w godzinach popołudniowych. W 1950s Londyn, rock and roll hipsters wolą bary i tawerny do klubów nocnych (klub nocny nie jest naprawdę mainstream tutaj aż do 1970s).
Jest początek 1960s, i Mark Birley otwiera członków tylko dyskoteka klub nocny, Annabel’s, w Berkeley Square, Londyn. Rok 1961: Stany Zjednoczone ogarnia szaleństwo Twista. W 1962 roku nowojorski Peppermint Lounge staje się modnym miejscem, w którym można spędzić noc, tańcząc twista samemu lub z partnerem czy dwiema osobami – wszystko jest dozwolone. Teraz ludzie często tańczą bez partnera. Peppermint Lounge jest świadkiem narodzin tańca go-go. W Wielkiej Brytanii, Roger Earle DJ w The Twisted Earle w Manchesterze UK, i tworzy podstawy sceny Northern Soul (który będzie miał duży wpływ na Disco).
The Dawn of Disco
Jest 1965 i Arthur otwiera w Nowym Jorku z DJ Terry Noel (pierwszy DJ do miksowania płyt). Inne kluby takie jak Regine’s, Le Club, Shepheard’s, Cheetah, Ondine również otwierają się w połowie lat 60-tych.
Międzyczasie w Europie w 1966 roku płyty takie jak Hold Me Closer i Baby Come Back stają się hitami i rozpoczynają scenę Eurodisco. Scena klubowa w Paryżu rozkręca się z nowymi klubami o nazwach Chez Castel i Chez Regine.
Nowy Jork, 1969 rok, klub o nazwie The Contentinal Baths otwiera się i Sanctuary otwiera się na West 43rd Street z legendarnym DJ Francisem Grasso. Ukazuje się płyta Jerry’ego Butlera Only The Strong Survive. To pionierzy Philly Sound, który stanie się jednym z najważniejszych elementów historii muzyki Disco.
Takie kluby bawią i angażują rosnące zaufanie grup marginalizowanych w tym czasie. Afroamerykanie, lesbijki i geje, psychodelicy, Latynosi mieszają się z hipsterskimi heteroseksualistami w klubach Nowego Jorku i Filadelfii w późnych latach 60. i wczesnych 70. W dekadzie rosnącej fragmentaryzacji społecznej i wyborów stylu życia, reakcja przeciwko dominującej w Ameryce białej muzyce i kulturze rockowej jest mistrzostwem sceny muzyki tanecznej z czasów rozkwitu jazzu. Disco przemawia również do kobiet, świeżo wyzwolonych dzięki pigułce i feminizmowi, który stał się tematem nowoczesnych miejsc pracy. Kobiety szukają możliwości wyjścia bez przyzwoitki, przebrania się, wydania swoich ciężko zarobionych pieniędzy i przetańczenia nocy przy muzyce funk, latin i soul.
Wiele dźwięków i widoków disco czerpie również inspirację z elementów kultury hipisowskiej, takich jak psychodelia, wolna miłość, kolorowe ubrania i branie narkotyków. To era kontrkultury, początek ery Wodnika, emancypacji i wolności.
W międzyczasie w Paryżu kluby grają utwory erotyczne, takie jak Je T’Aime, Moi Non Plus Serge’a Gainsbourga, oraz długie, gładkie kawałki, takie jak Walk On By Isaaca Hayesa.
W 1970 roku DJ David Mancuso i jego imprezy Loft rozpoczynają działalność w Nowym Jorku, stając się zapowiedzią wielu kolejnych prywatnych klubów. Jego imprezy są tylko dla członków w jego domu.
Wczesne utwory wskazujące na dźwięk disco obejmują Bla, Bla Diddly (Giorgio Moroder, 1966), You Keep Me Hangin' On (The Supremes, 1966), Only the Strong Survive (Jerry Butler, 1968), Message to Love (Jimi Hendrix’s Band of Gypsys, 1970), Soul Makossa (Manu Dibango, 1972), Keep on Truckin' (Eddie Kendricks,1973) i The Love I Lost (Harold Melvin & The Blue Notes,1973).
