Guinguette Marais Poitevin

Życie Schuberta wydaje się być tragicznie zgodne z kliszą romantycznego twórcy: cierpiący kompozytor, który marnieje w zapomnieniu, a jego geniusz zostaje doceniony dopiero po przedwczesnej śmierci. Choć Schubert cieszył się szacunkiem bliskiego kręgu przyjaciół, jego muzyka nie spotkała się z szerokim przyjęciem za życia. Choć studiujemy go w ramach modułu romantycznego, Schubert nie pasuje do epoki romantyzmu. Podobnie jak Beethoven, Schubert jest postacią przejściową. Część jego muzyki – zwłaszcza wcześniejsze kompozycje instrumentalne – skłania się ku bardziej klasycznemu podejściu. Jednak innowacje melodyczne i harmoniczne w jego pieśniach artystycznych i późniejszych utworach instrumentalnych są silniej osadzone w tradycji romantycznej. Ponieważ jego pieśni artystyczne są tak wyraźnie romantyczne w swoim założeniu, i ponieważ pieśni artystyczne stanowią większość jego kompozycji, badamy go jako część epoki romantyzmu.

Wprowadzenie

Franz Peter Schubert (31 stycznia 1797 – 19 listopada 1828) był austriackim kompozytorem.

Schubert zmarł w wieku 31 lat, ale za życia był niezwykle płodny. Jego dorobek obejmuje ponad sześćset świeckich utworów wokalnych (głównie Lieder), siedem kompletnych symfonii, muzykę sakralną, opery, muzykę incydentalną i duży zbiór muzyki kameralnej i fortepianowej. Za życia kompozytora doceniano jego muzykę w stosunkowo wąskim kręgu wielbicieli w Wiedniu, ale w dziesięcioleciach po jego śmierci zainteresowanie jego twórczością znacznie wzrosło. Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Franz Liszt, Johannes Brahms i inni XIX-wieczni kompozytorzy odkryli jego twórczość i stali się jej orędownikami. Dziś Schubert zaliczany jest do największych kompozytorów późnego klasycyzmu i wczesnego romantyzmu i jest jednym z najczęściej wykonywanych kompozytorów początku XIX wieku.

Muzyka

Schubert był niezwykle płodny, w ciągu swojej krótkiej kariery napisał ponad 1500 utworów. Najwięcej z nich to pieśni na głos solowy i fortepian (ponad 600). Skomponował również znaczną liczbę utworów świeckich na dwa lub więcej głosów: partie pieśni, chóry i kantaty. Ukończył osiem uwertur orkiestrowych i siedem pełnych symfonii, a także fragmenty sześciu innych. Nie skomponował żadnego koncertu, ale napisał trzy utwory koncertujące na skrzypce i orkiestrę. Sporo jest muzyki na fortepian solo, w tym czternaście kompletnych sonat, liczne utwory różne i wiele krótkich tańców. Stosunkowo duży jest też zbiór utworów na duet fortepianowy. Utworów kameralnych jest ponad pięćdziesiąt, w tym kilka fragmentarycznych. Twórczość sakralna obejmuje siedem mszy, jedno oratorium i requiem, a także inne części mszalne i liczne drobniejsze kompozycje. Ukończył tylko jedenaście z dwudziestu swoich dzieł scenicznych.

Styl i recepcja

W lipcu 1947 roku XX-wieczny kompozytor Ernst Krenek dyskutował o stylu Schuberta, wstydliwie przyznając, że początkowo „podzielał szeroko rozpowszechnioną opinię, że Schubert był szczęśliwym wynalazcą przyjemnych melodii (…) pozbawionym dramatycznej siły i poszukującej inteligencji, które wyróżniały takich 'prawdziwych' mistrzów jak J.S. Bach czy Beethoven”. Krenek pisał, że do zupełnie innej oceny doszedł po dokładnym przestudiowaniu utworów Schuberta za namową przyjaciela i kolegi kompozytora Eduarda Erdmanna. Krenek wskazał na sonaty fortepianowe jako na „liczne dowody na to, że Schubert był kimś więcej niż łatwym w obyciu stroicielem, który nie znał i nie dbał o rzemiosło kompozytorskie”. Każda z sonat, które ukazały się wówczas drukiem, zdaniem Krenka, eksponowała „wielkie bogactwo technicznej finezji” i ujawniała Schuberta jako „dalekiego od zadowolenia z wlewania swych czarujących pomysłów w konwencjonalne formy; przeciwnie, był to artysta myślący, z żywym apetytem na eksperymenty.”

Ten „apetyt na eksperymenty” przejawia się wielokrotnie w twórczości Schuberta w najróżniejszych formach i gatunkach, w tym w operze, muzyce liturgicznej, muzyce kameralnej i solowej na fortepian, a także w utworach symfonicznych. Najbardziej chyba znana jest jego awanturniczość przejawiająca się w niezwykle oryginalnym wyczuciu modulacji, jak w drugiej części Kwintetu smyczkowego (D 956), w której moduluje od E-dur, przez f-moll, by dojść do tonacji E-dur. Pojawia się także w nietypowych wyborach instrumentacji, jak w Sonacie a-moll na arpeggione i fortepian (D 821), czy niekonwencjonalnej obsadzie Kwintetu pstrągowego (D 667).