1971: Disco dociera do telewizji dzięki muzycznemu i tanecznemu show Soul Train.
1973: pierwszy artykuł o disco pisze Vince Aletti dla Rolling Stone.
Disco Dancing
1973: Karen Lustgarten wprowadza swoje lekcje tańca disco w San Francisco. Jej książka, The Complete Guide to Disco Dancing (Warner Books, 1978), jest pierwszą, która nazywa, rozkłada i uczy popularnych tańców z disco. Książka jest bestsellerem i została przetłumaczona na kilka języków.
Indywidualne style są choreografie, aby dopasować różne dźwięki disco i wokale. The Hustle staje się wspólną nazwą dla wielu stylizowanych ruchów. Ten taniec partnerski wykorzystuje wyszukane ruchy rąk i funky skręty i obroty, pod wpływem tańca swingowego z lat 30. i 40. Inne tańce również wpływają na styl tańca disco, takie jak latynoskie ruchy Mambo i Salsa. Taniec w linii został spopularyzowany najpierw na Florydzie, a następnie w Nowym Jorku, we wczesnych latach 70-tych.
Gorączka disco 1974-77
Od 1974 do 1977 roku, muzyka disco kontynuuje wzrost popularności, a wiele piosenek disco zdobywa szczyty list przebojów.
Pod koniec 1977 roku gorączka disco osiąga szczyt wraz z wydaniem filmu Gorączka sobotniej nocy. Postrzegany jako narzędzie marketingowe do rozszerzenia popularności disco poza kontrkulturę, jest to ogromny sukces, a ścieżka dźwiękowa BeeGees staje się jednym z najlepiej sprzedających się albumów wszechczasów.
Pod koniec lat 70. disco staje się mocno osadzone w głównym nurcie popkultury. Istniejące piosenki nie-disco są często traktowane jako disco. Bogaty orkiestrowy akompaniament, który utożsamia się z epoką disco, przywołuje wspomnienia z epoki big bandu. Z kolei kilku artystów big bandowych nagrywa aranżacje disco, w tym Perry Como.
Klasyczne aranżacje orkiestrowe również stają się disco-fied, gdy długie utwory muzyczne zyskują popularność na parkiecie. Nawet Ethel Merman jest w tym, wydając album z piosenkami dyskotekowymi The Ethel Merman Disco Album w 1979 roku. Wydawałoby się, że każdy robi disco.
Moda disco w latach 70-tych
Moda disco jest bardzo popularna w połowie lat 70-tych. Nawet Elvis nosi rozkloszowany kombinezon z wycięciem do pępka. Bywalcy dyskotek w Nowym Jorku noszą drogie i ekstrawaganckie stroje na nocne wyjścia: zwiewne, zawijane sukienki Diane von Furstenberg; lejące się sukienki Halston dla kobiet i poliestrowe, wzorzyste koszule Qiana dla mężczyzn ze spiczastymi kołnierzykami, najlepiej rozpięte na piersiach. Garnitur wypoczynkowy staje się popularny z podwójnie splecionymi poliestrowymi kurtkami koszulowymi i dopasowanymi spodniami.
Trend dla tych gotowych do noszenia dostępnych stylów couture szybko filtruje w dół do niedrogiej mody ulicznej dla tego wszystko-goes era mody. Mężczyźni stają się pawiami prezentującymi jaskrawe kolory, krzykliwe wzory i efektowną biżuterię.
Dla kobiet, moda lat 70-tych rozpoczęła się od kontynuacji mini spódniczek, spódnic typu bell-bottoms i androgynicznego wyglądu hippisów z końca lat 60-tych. Ale trend lat 70. na disco wprowadza modę na nowy poziom krzykliwości. Modni odwracają się od dziecięcego wyglądu późnych lat 60-tych w stronę bardziej wyrafinowanego, świadomego seksualnie i dojrzałego stylu. Te style stają się częścią kultury popularnej, aż każdy i jego babcia nosi je.
Tutaj jest rundown tych wyraźnych must-have przedmiotów, które przyszły do zdefiniowania ery disco lat 70-tych:
Hotpants:
Hotpants były popularne wśród młodych kobiet od 1971 roku. Te spodenki były bardzo obcisłe i bardzo krótkie (tak krótkie i tak ciasne, jak to tylko możliwe). Pierwotnie zaprojektowane do noszenia z grubymi kryjącymi rajstopami, postawa „anything-goes” oznaczała, że hotpants były noszone w każdy możliwy sposób – rajstopy lub ich brak.
Platform shoes:
Pojawiając się w modzie w 1971 roku buty na podeszwach platformowych podniosły zarówno mężczyzn jak i kobiety co najmniej 2-4 cale od ziemi. Pomimo tego, że pomagały one w utrzymaniu długich, szerokich flauszowych spodni z dala od ziemi, były mało praktyczne.
Dżinsy/spodnie z klapami:
Spodnie szybko stawały się coraz bardziej popularnym wyborem dla kobiet na początku lat 70-tych. Etykiety stały się ważne jako symbol statusu mody z jeansami Vanderbilt i Fiorucci, które stały się pozycjami must-have. Spodnie są praktyczne i uwalniają wyzwoloną kobietę pracującą.
W odróżnieniu od spodni hipsterskich z lat 60-tych, fasony były z wysokim stanem i ciasno przylegały do bioder i ud, rozchylając się, aby zakryć te wysokie buty na platformie. Szerokość spodni była tak głupia, że ludzie przewracali się przez nie, a ich buty na platformie wpadały w dodatkową tkaninę.
Możliwość wyboru elastycznych, sztucznych tkanin pozwalała na wszystko, od zwykłej białej satyny po pełne psychodeliczne kolory i kwiatowe wzory. Spodnie z flauszu straciły swoją modową przewagę w połowie lat 70-tych, a obcisłe spodnie stały się obowiązkową pozycją do tańca (dla kobiet) i bardziej pojemnym/mniej strukturalnym kształtem spodni (dla mężczyzn).
Trzy częściowy garnitur:
Spopularyzowany przez Johna Travoltę w Gorączce sobotniej nocy, biały garnitur z poliestru z dopasowaną kamizelką był nowym stylem dla mężczyzn. Często był on łączony z biżuterią, taką jak bransoletka lub wisiorek z medalionem, noszony pod rozpiętą koszulą. Wymagane były szerokie klapy, szerokie nogawki i wysokie talie, a garnitury mogły być również dostępne w różnych jaskrawych kolorach, aby dopasować się do odcieni parkietu. Biały kolor wyglądał również świetnie pod ultrafioletowym oświetleniem, które stało się popularne w dyskotekach.
Sukienka w kratkę:
Prosta sukienka w kratkę z poliestru stretch-jersey została wprowadzona przez Diane von Furstenberg w 1972 roku – również widziana w Gorączce sobotniej nocy. Nosiło się ją z sandałami lub butami do kolan na grubym obcasie. Można ją było nosić do biura w dzień w jednolitym kolorze, a w nocy przekształcić w seksowny kształt.
Blask:
To była dekada znana z wprowadzenia glam i brokatu dla mas. Niedrogie, sztuczne tkaniny sprawiły, że każdy mógł sobie pozwolić na odrobinę brokatu w swoich ubraniach, a ludzie oszaleli na jego punkcie. Metaliczne nici, satynowy wygląd, cekiny, wszystko co się mieniło i błyszczało było świetne. Brokat pojawił się również w makijażu, dziewczyny nakładały żel z brokatem na policzki, usta, oczy. Błyszczyk do ust był niezbędny. Brwi były również wyskubane do cienkiej linii łuku.