Jakkolwiek pozostawał pod wyraźnym wpływem klasycznych form sonatowych Beethovena i Mozarta (jego wczesne dzieła, wśród nich zwłaszcza V Symfonia, są szczególnie mozartowskie), jego struktury formalne i rozwój sprawiają raczej wrażenie rozwoju melodycznego niż dramatu harmonicznego. To połączenie klasycznej formy i długo oddychającej romantycznej melodii nadaje im czasem dyskursywny styl: jego Wielka Symfonia C-dur została opisana przez Roberta Schumanna jako biegnąca do „niebiańskich długości”. Jego innowacje harmoniczne obejmują części, w których pierwsza sekcja kończy się w tonacji subdominanty, a nie dominanty (jak w ostatniej części Kwintetu pstrągowego). Praktyka Schuberta była tu prekursorem powszechnej w romantyzmie techniki rozluźniania, a nie podnoszenia napięcia w środku części, z ostatecznym rozwiązaniem odkładanym na sam koniec.

Jednakże to właśnie w gatunku pieśni Schubert odcisnął swoje najbardziej niezatarte piętno. Leon Plantinga zauważa: „W swoich ponad sześciuset pieśniach zbadał i rozszerzył możliwości tego gatunku jak żaden inny kompozytor przed nim.” Przed wpływem Schuberta pieśni skłaniały się ku stroficznemu, sylabicznemu traktowaniu tekstu, przywołując cechy pieśni ludowych, powstałych w wyniku rozbudzenia romantycznego nacjonalizmu. Spośród opracowań poezji Goethego szczególnie uderzające są jego opracowania „Gretchen am Spinnrade” (D 118) i „Der Erlkönig” (D 328), które cechuje dramatyczna treść, dalekowzroczne zastosowanie harmonii oraz wykorzystanie wymownych, obrazowych figuracji klawiszowych, jak np. wyobrażenie koła przędzalniczego i bieżni w fortepianie w „Gretchen” oraz wściekłego i nieustającego galopu w „Erlkönigu”. Komponował muzykę na podstawie wierszy niezliczonych poetów, wśród których najczęściej wymieniani są Goethe, Mayrhofer i Schiller, a także Heinrich Heine, Friedrich Rückert i Joseph Freiherr von Eichendorff. Na szczególną uwagę zasługują również jego dwa cykle pieśni do wierszy Wilhelma Müllera „Die schöne Müllerin” i „Winterreise”, które przyczyniły się do ugruntowania gatunku i jego potencjału muzycznej, poetyckiej i niemal operowej narracji dramatycznej. Ostatni cykl pieśni, wydany w 1828 roku po śmierci kompozytora, „Schwanengesang”, jest również nowatorskim wkładem w niemiecką literaturę pieśniową, ponieważ zawiera wiersze różnych poetów: Ludwiga Rellstaba, Heinego i Johanna Gabriela Seidla. Wiener Theaterzeitung, pisząc o „Winterreise” w tamtym czasie, stwierdził, że jest to utwór, którego „nikt nie może śpiewać ani słuchać bez głębokiego wzruszenia”. Antonín Dvořák napisał w 1894 roku, że Schubert, którego uważał za jednego z naprawdę wielkich kompozytorów, miał wyraźny wpływ na krótsze utwory, zwłaszcza pieśni i krótsze utwory fortepianowe: „Tendencja szkoły romantycznej była w kierunku krótkich form i chociaż Weber pomógł wskazać drogę, to Schubertowi należy się główna zasługa za zapoczątkowanie krótkich modeli utworów fortepianowych forte, które szkoła romantyczna najchętniej kultywowała. Schubert stworzył nową epokę za pomocą Pieśni. Wszyscy inni pieśniarze poszli w jego ślady.”

Styl kompozytorski Schuberta rozwijał się szybko przez całe jego krótkie życie. Poczucie żalu z powodu utraty potencjalnych arcydzieł, spowodowanej jego wczesną śmiercią w wieku 31 lat, zostało wyrażone w epitafium na jego dużym nagrobku, napisanym przez jego przyjaciela, poetę Franza Grillparzera: „Tu muzyka zakopała skarb, ale jeszcze uczciwsze nadzieje”. Niektórzy nie zgadzają się z tym wczesnym poglądem, twierdząc, że Schubert za życia stworzył wystarczająco dużo arcydzieł, by nie ograniczać się do obrazu niespełnionej obietnicy. Takiego zdania są zwłaszcza pianiści, w tym Alfred Brendel, który epitafium Grillparzera określił sucho jako „niestosowne.”

Kameralistyka Schuberta cieszy się niesłabnącą popularnością. W plebiscycie, którego wyniki ogłoszono w październiku 2008 roku, australijska ABC stwierdziła, że utwory kameralne Schuberta dominują w tej dziedzinie – na pierwszym miejscu znalazł się Kwintet pstrągowy, a za nim dwa inne jego dzieła.

Krytyk muzyczny New York Timesa, Anthony Tommasini, który uznał Schuberta za czwartego największego kompozytora, napisał o nim:

Musisz kochać faceta, który zmarł w wieku 31 lat, chory, zubożały i zaniedbany, z wyjątkiem kręgu przyjaciół, którzy byli w zachwycie nad jego geniuszem. Tylko ze względu na setki pieśni – w tym nawiedzający cykl „Winterreise”, który nigdy nie uwolni się od nieustępliwego uścisku ze strony śpiewaków i publiczności – Schubert zajmuje centralne miejsce w naszym życiu koncertowym…. Kilka pierwszych symfonii Schuberta może być dziełami w toku. Ale Niedokończona, a zwłaszcza Wielka Symfonia C-dur są zdumiewające. Ta ostatnia toruje drogę Brucknerowi i zapowiada Mahlera.

Jeśli chcielibyście Państwo głębiej zrozumieć doświadczenia życiowe Franza Schuberta, możecie przeczytać cały artykuł na jego temat w Wikipedii, z którego zaczerpnięto te słowa.