Boob-tuba:
Często zdobiona cekinami, boob-tuba była rozciągliwą rurką bez ramiączek noszoną wokół klatki piersiowej i tułowia, lub odsłaniającą pośladki. Halter neck topy były również modnym elementem na dyskotece.
Dancewear/Leotard:
Znowu to było widziane w Gorączce sobotniej nocy. Od 1974 roku trykot stał się popularnym elementem mody na dyskotece. Świadomy sylwetki i znak, że poważnie myślisz o tańcu disco i nauce najnowszych ruchów. Można go było ubrać z szalikiem owiniętym wokół bioder lub nałożyć na siebie warstwy w kontrastujących kolorach.
Większość tego typu odzieży była w rzeczywistości profesjonalną odzieżą taneczną. Jej elastyczność przydawała się podczas rygorystycznych ruchów i gorących nocy na parkiecie. Odzież z poliestru spandexu weszła do mody popularnej dzięki strojom tanecznym wprowadzonym w latach 60-tych oraz dzięki parkietom dyskotekowym w latach 70-tych.
Stroje taneczne pokazały również wszystkim, że jesteś zainteresowany utrzymaniem sprawnego i stonowanego ciała – obsesja ta ma swoje korzenie w powstaniu klubów fitness i zdrowia oraz regularnym ćwiczeniu. Jogging, jazda na łyżwach i inne aktywności fizyczne stały się bardzo modne dla tych, którzy chcieli dobrze wyglądać.
Akcesoria:
Piórkowe boa, zawadiackie szaliki, turbany.
Włosy: pomyśl o fryzurach afro, kudłatych i pierzastych, a to tylko mężczyźni! Włosy były łatwe do układania i luźne lub ciasne i kręcone, tylko trochę tonging, lakier do włosów lub żel i może trochę żelu z brokatem dla dziewczyn.
Śmierć disco
Cały wygląd disco został stopniowo zastąpiony przez Punk Rock anty-mody w późnych latach 70-tych. Styl disco był uważany za zbyt eskapistyczny, krzykliwy i nie pasujący do ówczesnej polityki. W USA anty-disco resentyment wzrósł wśród fanów rocka, którzy zaczęli nosić anty-disco slogany na koszulkach.
Szczytem tego było wydarzenie znane jako Disco Demolition Night, 12 lipca 1979 roku. Demonstracja anty-disco w Comiskey Park w Chicago odbyła się z udziałem eksplodujących płyt disco. Skończyło się to zamieszkami, gdy tłum wyrwał siedzenia i zdemolował to miejsce.
Niektórzy twierdzą, że disco backlash był zachęcany przez producentów muzycznych, którzy chcieli, aby rock stał się znowu bardziej popularny. Inni opisują zniszczenie disco jako celową bigoteryjną próbę zniszczenia popularyzacji kultury muzycznej uwielbianej przez wiele grup mniejszościowych w społeczeństwie.
Jednakże disco żyje dalej w sercach wielu i zawsze będzie mały kawałek disco w duszy każdego, kto dziś wejdzie do klubu nocnego, aby przetańczyć noc bez konieczności łączenia się w pary z partnerem.
Odrodzenia i Eurodisco
Pod koniec lat 80-tych i w latach 90-tych, odrodzenie oryginalnego stylu disco było popularne. Pod koniec wieku wiele piosenek z wpływami disco było hitami.
Eurodisco było zawsze bardziej popowe i mniej wpływowe niż amerykańskie disco. Pozostało w popkulturze w całej Europie i Wielkiej Brytanii, z grupami takimi jak ABBA i BoneyM cieszącymi się wielkim sukcesem. Takie grupy pozostały znaczącym wpływem w Europie i Wielkiej Brytanii w latach 80-tych z takimi aktami jak Frankie Goes To Hollywood, Pet Shop Boys i wiele udanych płyt wydanych przez Stock, Aitken i Waterman w Wielkiej Brytanii.
Disco zawsze pozostanie popularne w muzyce, nawet jeśli ekstremalna moda z jego rozkwitu została przeniesiona do historii.